Museo Casa del Reloj - Figuraciones (Últimos días)

Arte, Valladolid

Bar El Corcho, Calle de Correos, 2

Basílica di San Pietro in Vincicoli, (San Pedro Encadenado), Roma

Melilla: Exposición Reflejos del Alma - Ventanas Casa del Gobernador

Libros: Contra todo

Contra todo 

Archivos de la guerrilla antifascista

Yayo Aznar Almazán, Daniel Palacios González

Sans Soleil

Vitoria-Gasteiz

2026

262 págs. 

Cuando el fascismo no era una amenaza parlamentaria, sino el sistema de gobierno, tomar las armas resultó la opción elegida por miles de personas. De aquella lucha total nos quedan sus fotografías desfilando, posando armadas o merendando en la clandestinidad, sus panfletos representándose como un verdadero ejército, con sus enemigos arrodillados, o realizando sabotajes y emboscadas. Las imágenes de este libro fueron producidas por quienes lucharon contra el fascismo, y hoy resultan relevantes dada la criminalización a la que se les sometió. Fueron acusados de bandoleros y terroristas, sus cadáveres eran mostrados públicamente y se reproducían las fotografías de sus rostros desfigurados en la prensa. Décadas después, el horror ha vuelto con las imágenes de sus esqueletos exhumados de las fosas comunes, como sus verdugos lo hubieran deseado. No son esas las imágenes que se encontrarán en este libro, que rompe tanto con la criminalización como con el victimismo y apuesta por rescatar las imágenes de la guerrilla hoy olvidadas en los archivos. No es un ejercicio de memoria sino de conciencia histórica. Pero cuidado, recordar la guerrilla no es hacer la guerrilla. Los caminos del antifascismo y de la revolución no son los de elucubrar con dibujos, fotografías ni obras de arte, convirtiendo melancólicamente las luchas sociales en luchas por la memoria. Al contrario, con este libro se cuestiona si estas imágenes aún tienen la capacidad de servir como recursos de inspiración y esperanza, frente a la institucionalización y la neutralización del recuerdo.

El libro incluye una gran cantidad de material gráfico: fotografías, pasquines y periódicos, etc. Prólogo a cargo de Gal Kirn, autor de Contrarchivos partisanos. Arte y memoria en Yugoslavia.

Yayo Aznar Almazán, catedrática de Historia del Arte en la UNED, es autora, entre otros libros, de El cauce de la memoria (Istmo, 1998), Arte de acción (Nerea, 2000), La memoria compartida (Paidós, 2005), Insensatos (Micromegas, 2013) o Miradas políticas en el país de las fantasías (Akal, 2019). 

Daniel Palacios González, octor en Historia del Arte por la Universität zu Köln, es investigador en la UNED y anteriormente lo fue en el Birkbeck, University of London. Entre otros libros es autor De fosas comunes a lugares de memoria (CEPC, 2022), que recibió el premio al mejor libro de la Memory Studies Association en 2023.

C. Tangana: Del rap crudo a la alfombra roja, de Juan S. Luna y José de Monfort

C. Tangana: Del rap crudo a la alfombra roja

Juan S. Luna y José de Monfort

Libros del Kultrum

2025

216 págs. 

Las muy diversas mutaciones en las que se ha embarcado el artista diseccionado en estas páginas, por muchos conocido como C. Tangana, mas también por otros como Crema, El Madrileño (por antonomasia, pese a su sentida raigambre celtíbera), y Pucho para sus más allegados —sin que por ello haya dejado de atender a su verdadero nombre, Antón Álvarez Alfaro—, es un fenómeno digno de encomio y de estudio por su versátil carrera musical, pero también por sus no menos singulares

emprendimientos artísticos y empresariales; aventuras que trascienden sus primeros tientos profesionales consagrados a la música para alcanzar también a la moda y el cine, y conforman la prolífica producción artística de este portento multidisciplinar. 

De las diversas facetas de este singular creador que emanan de sus reencarnaciones y de sus azarosas incursiones en todo lo abarcado hasta la fecha dan cuenta y noticia estos breves ensayos que, a modo de semblanzas, nos brindan una poliédrica aproximación a la vida y obra del biografiado, tanto en sus sesiones en los estudios de grabación como sobre las tablas, y durante sus giras con otros compañeros de armas, pero también en el curso de sus notables colaboraciones con otros creadores. 

En palabras de los editores: «Los ídolos son siempre reflejo de una sociedad que los idolatra, razón por la que aquí se habla de Puchito, pero también de nosotros. Qué nos dice de nosotros mismos una figura como la de Pucho, de nuestros deseos, de

nuestros anhelos, de nuestros miedos. Eso es lo que encontrará el lector de la primera monografía que se publica en castellano sobre el rapero madrileño que detestaba exhibirse, que detestaba el dinero, y que también detestaba la fama, pero que entendió que sin ello no podría hacer su música, su arte. Y buscó la manera de ganar sin venderse». 

He aquí también la historia de quien «ha reventado las costuras de la industria» —en palabras de Manuel Jabois— y supo jugar con las herramientas del sistema para cambiarlas a su favor, aunque todo el mundo pensara lo contrario, aunque, incluso,

pareciese lo contrario…

Menorah de Janucá, Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Libros: HUBERT DAMISCH

HUBERT DAMISCH

Y el pensamiento del arte

Gabriel Cabello, Sabine Guermouche, Daniel Lesmes (eds.)

Sans Soleil
Vitoria-Gazteiz
2026

324 págs. 

En formato bilingüe y coordinado por Gabriel Cabello, Sabine Guermouche y Daniel Lesmes, contamos aquí con destacados estudiosos de la obra de Damisch,  como son Matthew Bowman, Elisa Coletta, Georges Didi-Huberman, Thierry Dufrêne, además de contar con la participación de Teri Wehn-Damisch en conversación con Guillermo G. Peydró, y un texto inédito de Hubert Damisch.

Dans un format bilingue et coordonné par Gabriel Cabello, Sabine Guermouche et Daniel Lesmes, sont présentés des essais de Matthew Bowman, Elisa Coletta, Georges Didi-Huberman, Thierry Dufrêne. Sont aussi présentés un entretien de Teri Wehn-Damisch mené par Guillermo G. Peydró ainsi qu’un texte d’Hubert Damisch.

Hubert Damisch (1928-2017) prestó una atención constante al arte, trabajando no tanto sobre las obras sino con ellas, en la medida en que plantean problemas de interpretación que abren perspectivas singulares sobre las estructuras y el funcionamiento más íntimo de una cultura. Lejos de posiciones puristas, su empeño por constituir un espacio de interrelación entre sus estudios y el conjunto de las humanidades tendría como consecuencia una apertura hacia la sociología, la semiótica o el psicoanálisis. Damisch concebía así la historia del arte como una disciplina filosófica y desde esa posición se nos muestra como una figura clave en la formación de autores como Rosalind Kraus, Yves-Alan Bois o Georges Didi-Huberman. Este volumen se propone como una introducción a modo de archipiélago teórico sobre una obra que no dudamos en calificar de oceánica.

Los tres magos de Oriente, Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Caligrafía y pintura china, Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Melilla: Teatro Kursaal - El Arte nos salvará

Libros: Retorno a la belleza

Retorno a la belleza

Grandes momentos del arte, la música y la literatura

Antonio R. Rubio

PPC

Madrid 

2025

347 págs. 

Dieciocho grandes obras comparecen en este Retorno a la belleza, desde La Piedad más célebre y lograda de las que esculpió Miguel Ángel –la expuesta en la basílica de san Pedro (1499)– hasta la película Cinema Paradiso (1988), de Giuseppe Tornatore. Están escogidas entre creaciones de la literatura, las artes plásticas, la música y el cine. Hay, además de las citadas, cuadros de Velázquez, Millet y Monet; un drama de Shakespeare: La tempestad; novelas de Jane Austen y Balzac –no las más populares–, junto con El desierto de los tártaros y La vida. Instrucciones de uso, el sorprendente mosaico de Georges Perec. Hay composiciones de Mozart, Beethoven, Rajmáninov, Falla y Ravel. Completan el panorama las películas El chico, de Chaplin, Lawrence de Arabia y Matar a un ruiseñor, que se examina también como creación literaria, en la novela original de Harper Lee.

Naturalmente, la selección responde a la sensibilidad personal del autor. Pero precisamente esto es lo que la avalora. Antonio R. Rubio se detiene en obras que ha contemplado largamente y que le despertaron el deseo de comprenderlas a fondo. Al hacernos partícipes de sus indagaciones y sus reflexiones, no da simpe información complementaria. Hay en su libro mucho más de experiencia que de erudición.

Está justificado que el subtítulo sea “Grandes momentos del arte, la música y la literatura”. En efecto, cada obra es comprendida a partir de su “momento”: el proceso de su creación en la vida del autor. El artista, el músico, el escritor, cuando logra la auténtica belleza, deja tanto de sí en su trabajo, que necesariamente se retrata en él, de modo más o menos expreso. Por eso, la contemplación de Antonio R. Rubio es biográfica. Nos lleva a calar en el Concierto para piano y orquesta n. 2 adentrándonos en la depresión de Serguéi Rajmáninov, a ver en La piel de zapa la pasión suicida de Honoré de Balzac por el éxito, a entender El chico por la difícil infancia de Charles Chaplin.

La atención a las vidas de los autores lleva a Antonio R. Rubio a los escenarios de sus creaciones, que en bastantes casos ha pisado. También en esto hay mucho de experiencia. Es muy iluminador, a la vez que delicioso, visitar con él los edificios parisinos donde vivió Perec, el campo de Barbizon que Jean-François Millet pintó en El Angelus o el hotel de Sevilla donde David Lean rodó algunas escenas de Lawrence de Arabia.

Desde luego, Retorno a la belleza ayuda a apreciar las cumbres del arte, la música y la literatura. Pero más aún transmite la vivencia de dejarse impresionar por ellas.

Antonio Rubio Plo es escritor y columnista. Analista de política internacional, es doctor en Derecho y Relaciones Internacionales, y licenciado en Geografía e Historia. Profesor de Ciencia Política y de Geografía e Historia, es autor de varios libros: Vidas romanas. Treinta y tres personajes de la Roma eterna; Cincuenta santos para llevar en el bolsillo y Solidarios. La vida más allá de uno mismo.PRECIO PAPEL

Melilla: Market Tripleta

Libros: Las mil caras de Erik Satie

Las mil caras de Erik Satie

Pablo Gallo 

San Soleil

Vitoria-Gazteiz

2025

184 págs.

¿Por dónde empezar? ¿Cuál de las mil caras de Erik Satie debería mostrar primero? ¿La del músico excéntrico y experimental? ¿la del serio y profesional? ¿la del místico alucinado? ¿la del dadaísta accidental? ¿la del tímido recalcitrante? ¿la del alcohólico disimulado? ¿la del izquierdista radical?

Las mil caras de Erik Satie, escrita e ilustrada por Pablo Gallo, es una biografía que nos sumerge en la vida y obra de uno de los primeros músicos de vanguardia, precursor de movimientos como el teatro del absurdo, el minimalismo, la música repetitiva o la música ambient. Guiado por las voces de quienes conocieron y mantuvieron amistad con Satie -desde compositores como Claude Debussy y Maurice Ravel hasta artistas como Constantin Brancusi, Pablo Picasso y Man Ray-, Gallo traza un mapa de rostros con el que construye un relato cronológico de las aventuras y desventuras del músico francés, presentándonos a un Satie poliédrico, que se adelantó a su tiempo con formas compositivas que, décadas después, estarían presentes en gran parte de la música popular del siglo XX.

Pablo Gallo (La Coruña, 1975) Pintor, ilustrador, escritor. Como pintor viene desarrollando una continua labor expositiva desde 1995. Como ilustrador ha trabajado con un gran número de editoriales literarias y colabora de manera habitual con el periódico The New York Times. Es autor de los libros Ojos llenos de árboles (La Felguera, 2025), Bestiario del norte (La Felguera, 2020), Siete días en las siete calles (El Gallo de Oro, 2018), Libro de las invocaciones (Reino de Cordelia, 2016), Dibujar en la oscuridad (El Gallo de Oro, 2016), Manual de Ruleta Rusa (Aristas Martínez, 2015), Hiperhíbridos (El Gaviero, 2011) y artífice de la antología El libro del voyeur (Ediciones del viento, 2010). Junto al músico Iago Alvite ha desarrollado el duo performático Comando Psicográfico, actuando desde 2014 en muy diferentes salas y festivales dibujando a ciegas en directo mientras se proyecta el resultado. Desde 2005 vive en Bilbao.

Libros: Confesiones de un hereje

Confesiones de un hereje

Roger Scruton

Traducción de David Cerdá

Rialp

Madrid 

2025

200 págs.

Confesiones de un hereje es una colección de ensayos provocativos, donde cada confesión” revela aspectos del pensamiento del autor que sus críticos probablemente le habrían aconsejado silenciar. En esta selección, que abarca desde el arte y la arquitectura hasta la política y la conservación de la naturaleza, Scruton desafía la opinión popular sobre aspectos clave de nuestra cultura: ¿Qué podemos hacer para proteger los valores occidentales contra el extremismo islamista? ¿Cómo podemos fomentar una verdadera amistad a través de las redes sociales? ¿Por qué vale la pena preservar el Estado-nación? ¿Cómo debemos lograr una muerte oportuna frente a los avances de la medicina moderna?

Roger Scruton (1944-2020) no es ningún desconocido para los lectores de Aceprensa, donde se ha glosado su perfil intelectual, se han reseñado sus libros y se ha acudido a su autorizada voz para ilustrar debates políticos, sociales y culturales. La aparición en castellano de Confesiones de un hereje –que recopila artículos aparecidos entre 2006 y 2016– no sólo es motivo de celebración para los aficionados al conservador inglés; es, además, una estupenda puerta de entrada a su pensamiento.

El libro incluye lúcidos artículos de política, como “Gobernar correctamente” o “Por qué son necesarias las naciones”, en los que se nos recuerda que, aunque hagamos bien en recelar, las personas necesitamos el gobierno, pues este “se manifiesta en todos nuestros intentos de vivir en paz con nuestros semejantes” y es “una expresión de esas lealtades extendidas en el tiempo que unen generación con generación en una relación de compromiso mutuo”. Una relación que se da en un territorio, al que en Europa llamamos nación, que traza el límite de la aplicación de las leyes y cuyo apego inspira la obediencia de sus ciudadanos.

Ideas semejantes se hallan diseminadas en otras obras de Scruton. Por eso, quizá, los descubrimientos de este volumen se hallan en los artículos sobre arquitectura y estética, la disciplina en la que Scruton era un especialista. Textos como “Fingir” (sobre la belleza y el arte real), “Construir para perdurar” (sobre el nuevo urbanismo de Leon Krier y las convenciones que inspiran las ciudades europeas más longevas) y, sobre todo, “Luto por lo que perdimos”. Este último es un análisis sobresaliente de la Metamorfosis de Richard Strauss que saborearán los amantes de la música y que deslumbra por el modo en que Scruton vincula el lenguaje musical de Occidente (tonal, de armonía y contrapunto, con tríadas, escala e instrumentos de cuerda) con el lamento elegíaco de Strauss por la pérdida de todo significado, tras la devastación del nazismo.

Lo estético permea también “Conservar la naturaleza”, que sintetiza las ideas del ensayo Filosofía verde y en el que Scruton anima a los conservadores a abrazar el ecologismo –la causa conservadora por excelencia, dirá– e insiste en que las soluciones a largo plazo para la conservación de los recursos llegarán cuando permitamos “que nuestro sentido estético tome el control, apuntando a lo que parece correcto, a lo que se siente correcto y a lo que podemos reivindicar ante los ojos y los corazones de nuestros vecinos”. Para evitar el deterioro medioambiental, concluirá, es mucho mejor la colaboración local que la intervención del Estado, y los motivos que mantienen a la gente en una relación real y recíproca, en el presente y el futuro, son el amor a la belleza y el amor al hogar.

Esta preeminencia de lo cercano da lugar a dos pasajes cumbre del libro. Uno, en “Hacer accesible lo inefable” –un aperitivo de El alma del mundo– cuando sugiere que es a través de lo concreto que se insinúa el sentido de la vida. El otro, al final de la obra, cuando recuerda que, para defender a Occidente, debemos tener claro qué defendemos y, sobre todo, hacerlo con sobriedad y espíritu de perdón, siguiendo el camino trazado por Cristo.

Libros: Imaginación somática

Imaginación somática

Federico L. Silvestre

Sana Soleil 

Vitoria-Gasteiz

2025

248 págs.

En el interior de los copos de nieve y las cavernas heladas afloran fugaces ovillos de luz que, sin llegar a la cibernética dirigida e interesada, ya construyen un mundo de vital ensoñación.

Ni resultó necesario esperar al ser humano para que hubiese arte, ni hará falta que siga habiendo humanos para que haya imaginación y creación por todas partes. Ahora bien, si no se trata sólo de creación humana, ¿cómo concebir la imaginación del agua, los calamares y las algas? Y, ¿de qué modo esa imaginación tan somática nos ayuda a repensar nuestro universo onírico y nuestra especulación más extraña?

Federico L. Silvestre es Profesor de Estética y Teoría de las Artes en la Universidad de Santiago de Compostela. Como investigador ha partido siempre de las heterodoxas vertientes del pensamiento que cuestionan los límites entre la naturaleza y el artificio. Destaca su labor como editor de preciosos volúmenes sobre arte, paisajes, cabañas, ruinas y descampados. Es autor, entre otros, de los libros Micrologías (2012), Los pájaros y el fantasma (2013) o Culos inquietos infinitos asientos (2018).

Libros: Pasión intacta

Pasión intacta

Ensayos 1978-1995

George Steiner

Traducción de Menchu Gutiérrez y Encarna Castejón

Siruela

Madrid

2025

408 págs.

Con su reconocida erudición y su incontenible instinto narrativo, George Steiner nos adentra con este cautivador volumen en temas tan jugosos y variados como las peculiaridades de la «cultura americana», la historicidad de los sueños, la interpretación que Wittgenstein hiciera de Shakespeare, así como diferentes visiones sobre el enigma de la revelación en el lenguaje.

Volver a construir el «arte» y el «acto» de la lectura en un tiempo en el que estos se ven sometidos a una enorme presión por parte de los más recientes movimientos de crítica literaria; indagar sobre el estatus del libro, sobre el judaísmo y su trágico destino; abordar el problema de la traducción poética y del poder creador de la mentira desde una perspectiva completamente novedosa; apostar por la trascendencia de la palabra en una sociedad que asiste perpleja a una revolución técnica mucho más radical que la iniciada por Gutenberg… Estos son algunos de los temas que reaparecen en Pasión intacta, reelaborados en forma de apasionantes reseñas y conferencias.

George Steiner (París, 1929-Cambridge, 2020), fue uno de los más reconocidos estudiosos de la cultura europea y ejerció la docencia en las universidades de Stanford, Nueva York y Princeton, aunque su carrera académica se desarrolló principalmente en Ginebra e Inglaterra. En 2001 recibió el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humani­dades. Siruela ha publicado la mayor parte de su extensa obra.

Libros: The Book of Colour Concepts

The Book of Colour Concepts

45th Ed.

Alexandra Loske

Taschen

512 págs. 

Un caleidoscopio a través del tiempo. La historia humana del color

Las primeras formas de creatividad humana (en incisiones, marcas y pinturas rupestres) son un testimonio del vínculo de la humanidad con el color. Casi tan antiguo como estos ejemplos es el deseo de otorgar estructura, orden y significado a este concepto universal pero esquivo, y es esa fascinación la que vehicula las obras compiladas en esta edición.

The Book of Colour Concepts reúne más de 40 libros raros y manuscritos procedentes de una gran cantidad de instituciones, incluidas las colecciones sobre el color más importantes del mundo, y conduce al lector a través de una odisea cromática a lo largo de cuatro siglos y más de 350 imágenes de deliciosas ruedas y esferas, y de gráficos y diagramas meticulosamente elaborados, muchos de ellos fotografiados en exclusiva para esta edición.

Se muestran obras fundamentales de la teoría del color, como Opticks de Isaac Newton y el enormemente significativo Zur Farbenlehre de Johann Wolfgang von Goethe, junto con contribuciones poco conocidas, incluidos los sistemas teosóficos de color de Charles Webster Leadbeater y Annie Besant, el completo “diccionario” de color de Aloys John Maerz y Morris Rea Paul y las combinaciones de patchwork del diseñador de  vestuario y artista japonés Sanzō Wada.

El volumen también recoge muchas obras intrigantes, y a menudo pasadas por alto, de mujeres, entre ellas las “manchas” de color radicalmente inventivas de la pintora de flores inglesa Mary Gartside.

El ensayo introductorio de la editora Alexandra Loske contextualiza los sistemas de color que componen esta edición, mientras que los textos sobre las obras aquí reproducidas explican cada concepto con más detalle. Al arrojar luz sobre la historia del color en todas sus formas, The Book of Colour Concepts ofrece una cronología cromática de un alcance incomparable.

Sobre el autor

Alexandra Loske es una historiadora del arte, escritora y conservadora de museo británico-alemana con un interés particular en el papel de la mujer en la historia del color. Se doctoró en la Universidad de Sussex y en la actualidad es conservadora del Royal Pavilion en Brighton. Loske ha dado conferencias y ha publicado numerosos trabajos sobre el color, entre otros temas, y ha sido comisaria de varias exposiciones, incluida “Regency Color and Beyond, 1785–1845” en el Royal Pavilion en 2014.

Libros: Leer a mano

Leer a mano

Textos breves sobre artes, oficios y patrimonio

Miguel Sobrino

La Esfera de los Libros

Madrid

2025

240 págs. 
Leer a mano trata de la percepción, algo que no atañe solo a la vista: las obras de arte y los edificios poseen cualidades táctiles, que influyen, hasta de forma inconsciente, en las sensaciones que nos producen. También es un «elogio de la lentitud» aplicado a las artes y a la arquitectura, una defensa del ritmo pausado que se precisa tanto para crear algo como para contemplarlo y comprenderlo.
Las artes y los oficios conllevan experiencias que nos conforman como humanos. Sus frutos —pinturas, esculturas, edificios, novelas, cómics, películas— poseen valor por ser el resultado, necesariamente imperfecto y en gran parte imprevisible, de la lucha de determinados seres humanos en incruentos campos de batalla, sembrados de estímulos y de limitaciones.
Crear y producir no son lo mismo. Crear es un acto en el que interviene toda la fuerza y volubilidad que late en cualquier vivencia; producir es replicar los resultados aparentes de la creación en lo que viene a ser un simulacro, donde prevalecen la previsibilidad y el sometimiento a la rentabilidad que impera en cualquier bien de mercado. Ante esta encrucijada, crear, incluso cuando uno busque ganarse la vida con ello, puede convertirse en un acto revolucionario; un gesto de resistencia ante la mercantilización que impregna en nuestros días cada una de las actividades humanas.
Las artes no pueden ser el resultado de procesos ajenos al devenir vital de quienes las creamos, contemplamos, usamos y habitamos.

Miguel Sobrino González (Madrid, 1967) es dibujante y escultor. En los años noventa dirigió en Burgos, junto a Julio Peña, el Taller Siloé, y desde 2004 está en la Escuela de Arquitectura de Madrid (UPM). Ha publicado numerosos trabajos sobre arte y arquitectura en libros, actas de congresos y medios de comunicación. Imparte clases, conferencias y cursos, además de colaborar en la divulgación del arte y la arquitectura a través de medios audiovisuales. Como ilustrador, ha trabajado para diferentes editoriales e instituciones como el Instituto del Patrimonio Histórico Español, el Instituto Cervantes, la Fundación de Cultura Islámica, la Fundación Las Edades del Hombre, el Alcázar de Segovia, la Institución Gran Duque de Alba o los museos de Valladolid, Medina del Campo, Toledo, Arévalo, Vitoria y San Sebastián, entre otros. Junto a Santiago Sobrino recreó en un mural de la madrileña calle del Almendro una panorámica de la ciudad en el siglo XVI. Para el Museo de la Catedral salmantina llevó a cabo una recreación de la bóveda astronómica conocida como Cielo de Salamanca. Como escultor, ha participado en diversas restauraciones y es autor de obra pública en Madrid y en diferentes poblaciones de Cantabria, Castilla y León, País Vasco e Hispanoamérica. Ha labrado elementos escultóricos para lugares como el Alcázar de Segovia, el palacio de Gaviria en Madrid, la catedral de León, el teatro Arriaga de Bilbao, las murallas de Medina de Pomar, la iglesia mozárabe de San Cebrián de Mazote o la Fundación Joaquín Díaz de Urueña. Son suyas las cuatro esculturas de la fachada de La Merced, en la ciudad antigua de Panamá. En La Esfera de los Libros ha publicado, con gran éxito, una trilogía sobre el patrimonio histórico español: Catedrales. Las biografías desconocidas de los grandes templos de España, Monasterios. Las biografías desconocidas de los cenobios de España y Castillos y murallas. Las biografías desconocidas de las fortalezas de España.

Melilla: Exposición Cuando el Arte Florece - Ventanas Casa del Gobernador