Libros: Gafas para entender el arte moderno

Gafas para entender el arte moderno

De Manet a Bansky

Antonio Puerta López-Cózar

Encuentro

Madrid 

2023

528 págs.

Pese a las décadas que atesora, parece que el arte moderno sigue observándose con desconfianza por parte del gran público. Al mismo tiempo, la formación artística resulta cada vez más deficitaria. Por esta razón, no es extraño que se siga anhelando la sencillez de la experiencia estética, el enfoque artístico tradicional que no demanda mayor esfuerzo que el de ponerse delante de la obra y contemplarla. Antonio Puerta López-Cózar, arquitecto, divulgador y colaborador de Aceprensa, se propone solventar esos déficits y ayudar a comprender –y disfrutar– el arte moderno. Su ensayo es una verdadera guía, que no solo evidencia el interés de los lenguajes artísticos contemporáneos, sino también su influencia, en ocasiones ignota, en la cultura y la vida de nuestro tiempo. Gafas para entender el arte moderno es un tratado maravilloso que aúna arte, historia, antropología y filosofía. Explica, por ejemplo, cómo detrás de Cuadrado blanco sobre fondo blanco (Malévich) puede ocultarse tanto una llamada a la pureza originaria, un rechazo hacia una realidad que la I Guerra Mundial había hecho insoportable, como una denuncia contra la despersonalización pretendida por el régimen soviético. El libro explica todo con claridad, empleando un estilo cercano y personal en el que hila semblanzas, momentos históricos, corrientes culturales y avances técnicos para dotar de sentido a cada una de las más de cuarenta obras que sirven de tema principal a los capítulos. Buena prueba del esfuerzo divulgador es el tono progresivo de la exposición, la agrupación de capítulos y obras en secciones temáticas y una cuidada edición material en color que incluye una reproducción de la obra de referencia al comienzo de cada explicación. En un momento en el que la mayoría de los consumidores de arte vamos a la caza del selfie frente a una obra famosa, conviene poner en valor un libro culto que no pretende aparentar la afición por el arte. Frente a los hábitos de la era digital, Puerta nos regala una fantástica herramienta para disfrutar esa manifestación de la naturaleza humana que es el arte en cualquiera de sus épocas, al tiempo que nos invita –sin proponérselo– a adoptar la actitud de un niño, sin miedos o prejuicios respecto de lo que no conocemos.

Libros: Gafas para entender el arte moderno

Gafas para entender el arte moderno

De Manet a Bansky

Antonio Puerta López-Cozar

Encuentro
Madrid
2023
528 págs. 
Antes no hacía falta entender nada para tener una experiencia estética al contemplar una obra de arte, pero hoy no es así: desde las cajas de Brillo de Andy Warhol hasta el tiburón en formol de Damien Hirst, en el mundo del arte actual se exponen muchas cosas extrañas, incluso chocantes. Se comprende que a menudo los espectadores se pregunten: ¿no es esto una tomadura de pelo? ¿Por qué el arte actual es así, por qué no se entiende? Antonio Puerta narra con claridad y perspicacia el viraje del arte en el siglo XX a través de 43 obras icónicas, dialogando a la vez con las ideas sociales, científicas, religiosas o culturales que las acompañan. Gafas para entender el arte moderno se abre, con estilo informativo y ameno, tanto al amante como al detractor del llamado «arte después del arte», para mostrar el contexto, advertir el impulso creador de cada artista y desentrañar el sentido de sus obras. Porque una cosa es aprender a mirar el arte actual y otra distinta entenderlo, las gafas que nos propone Puerta no son para corregir nuestra visión, sino para favorecerla. Tras la lectura de este libro, ir al museo o a la galería puede convertirse en una experiencia completamente diferente y, sobre todo, más gratificante.

Antonio Puerta López-Cózar (Granada, 1957) es arquitecto desde 1983 y socio fundador de APL ARQUITECTOS de Madrid. De 2000 a 2005 fue presidente de la Fundación Instituto de las Artes de Madrid y coordinador del Seminario Permanente de Investigación Artística (SEPIA). En 2002 editó «Diálogos entre-cruzados». Categorías para un diagnóstico del arte español contemporáneo; y también fue profesor visitante de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de Barcelona (UIC). Actualmente es consultor de proyectos de arquitectura y colaborador habitual en publicaciones de humanidades.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XII)

El Retablo del amor está constituido por seis paneles y en cada uno de ellos la iconografía remite, con planteamientos distintos, a la temática relacionada con el amor. En el panel central, tal y como puede apreciarse, aparece un personaje desnudo femenino, acompañado por otro vestido que la observa. Por la manera de relacionarse ambos personajes podría llegarse a afirmar que Romero de Torres acudió a la fuente de uno de los grandes del pasado como Tiziano. Bste recordar la famosa pintura de éste titulada Amor sacro, amor profano, en la que se dan cita dos personajes femeninos similares a los del artista andaluz. 

Panel central (La Anunciación) (1909). Óleo sobre lienzo. Museo Nacional de Cataluña, Barcelona

El erotismo inherente a la manera de tratar sus desnudos fue uno de los factores que potenciaron el gran éxito de Romero de Torres tuvo tanto en España como en Hispanoamérica durante la primera mitad del siglo XX. Lo cierto es que este artista supo aunar la tradición lejana con una cierta atmósfera simbolista decadentista para conseguir un estilo propio. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XI)

Santiago Rusiñol es uno de los muchos artistas catalanes que vivió unos años, entre finales del siglo XIX y principios del XX, en París. Allí pudo conocer y admirar de cerca el impresionismo, el postimpresionismo y el simbolismo. Se considera a Rusiñol como uno de los mejores paisajistas de principios del siglo XX y en su obra se perciben vestigios de los logros obtenidos por los artistas franceses correspondientes a los mencionados movimientos. El gusto por la luminosidad y el empleo de una rica gama cromática, en la que no faltan intensos colores rojos y amarillos, tal como puede observarse en la serie de los jardines, son algunas de las características de su pintura. 

Jardín de Aranjuez (1908). Óleo sobre lienzo.

Técnicamente optó por recurrir a un tipo de empaste grueso y una pincelada suelta que otorgaba gran sensación de movimiento a su composiciones. Rusiñol perteneció junto con Casas, Nonel, Anglada Camarasa y Mir, al famoso grupo de Els Quatre Gats, con el que mantendría contacto el joven Picasso. 

Libros: Warhol on Basquiat

Warhol on Basquiat

The Iconic Relationship

Told in Andy Warhol’s Words and Pictures

Michael Dayton Hermann,

The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts

Taschen

2019

312 págs.

La compleja relación entre Andy Warhol y Jean-Michel Basquiat ha cautivado al mundo del arte de ayer y de hoy. Warhol ya era famoso en todo el mundo y Basquiat, una suerte de embajador extraoficial del Nueva York más cool, era un talento del downtown que emergía rápidamente de la escena grafitera. Juntos forjaron una asociación personal y profesional electrizante.

Warhol, un prolífico documentalista de su propio mundo, fotografió y escribió con profusión sobre su amistad con Basquiat con el Nueva York de la década de 1980 como trasfondo, revelando no solo la profundidad emocional de su relación sino también sus ambigüedades, diferencias y complejidades.

Producido en colaboración con la Fundación Andy Warhol y los herederos de Jean-Michel Basquiat, este libro narra la amistad de la pareja en cientos de fotografías inéditas de Basquiat con un nutrido grupo de personajes que van de Madonna a Grace Jones y de Keith Haring a Fela Kuti. Las imágenes vienen acompañadas de entradas de los legendarios Diarios de Andy Warhol, una selección de obras artísticas que Warhol y Basquiat realizaron juntos y numerosos recuerdos. Conmovedor, íntimo y a veces incluso sarcástico, Warhol on Basquiat es una mirada voyerista a las vidas de dos de las estrellas más brillantes del arte moderno.

Sobre el editor

Michael Dayton Hermann es máster en Bellas Artes por el Hunter College, donde estudió Teoría del Arte con Robert Morris. Además de su trayectoria como creador multidisciplinar, Hermann es director de licencias de la Fundación Andy Warhol desde 2005, donde ha llevado a cabo grandes proyectos sobre el artista que incluyen colaboraciones con Calvin Klein, Dior, Comme des Garçons, Supreme, Absolut y Perrier. También ha trabajado en estrecha colaboración con TASCHEN en dos publicaciones que él mismo concibió: Andy Warhol: Polaroids 1958-1987 y Andy Warhol: Seven Illustrated Books 1952-1959.

La colección

Andy Warhol, el principal artista estadounidense del siglo XX, desafió al mundo a ver el arte de una manera diferente. Desde su creación en 1987, conforme a la voluntad del artista, la Fundación Andy Warhol se ha convertido en uno de los principales patrocinadores de arte contemporáneo en Estados Unidos y ha donado más de 2,75 millones de dólares en apoyo a la creación, presentación y documentación del arte visual contemporáneo, en particular de obras experimentales, poco reconocidas o de naturaleza inconformista. Los esfuerzos continuos de la fundación por proteger y mejorar el legado creativo de su fundador van dirigidos a asegurar que el espíritu inventivo y abierto de Warhol tenga un profundo impacto en las artes visuales de generaciones futuras. Los beneficios que la fundación obtiene con proyectos de comercialización como este contribuyen a sustentar las ayudas que ofrece.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (X)

Joan Miró (1893-1983) comenzó a pintar en 195 dentro de una estética heredera del fauvismo, aunque conciertos elementos propios de la pintura catalana del siglo XIX. Miró, ávido de aprender e innovar continuamente, introdujo en la obra de su etapa de formación aspectos característicos de distintas vanguardias -fauvismo, futurismo, cubismo, dadaísmo-, buscando, sin embargo, un lenguaje propio e independiente.

Joan Miró: La masia, 1922. Óleo sobre lienzo.  National Gallery of Art, Washington, Estados Unidos

Se considera esta obra como la primera propiamente mironiana. A partir de ella, realizada entre Montroig y París, surgirá el tan característico lenguaje sígnico mironiano, que culminará en la serie de pinturas realizadas en París entre 1923 y 1925, como Tierra labrada y el Carnaval del arlequín, que presentaran ya, según palabras de André Breton, el más puro estilo surrealista. 

Joan Miró: Tierra labrada (La terre labourée), 1923-1924. Óleo sobre lienzo. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Estados Unidos

Joan Miró: El carnaval del arlequin, 1924-1925. Óleo sobre lienzo. Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo, Estados Unidos

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (IX)

Lo cierto es que el cubismo fue una de las primeras vanguardias que desató interés en Cataluña, sobre todo porque venía de la mano de un artista como Picasso que, en su etapa de formación, se había relacionado con artistas catalanes y además había vivido en Barcelona. No hay que olvida que en 1912 el galerista Josep Dalmau organizó una exposición de cubismo en Barcelona, en la que tomaron parte, entre otros, Gleizes, Metzinger, Duchamp, Gris, Le Fauconnier y Léger. Con toda probabilidad, el hecho de que Francis Picabia decidiese viajar a Barcelona en 1916, huyendo de la I Guerra Mundial, tivo mucho que ver con la existencia de un núcleo de personas en torno a Dalmau que se interesaban por la nueva concepción artística. 

Fue Francis Picabia quien, durante su estancia en Barcelona, publicó en 1917 la famosa revista 391, réplica de la revista dadaísta surgida en Nueva York poco antes con el título 291. Así, el germen del dadaísmo también se halló presente en Cataluña, llegando a afectar de manera decisiva a algunos jóvenes artistas que, por aquel entonces, se encontraban en plena etapa de formación, como era el caso de Joan Miró.

Francis Picabia, Ici, c'est ici Stieglitz, foi et amour, 291, núm. 1, 1915, portada

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (VIII)

La tendencia cada vez más clara a la abstracción inherente al cubismo analítico fue uno de los motivos por los que Picasso decidió, a finales de 1911, integrar fragmentos de la realidad cotidiana en el cuadro. De esa idea nace el collage. La inserción de papeles de periódicos, revistas, etiquetas, cartas de la baraja -en un primer momento., y elementos tridimensionales diversos -más tarde-, hará evolucionar la técnica del collage hasta convertirse en la del assemblage.

Pablo Ruíz Picasso: Sifón, vaso, periódico y violín. Collage. Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos

La ampliación del repertorio de posibilidades en la concepción de una obra pictórica o escultórica, gracias a la incorporación de tales técnicas, resulta realmente impactante. Tan sólo hay que recordar las  realizaciones del propio Picasso o bien las de otro de los artistas españoles instalados en París, Juan Gris (1887-1927). El cubismo de Gris resultó extraordinariamente peculiar, en tanto que su concepción de collage difirió mucho de la de Picasso. Además su gama cromática y su sentido de la composición también fueron muy distintos. 

Juan Gris: El lavabo, 1912. Óleo y espejos pegados sobre tela. Colección particular, Paris, Francia

Juan Gris es una de las figuras más relevantes del cubismo. Podemos considerarle el tercer maestro de esta vanguardia tras sus creadores, Pablo Picasso y Georges Braque, aunque a diferencia de ellos es el pintor más puramente cubista porque su obra se mantendrá en el estilo cubismo sintético casi desde que sale a la palestra como pintor en 1912 hasta su muerte en 1927.

Juan Gris: Jarra, botella y copa, 1911. Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos

A la estructura lineal a modo de trama organizativa en diagonal Gris añade el collage. Ésto es lo que verdaderamente conmociona de su nuevo estilo a la sociedad artística parisina. La audacia de Gris radica en usar materiales nuevos en combinación con el óleo en dos de sus cuadros, El lavabo y El reloj. En El lavabo introduce trozos de espejo reales que no sólo representaban en sí este objeto de tocador, sino que también reflejaban el rostro de cada espectador que se pusiera delante de él. Esta fue una innovación que iba más allá que la de Picasso, la incorporación de la realidad, que también implicaba la participación del espectador en la realización de la imagen. Además, anticipará el siguiente desafío a la autoridad artística de Marcel Duchamp con sus "readymades".

Juan Gris: El reloj, 1912. Óleo y collage sobre lienzo. Colección privada

En El reloj, introduce por primera vez un motivo literario impreso como un elemento de collage. En concreto, el texto (no se ve bien en las imágenes porque hay que acercarse mucho) son dos fragmentos de poemas de Apollinaire que hacen referencia al amor perdido y al paso del tiempo. Gris recupera la tradición simbolista de las naturalezas muertas hechas desde el barroco en donde los objetos tienen su mensaje. El reloj de bolsillo que da nombre al cuadro, señala las once, una hora avanzada y contribuye a remarcar aún más el tono melancólico de las ideas expresadas por el poema. La etiqueta de la botella de jerez y las borlas del cortinaje, junto con los números del reloj, son detalles realistas que obligan al espectador a hacer una «síntesis visual-intelectual», es decir, a dotar de forma lógica al conjunto en su cerebro. Por otro lado, en este cuadro podemos comprobar que Gris empieza a tomarle gusto al color alejándose de los ocres y grises de otros cuadros anteriores.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (VII)

En esta época el arte picassiano remite, sobre todo, a las manifestaciones de uno de sus artistas preferidos: Toulousse-Lautrec. Muy poco después Picasso, animado por sus amigos catalanes, decide maracharse a París. A una primera estabcia corta, sucederán otras, hasta que el artista español se instaló de manera definitiva en la capital francesa.

El hurgador o Madre e hijo, 1902. Período azul.

La evolución artística de Pablo Picasso (1881-1973) fue en los primeros años del siglo muy rápida y puso de manifiesto la enorme capacidad del joven artista para cambiar e innovar su lenguaje. Ala etapa azul (1902-1904) siguió la rosa (1904-1906) y luego la negra (1906) para culminar este proceso de alejamiento de la pintura naturalista en el hallazgo sin precedentes del cubismo.

Madre e hijo, 1905. Período rosa.

La investigación que Picasso realizara entre 1906 y 1907, fecha en la pintó el cuadro de Las señoritas de Avignon, le lleva a geometrizar las bases del movimiento cubista.

Autorretrato del autor, 1906.  Período negro.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (VI)

Las primeras vanguardias

En la Península ibérica hubo zonas en las que, por motivos diferentes, las corrientes artísticas innovadoras penetraron con mayor rapidez que en otras. Una de tales zonas fue Cataluña. El hecho de que gran parte de los artistas catalanes de finales del siglo XIX y comienzos del XX visitasen París con relativa frecuencia e incluso pasasen temporadas en la capital francesa, realizando su obra pictórica o escultórica, fue decisivo en tanto que permitió que conocieran y pusieran en práctica las novedades técnicas propios del impresionismo y del postimpresionismo. La obra de Mir, Rusiñol, Casas, Nonell y Anglada Camarasa, por citar algunos ejemplos, se convirtió en referencia obligada para los artistas más jóvenes.

Santiago Rusiñol: Calle del barrio de Rouen de París.
Óleo sobre lienzo. Biblioteca Museo Víctor Balaguer

Este fue uno de los motivos por los que el joven pintor malagueño, instalado en Cataluña, Pablo Ruiz Picasso, recibiera influencias en su primera etapa de determinados artistas franceses, a través de sus amigos catalanes. Fue en 1899 cuando Picasso colaboró con el famoso grupo de artistas Els Quatre Gats (Los Cuatro Gatos), realizando el cartel anunciador del locla restaurante donde se reunía dicho grupo.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (V)

El arte en España desde 1900 hasta 1939

Al estudiar el arte español del siglo XX -sobre todo en lo concerniente a la vanguardias-, comprobamos que existen una serie de factores diferenciadores respecto al arte del resto de Europa en la misma época. Ante todo, se observa que en las primeras décadas del siglo XX, España presentaba aun tipo de arte marcado por un conservadurismo y por un academicismo que afectaba tanto a las formas como a los contenidos. En realidad puede afirmarse que el anclamiento en el pasado que se detectaba en Europa a principios de siglo -antes de 1905-, y fue drásticamente relegado e incluso borrado del mundo del arte, En España se prolongó hasta bien entrada la década de 1920.

Joaquín Sorolla: Niños en la playa, 1910. Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid, España

Además, la vanguardia no penetró de la misma manera ni con la misma fuerza en los distintos lugares de España hace más complicada la situación. Por otra parte, cuando se había conseguido el afianzamiento  de las nuevas concepciones artísticas estalla la Guerra civil española (1936-1939), donde se notará un retroceso en el ámbito artístico. Y el consiguiente período de posguerra no será mejor en este sentido, pues la carencia de libertad y la clara tendencia por parte del régimen de reimplantar el conservadurismo, traerán como consecuencias un tipo de arte que se hallará muy alejado, en general, de planteamientos nuevos y arriesgados.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (IV)

Aparte de los mencionados movimientos, la abstracción -tanto de carácter lírico como la geométrica-, coadyuvó a establecer los nuevos lenguajes artísticos, en la mediad en que prescindió  de la figuración y, por lo tanto, eliminó la representación y todo lo que ésta pudiera conllevar. Por otra parte, desde un punto de vista estético, la noción de belleza adquirió nuevos significados tal y como los formularía el crítico cultural marxista el alemán Walter Bejamin en su famoso ensayo La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica (Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, 1936), publicado originalmente en la revista Zeitschrift für Sozialforschung. Benjamin llegaría a afirmar que el "arte había escapado del reino del halo de lo bello", mientras que para los surrealistas se trataría de un nuevo tipo de belleza: la belleza convulsa. 

Jean Dubuffet: Mona Lisa. Grattage

Con el advenimiento de la II Guerra Mundial  se abrió una época distinta en la que el cientifismo y los avances tecnológicos, presentes ya en los primero años del siglo, crecieron a un ritmo mucho más acelerado, llegando a impregnar el propio ámbito artístico. Tras la guerra, tendencias artísticas como el informalismo o el expresionismo abstracto norteamericano permiten comprender hasta que punto fueron técnicas como el grattage, el dripping, el assemblage o el propio collage. Se trataba de innovar y de imprimir a la obra un sello propio y personal que la hiciera única y diferente. 

Jackson Pollock: Dripping

Después aparecería el pop art con su reivindicación de la cotidianidad y de la banalidad. Frente a esta modalidad realista surgirían nuevas tendencias abstractas, entre las que cabría destacar el minimalismo norteamericano y el cinetismo.

Alfonso A. Ossorio: Forearmed, 1967. Assemblage. Colección privada

Sin emabrgo, todas esas tendencias, pese a su voluntad de presentarse como innovadoras, hacía pensar en el arte de principios del siglo XX. Fue Octavio Paz quien afirmó que el arte de la década de 1960 parecía repetir propuestas anteriores, incluso el arte de acción o los denominados happenings se nutrieron de determinadas actividades futuristas, dadaístas, aunque, como es lógico, planteasen aspectos novedosos.

Con el arte conceptual a finales de los años 1960 y comienzo de la década de 1970 se dió por acabada una época, la de la modernidad. Poco después empezaría la aventura postmoderna.

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Grattage (raspado en francés), es una técnica de la pintura surrealista en la que la pintura se desprende de la tela mediante desgarrones, creando una especial textura con efecto de relieve o tercera dimensión. Fue empleada por Max Ernst y Joan Miró, y más tarde por el informalismo, especialmente por Antoni Tàpies.

Dripping (de drip, "gotear" en inglés) es una técnica pictórica característica de la Action Painting, una de las modalidades de pintura abstracta. Y la más típica a finales de los años 1940 por Jackson Pollock, el dripping tiene cierto paralelismo con la escritura automática surrealista. La materia pictórica (que no suele ser óleo, sino algún tipo de esmalte opaco o barniz industrial, como los usados por primera vez por el propio Pollock en torno a 1947) se deja gotear sobre la tela extendida en el suelo desde un contenedor agujereado o se esparce mediante salpicaduras, directamente con las manos o mediante el uso de pinceles o cualquier otro instrumento. En los años 1950 y los años 1960, el dripping fue frecuentemente empleado por los movimientos informalistas europeos.

Assemblage o ensamblaje es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos-no-artísticos muy próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se componen estas obras comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los artistas quienes los incorporan a sus obras, de manera conjunta o de forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción. El assemblage es una técnica hermana del collage. El origen de esta palabra (en su sentido artístico) puede ser rastreado a comienzos de la década de 1950, cuando Jean Dubuffet creó una serie de collages' con motivos de alas de mariposa que tituló assemblages d'empreintes. Sin embargo, tanto Marcel Duchamp como Pablo Picasso ya habían trabajado esta técnica con anterioridad. A su vez, la joven esposa de Duchamp también protagonizó alguno de los más tempranos y bellos ejemplos de esta forma artística junto a Louise Nevelson, creador de una célebre serie de esculturas a partir de trozos de madera a finales de la década de 1930.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (III)

El dadaísmo aún fue más allá y, transgrediendo lo que podría entenderse como límites o fronteras de actuación, propuso una forma de ruptura mucho más osada y desde la que difícilmente podía volverse a soluciones anteriores. 

Theo van Doesburg:  Póster del Matinée dadá, 1923. Centraal Museum, Utrecht, Paises Bajos (Holanda)

El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música.

Para los miembros del dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el dadaísmo crea una especie de antiarte moderno, es una provocación abierta al orden establecido.

Marcel Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados -en Europa se libraba la I Guerra Mundial-, junto con los estadounidenses Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al dadaísmo neoyorquino.

Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses (particularmente para el coleccionista Walter Arensberg) que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos. 

Marcel Duchamp: La fuente, 1917. 

Duacham trastocó los cimientos del arte tradicional y contribuyó a establecer las bases de nuevos comportamientos artísticos. El surrealismo se nutrió de dadá y además abrió sin reparos las puertas de la pintura y la escultura al extraño y desbordante mundo del inconsciente.

Marcel Duchamp: Maletín, 1941. Contiene réplicas en miniatura de sus obras más representativas.
La idea subyacente es la de crear un museo portátil 

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Ready Made: El término arte encontrado –más comúnmente objeto encontrado (en francés objet trouvé; en inglés, found art o ready-made) o confeccionado– describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque tienen una función no artística, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados. Marcel Duchamp fue su creador a principios del siglo XX. Fue acuñado por Marcel Duchamp en 1915.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (II)

El arte en el siglo XX se caracterizó principalmente por su diversidad, tanto desde el punto de vista formal como como conceptualmente. Existieron determinados movimientos artísticos que, antes de concluir, generaban actitudes de signo contrario que daban lugar a la aparición de otros nuevos.

Durante los primeros años del siglo -marcados profundamente por la I Guerra Mundial-, surgieron las llamadas vanguardias. Las primeras vanguardias se caracterizaron por su ruptura con lo que estaba en vigor hasta ese momento. Comenzó con el fauvismo --su nombre proviene del vocablo francés fauve, en español, fiera-, y su empleo casi provocativo del color.

 Alfred Henry Maurer: Paisaje: Provenza, circa 1912.  Reynolda House Museum of American Art,
Winston-Salem, North Carolina.

Sin embargo, fue el cubismo el movimiento que más contribuyó a crear un nuevo tipo de propuestas, que rompe definitivamente con la pintura tradicional. Nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque, Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay y Juan Gris. El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de L'Estaque, Vauxcelles dijo, despectivamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de "cubismo".

Juan Gris: Retrato de Pablo Picasso, el iniciador del cubismo, 1912, óleo sobre lienzo,
Instituto de Arte, Chicago, Estados Unidos

El arte cubista contó además con una de las aportaciones técnicas y conceptuales más significativas de todo el siglo: el collage.

Juan Gris: Vasos, periódico y botella de vino, 1913. Papeles pegados, gouache, acuarela, tizas de colores y carboncillo sobre papel. Compañía Telefónica de España, Madrid, España 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (I)

En 1907 Picasso pintó Las señoritas de Aviñon, y con él abrió las puertas al cubismo. Desde el renacimiento no se había dado una revolución artística como la que tuvo lugar en el siglo XX. En apenas un siglo ha cambiado completamente la manera de entender la pintura y la escultura. Las formas se distorsionaron y, finalmente, se disolvió en la abstracción.

Las señoritas de Avignon, Las señoritas de Aviñón o, más correctamente, Las señoritas de la calle de Avinyó, 1907. Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos

El arte contemporáneo se plantea y nos plantea el reto de comprenderlo y apreciarlo. Los criterios que se aplicaban en el pasado ya no son válidos y a menudo el espectador se siente perdido cuando contempla obras que han desafiado toda la tradición precedente.

Arte: Alberto Giacometti

Anette, 1962

Busto de hombre, 1962

Cabeza de hombre (Lotar I), 1964-65

Cabeza sin cráneo, 1958

Cabeza cráneo, 1934

Desnudo con flores, 1960

Desnudo de pie copiado del natural, 1954

Desnudo de pie, 1961

Pequeña figura, 1947

La pareja, 1927

El hombre que camina I 1961,, Bronce

Alberto Giacometti (Borgonovo, Suiza, 10 de octubre de 1901 - Coira, Suiza, 11 de enero de 1966) fue un escultor y pintor suizo.