Copenhague, Dinamarca (II)

La plaza de Gammeltorv (El Mercado Viejo), que es la plaza más antigua de Copenhague. Está ubicada en pleno centro histórico de la capital danesa, cruzando la conocida calle peatonal y comercial Strøget.

Los elementos más importantes que se aprecian en la foto son:

- La Fuente de Caritas (Caritasbrønden): Es el monumento central que se ve en la plaza. Construida en 1608 por orden del rey Cristián IV, es la fuente más antigua de toda la ciudad. La figura de bronce en la parte superior representa la virtud de la caridad.

- La Iglesia de Nuestra Señora (Vor Frue Kirke): Al fondo, sobresaliendo por encima de los edificios, se puede ver la distintiva e imponente torre de planta cuadrada de la catedral de la ciudad.

Pensamiento

"No busco a los que piensan como yo, sino a los que como yo piensan…"

Es una declaración profunda sobre la conexión intelectual. En lugar de un eco (alguien con tus mismas conclusiones), buscas mentes activas. Es la diferencia entre coincidir ideológicamente y vibrar en la misma frecuencia analítica, fomentando una afinidad más por el proceso de razonamiento que por el dogma.

Ilustración de stock de la silueta de un hombre contemplando el cielo estrellado.

El impacto de la frase radica en una figura retórica llamada retruécano (o quiasmo). Consiste en intercambiar el orden de las palabras de una frase en la siguiente para que el sentido cambie por completo:

• "Piensen como yo"= Buscar un reflejo idéntico (conformismo u homogeneidad).
• "Como yo, piensen"= Buscar la acción independiente de razonar (diversidad y criterio propio). 

La frase pertenece al terreno de los aforismos modernos sobre la individualidad.

Libros: Encuentra tu estilo

Encuentra tu estilo

Manual para sacarte partido a partir de los 50

Asun Domínguez

La Esfera de los Libros

Madrid

2026

160 págs. 

Vestir bien no es cuestión de edad ni de estatus: es cuestión de autoconocimiento.

Tras ayudar a miles de mujeres reales como tú, la patronista Asun Domínguez te anima a abrir tu armario y a mirar la ropa como nunca lo has hecho. En este libro condensa décadas de experiencia para ayudarte a entender cómo ha cambiado tu cuerpo en esta etapa de madurez y adaptar tu estilo a esa nueva silueta sin perder tu esencia.

En esta guía práctica comparte con claridad herramientas para identificar tu morfología, más allá de etiquetas, y revela qué cortes, tejidos, proporciones y colores te favorecen, así como qué complementos debes elegir como aliados.

Te ayudará a saber cómo está confeccionada una prenda y a reconocer su calidad en una tienda; a combinar con criterio; a comprar menos y mejor, y a construir un armario coherente, práctico y suficiente. Los secretos que la industria textil rara vez cuenta.  El poder de la moda como forma de autocuidado y expresión. 

El estilo que te hará sentirte bien por dentro y por fuera.

Asun Domínguez ha dedicado más de cuatro décadas a descifrar el lenguaje de la industria textil, convirtiendo el patronaje en el eje vertebrador de su carrera. Su sólida base técnica se inició estudiando en diversas escuelas de Barcelona y la prestigiosa Escuela Secoli de Milán. Tras años trabajando para la industria como patronista de señora, caballero y niño, ha desarrollado un sistema de patronaje propio. Además, suele asesorar a prestigiosas firmas de primer nivel nacional. Desde 2014 comparte sus conocimientos en su propia Academia de Moda. Allí, tanto de forma presencial como a través de una gran comunidad internacional online, forma a cientos de alumnos para que lleven a cabo sus proyectos respetando la morfología real. Con una presencia muy importante en redes sociales, Asun conecta con más de medio millón de seguidores analizando la moda desde el rigor pedagógico y la empatía. Su misión es clara: enseñar a vestir con seguridad, criterio y una identidad propia que supere las imposiciones de la moda.

Melilla: II Carrera por Montaña Nocturna FMEM

Copenhague, Dinamarca (I)

København - Vestervold

Vestervold (que se traduce al español como "El terraplén del oeste") fue una parte fundamental de las antiguas fortificaciones de la ciudad de Copenhague (Kobenhavn), Dinamarca.

Plaza del Ayuntamiento de Copenhague (Rådhuspladsen)

¿Qué era Vestervold?

Muralla defensiva: Era el frente occidental del recinto amurallado que protegió a Copenhague desde la Edad Media hasta el siglo XIX.

Sistema de bastiones: Contaba con fosos de agua y bastiones fortificados para repeler ataques militares.

Transformación moderna

Demolición: Las murallas se derribaron a mediados del siglo XIX porque la ciudad necesitaba expandirse.

Calles actuales: El espacio que ocupaba se convirtió en grandes avenidas. La calle Vester Voldgade (Calle del Terraplén del Oeste) sigue exactamente el antiguo trazado de la muralla.

Parques públicos: Otras partes del antiguo sistema de pasados terraplenes se transformaron en zonas verdes icónicas de la ciudad, como los Jardines de Tivoli y el parque Ørstedsparken.

Libros: Yoshe Kalb, el pecador

Yoshe Kalb, el pecador

Israel Yehoshua Singer

Traducción de Jacob Abecasís, Rhoda Henelde

Xordica

Zaragoza 

2026

288 págs.

Un ameno recorrido por el exuberante mundo judío de Europa central y oriental a finales del siglo XIX, con sus costumbres, su organización social en “cortes” regidas por rabinos y escribas, sus abundantísimas supersticiones… Tal es la invitación que nos hace Israel Yehoshua Singer en Yoshe Kalb, el pecador, una historia de desamores, juicios disparatados y alguna tragedia, en la que no faltan el fino humor y la ironía.

El autor –en cuyo catálogo sobresalen Los hermanos Ashkenazi y De un mundo que ya no está– coloca en el centro del argumento al joven Nájum, hijo de rabino. Apenas un adolescente, Nájum, estudioso de los textos místicos judíos, se ve obligado a cumplir la voluntad de terceros de contraer matrimonio con una chica a la que no ama.

Singer perfila con maestría el personaje del ensimismado chico; de la apocada Sórele, su desafortunada esposa; de reb Melej, su incontinente y poderoso suegro; de la apasionada Málkele… En cambio, retrata descarnadamente, como a una especie de masa informe sin demasiado raciocinio, a las figuras que rodean a los protagonistas: los jóvenes estudiantes de las yeshivás, los mendigos que se agolpan cerca de las sinagogas o de las ferias, la soldadesca del káiser…

Hay además una excepcional descripción de los ambientes naturales y sociales en que se desarrolla la trama –en la región de Galitzia–. Singer enumera prolijamente, pero no aturde con su “barroquismo”, pues la fuerza de la historia hace casi imposible perder el hilo. Nada sobra, nada falta, en un relato que, por manifestar tan vivamente lo “real maravilloso”, bien puede enlazar con el universo narrativo de las posteriores El reino de este mundo, de Carpentier, y Cien años de soledad, de García Márquez.

Sobre la presente novela, escrita originalmente en yiddish y publicada en 1932, recordaba Adam Kirsch hace unos años en The New Yorker que resultó ser “el mayor éxito de su carrera”, y que su rápida adaptación a las tablas fue muy aplaudida y le abrió camino al autor al otro lado del océano. “Para cuando Singer emigró a Nueva York en 1934 con su esposa e hijo (…) ya era una celebridad local”, dice.

El crítico valida el criterio de Irving Howe, quien compara al autor con un grande de la narrativa europea como Thomas Mann, toda vez que concibe la sociedad como “un organismo complejo con vida propia, un destino que supera, y a veces anula, la voluntad de sus miembros individuales”.

Israel Yehoshua Singer (Bilgoray, Polonia, 1893-Nueva York, 1944). Hermano de los escritores Esther Singer Kreitman e Isaac Bashevis Singer –premio Nobel de Literatura–, empezó a publicar a los dieciocho años. Sus primeros escritos aparecieron en 1916 en la prensa europea en yiddish. En 1921 comenzó a trabajar como corresponsal para el diario estadounidense Forverts, y en 1927 vio la luz su primera novela, Shtol un Ayzn (Hierro y acero). En 1934 emigró a Estados Unidos, donde se editaron, entre otros, Los hermanos Ashkenazi (1936), La familia Karnowsky (1943) y De un mundo que ya no está (1946), este póstumamente. En Xordica se han publicado Cuentos escogidos (2025) y Yoshe Kalb, el pecador, traducidos por primera vez al castellano.

Nyhavn, Copenhague

Nyhavn (Puerto Nuevo) es el icónico canal del siglo XVII en Copenhague, famoso por sus casas de colores, sus barcos históricos de madera y su ambiente animado.

Historia y origen:

Construcción: Mandado a digerir por el rey Cristián V en la década de 1670 como puerto comercial para conectar el mar con la plaza Kongens Nytorv.

Pasado marinero: Fue una zona bulliciosa y castiza repleta de marineros, tabernas y burdeles.

Casa más antigua: El edificio número 9 data del año 1681.

Residencia de Hans Christian Andersen: El famoso escritor vivió en los números 18, 20 y 67 en diferentes etapas de su vida.

Apolo de Belvedere, Ciudad del Vaticano

La obra de la imagen es el célebre Apolo de Belvedere (también conocido como Apolo Pitio). Es una obra maestra de la escultura clásica, datada en el siglo II d. C. Se trata de una copia romana en mármol de un original en bronce griego (fechado hacia el 330-320 a. C.) atribuido tradicionalmente al escultor Leócares.

Esta icónica escultura se exhibe en una posición de honor en el Patio del Belvedere (específicamente en el Cortile Ottagono), integrado dentro del complejo de los Museos Vaticanos en la Ciudad del Vaticano. Durante siglos fue considerada por los neoclásicos como el ideal supremo de la belleza masculina y la perfección artística occidental.

Características artísticas y simbología

- El Dios de las artes: Representa al dios griego Apolo en un momento de gran dinamismo y elegancia. Acaba de disparar una flecha con su arco (el cual sostenía en su mano izquierda extendida, hoy perdido) contra la monstruosa serpiente Pitón que asolaba Delfos.

- Composición y movimiento: Destaca por su impecable postura en contrapposto, donde el peso del cuerpo descansa sobre la pierna derecha mientras la izquierda se flexiona sutilmente hacia atrás. Su manto real (clámide) cae con pliegues perfectos desde su hombro derecho, envolviendo el brazo izquierdo para equilibrar la composición espacial.

- Detalles anatómicos: Su rostro imperturbable muestra una expresión de serenidad divina y orgullo triunfal. El cabello está minuciosamente esculpido en rizos altos recogidos en un elaborado nudo superior (crobylos) que recuerda a una corona.

- El soporte del árbol: Al pasar la obra del bronce original al mármol (un material mucho más pesado y propenso a fracturarse), los artesanos romanos incorporaron un tronco de árbol cubierto por una serpiente ascendente junto a su pierna derecha para transferir el peso y asegurar la estabilidad de la estatua.

Libros: Patocracia

Patocracia

Cómo destruir un país en ocho años

Lucía Etxebarria

La Esfera de los Libros

Madrid

2026

440 págs. 

Patocracia, el término que describe los sistemas de poder dominados por personalidades patológicas, ofrece una lectura personal y demoledora del panorama español.

Lucía Etxebarría integra su experiencia de cancelación pública, y la de otras figuras conocidas, como síntoma de un clima político y cultural más amplio. Un ambiente en el que el disenso se castiga y el miedo se convierte en una herramienta de control.  

Provocador, subjetivo y deliberadamente incómodo, este libro combina crítica política, psicología social y análisis del lenguaje. Explora el papel del neuromarketing y de la manipulación emocional para mostrar cómo la razón cede terreno frente al impacto afectivo y el pensamiento binario.

De esa manera, analiza el rol de los medios, las campañas en redes, la legislación, la distorsión del feminismo, la inmigración y el deterioro de las condiciones de vida. Traza al fin un mapa de enfrentamientos cainitas, cuidadosamente alimentados bajo la lógica del divide y vencerás.

Este libro no pretende respuestas cerradas. Invita, más bien, a cuestionar los relatos dominantes y a reflexionar sobre el retroceso de la libertad de expresión en un aterrador contexto de deriva autoritaria.

Lucía Etxebarria (1966) es escritora, licenciada en Periodismo y graduada en psicología, además de máster en Neuropsicología con especialización en Escritura Expresiva. Es doctora honoris causa en la Universidad de Aberdeen (Escocia), donde impartió clases de escritura y guion, y participó en diversos seminarios y conferencias. Hasta la fecha ha escrito catorce novelas, tres libros de poesía y una docena de ensayos, además de obras teatrales y guiones. Su primera novela, Amor, curiosidad, prozac y dudas (1997) fue un revulsivo en su momento y sigue reeditándose desde entonces. Beatriz y los cuerpos celestes (1998) mereció el Premio Nadal; De todo lo visible y lo invisible (2001), el Premio Primavera de Novela, y Un milagro en equilibrio (2004), el Premio Planeta. Sus dos últimas obras son Selene y los cuatro elementos (2021) y La escritura que cura (2024).

Flora de Roskilde, Dinamarca

La planta principal con hojas gigantescas de la imagen es comúnmente conocida en danés como Rød Hestehov (nombre científico: Petasites hybridus). En español se le conoce habitualmente como petasita o mantecona. 

Detalles de la planta: 

- Se distingue por sus hojas colosales, redondeadas y acorazonadas que cubren densamente los márgenes de ríos, canales y zonas húmedas de Dinamarca. Sus flores brotan al inicio de la primavera mucho antes de que se desarrollen estas enormes hojas. 

- En la esquina inferior derecha de la fotografía también se observa un brote de ortiga (Urtica dioica), que comparte frecuentemente el mismo tipo de suelo húmedo y rico en nutrientes.

La petasita (Petasites hybridus) no es nativa de Dinamarca. Su origen real se encuentra en el sur y centro de Europa, así como en el oeste de Asia. Llegó a tierras danesas hace siglos debido a la intervención humana. 

Basílica de Santa María la Mayor, Roma, Italia

La impresionante fachada monumental de la imagen corresponde a la parte posterior (el ábside barroco) de la Basílica de Santa María la Mayor. Esta icónica perspectiva arquitectónica se alza dominando la céntrica Piazza dell'Esquilino, en pleno casco histórico de Roma, a escasos metros del barrio de Castro Pretorio y a un corto paseo (unos 10-15 minutos caminando) de la Estación Termini.

A nivel artístico e institucional, el templo destaca por varias particularidades históricas:

· Arquitectura de la fachada posterior:

- El diseño barroco de Rainaldi: Aunque la entrada principal de la basílica da hacia la Piazza di Santa Maria Maggiore, esta imponente tribuna absidal fue completada entre 1670 y 1673 por el célebre arquitecto Carlo Rainaldi. Su monumental diseño en terrazas y escalinatas de piedra tenía como objetivo camuflar las capillas papales adyacentes y crear un fondo coreográfico espectacular para los peregrinos que entraban a la ciudad desde el norte.

- Las dos cúpulas gemelas: Las dos majestuosas cúpulas que flanquean la estructura pertenecen a capillas funerarias privadas añadidas al cuerpo basilical medieval: la Capilla Sixtina (a la derecha, encargada por Sixto V) y la Capilla Paolina (a la izquierda, edificada por Pablo V).

- Jurisdicción y extraterritorialidad: Un detalle geopolítico muy curioso sobre esta basílica papal es su estatus legal. Aunque geográficamente se encuentra en territorio italiano (en el corazón del rione Esquilino de Roma), de acuerdo con los Pactos de Letrán firmados en 1929 es una propiedad extraterritorial de la Santa Sede. Esto significa que goza de un régimen de inmunidad similar al de las embajadas extranjeras, estando bajo la soberanía del Vaticano.

Libros: El Mahabhárata contado por una niña

El Mahabhárata contado por una niña

Samhita Arni

Traducción de Anne-Hélène Suárez Girard

Prólogo de Enrique Gallud Jardiel

Ilustrado por Samhita Arni

Siruela

Madrid

2026

352 págs. 

El Mahabhárata, la gran epopeya india, relata una fascinante historia de dioses y hombres, de aventuras, peligros y disputas entre dos familias enemistadas: los Pándava y los Káurava. Celebra las hazañas del dios Krishna y del príncipe Árjuna, héroe de maravilloso altruismo e indiscutible protagonista de las victorias y terribles derrotas que se narran, y que provocarán en el lector grandes emociones. 

La versión de Samhita Arni, que comenzó a escribir e ilustrar con solo ocho años y se publicó en la India cuando tenía doce, es una adaptación moderna y sumamente original, en cuya espontaneidad encontramos un tono agudamente crítico hacia el tema principal de la epopeya: la guerra. La autora nos abre las puertas a la mitología india y ofrece a jóvenes y adultos una visión fresca de este clásico de la literatura universal. 

Samhita Arni (Chennai, 1984), hija de diplomáticos indios, ha vivido en Indonesia, Tailandia, Pakistán, Italia y Estados Unidos, donde realizó estudios de cine y religión. Con esta versión del Mahabhárata, Arni ha dado a conocer esta gran epopeya india a los jóvenes lectores europeos, pues el libro ha sido también publicado en Italia, Francia, Suiza y Alemania, entre otros países. Las ilustraciones de la autora han recibido premios en Tailandia y Japón.

Baldaquino de San Pedro, Basílica de San Pedro, Ciudad del Vaticano

La obra de la imagen es el monumental Baldaquino de San Pedro. Diseñado por el célebre arquitecto y escultor italiano Gian Lorenzo Bernini, fue realizado en estilo barroco entre los años 1624 y 1633.

Esta colosal estructura de bronce se ubica directamente debajo de la majestuosa cúpula de la Basílica de San Pedro, en la Ciudad del Vaticano, y corona el altar mayor que se erige sobre la tumba del apóstol San Pedro.

Características técnicas y artísticas

- Columnas salomónicas: Cuenta con cuatro columnas monumentales de forma helicoidal (retorcidas) inspiradas en las del antiguo Templo de Jerusalén. Están decoradas con relieves de hojas de laurel, racimos de uvas, lagartos y abejas, que simbolizan la renovación y el linaje familiar del Papa Urbano VIII.

- El bronce del Panteón: Para conseguir las toneladas de bronce necesarias para fundir esta inmensa estructura, el Papa Urbano VIII ordenó retirar los casetones de bronce que revestían el pórtico del Panteón de Agripa. Este expolio dio origen al famoso dicho romano: "Quod non fecerunt barbari, fecerunt Barberini" (Lo que no hicieron los bárbaros, lo hicieron los Barberini): famosa sátira romana acuñada contra el papa Urbano VIII (Maffeo Barberini) y su familia por destruir y expoliar monumentos de la antigua Roma—como quitar el bronce del Panteón para el Baldaquino de San Pedro— para construir la nueva Roma. 

- El Espíritu Santo: En la parte inferior del dosel, justo en el techo interior, destaca una figura central dorada que representa al Espíritu Santo en forma de paloma, rodeado por intensos rayos de sol.

- Elementos papales: Las bases de mármol que sostienen las columnas lucen escudos de armas de la familia Barberini (a la cual pertenecía el Papa), decorados con tres abejas talladas en relieve.

Melilla: Microteatro

Libros: El libro azul de las hadas

El libro azul de los cuentos de hadas

Andrew Lang

Traducción de Lorenzo Luengo

Ilustrado por H. J. Ford u G. P. Jacomb-Hood

Siiruela

Madrid

2026

384 págs.

Un clásico que revolucionó la literatura a finales del siglo XIX de uno de los mayores conocedores de la tradición oral escrita.

Este volumen, publicado por primera vez en 1889, es el primero de una serie de doce libros de cuentos de hadas, cada uno con el nombre de un color, que el autor escocés Andrew Lang recopiló y editó a lo largo de veintiún años. Fue una serie revolucionaria que transformó la literatura infantil: a partir de fuentes procedentes de todos los rincones del mundo y tan diversas como la obra de los Hermanos Grimm, de Charles Perrault, Las mil y una noches, el folclore noruego o los cuentos populares franceses, reunió historias entrañables que nunca se habían publicado en inglés. En aquella época los cuentos de hadas se consideraban perjudiciales para los lectores jóvenes, pero Lang defendió su valor, impulsando un cambio en la percepción pública. 

Erudito y apasionado estudioso de los mitos, el folclore y la antropología, Lang se propuso conservar la pureza de los cuentos al tiempo que garantizaba que las generaciones futuras gozasen del privilegio de leer las mismas historias que él disfrutara en su niñez. 

Este libro incluye algunos de los cuentos más emblemáticos del género, como «La Bella y la Bestia», «Cenicienta» o «Ricitos de Oro», y otros menos conocidos.

Andrew Lang (Selkirk, 1844-Banchory, 1912) fue un escritor y erudito de perfil versátil: poeta, traductor de Homero, historiador y autor de diversas obras de ficción. Estudió en las universidades de St. Andrews, de Glasgow, y en Oxford, y fue docente en Merton College desde 1868 hasta 1875, fecha en la que se mudó a Londres para dedicarse al periodismo. Hoy en día, Lang es más conocido por sus doce libros de colores de los cuentos de hadas, así como por sus escritos periodísticos.

Melilla: Nueva ubicación del mercadillo de venta ambulante

 

Estatua colosal de Akenatón, Museo Egipcio, El Cairo, Egipto

La obra de la imagen es una de las famosas estatuas colosales del faraón Akenatón (originalmente llamado Amenhotep IV). Tallada en piedra arenisca durante el Imperio Nuevo, concretamente en la XVIII Dinastía (hacia 1353-1336 a. C.), procede del Templo de Atón en Karnak y se exhibe en la planta baja del histórico Museo Egipcio de El Cairo.

Esta serie de colosos revolucionó la historia del arte egipcio debido a la radical ruptura estética que introdujo el monarca.

La revolución del Estilo de Amarna

Akenatón abolió el tradicional culto politeísta egipcio para instaurar el primer monoteísmo documentado de la historia, centrado en el dios solar Atón. Esta revolución religiosa trajo consigo el nacimiento del Periodo de Amarna, un estilo artístico único caracterizado por un expresionismo exagerado y rasgos anatómicos andróginos que desafiaron los milenarios cánones tradicionales:

- Facciones distorsionadas: El rostro del faraón se muestra extremadamente alargado, con ojos estrechos y almendrados, pómulos muy marcados, una barbilla prominente y caída, y labios gruesos de un realismo casi exagerado.

- Morfología andrógina: El torso exhibe hombros estrechos que contrastan con unas caderas marcadamente anchas, muslos voluminosos y un vientre abultado y flácido. Esta fisonomía pretendía fusionar los atributos masculinos y femeninos para representar al rey como el reflejo terrestre de Atón, considerado el "padre y madre de la humanidad".

Detalles y atributos de la escultura

- Símbolos de autoridad real: El monarca cruza los brazos sobre su pecho en la tradicional postura osiríaca de los difuntos, sosteniendo originalmente los cetros sagrados del poder (el cayado y el flagelo, hoy fragmentados). Sus muñecas conservan los relieves de gruesos brazaletes reales.

- Coronas y vestimenta: Sobre su cabeza porta una combinación de la Doble Corona (Pschent) del Alto y Bajo Egipto yuxtapuesta sobre el tocado Khat. Su cintura se encuentra ceñida por un amplio cinturón decorado con cartuchos reales, justo por encima de un delantal plisado que cae cubriendo sus muslos.

Libros: Pentamerón

Pentamerón

El cuento de los cuentos

Giambattista Basile

Introducción de Benedetto Croce

Introducción y notas de César Palma

Epílogo de Italo Calvino

Siruela

Madrid

2026

480 págs. 

Pocos lectores saben que algunas de las más hermosas fábulas del mundo, desde «Cenicienta» hasta «El gato con botas», antes de acabar en las páginas de Perrault y de los hermanos Grimm, donde todos las descubrimos de niños, fueron recogidas de las tradiciones orales por el italiano Giambattista Basile, quien las publicó a comienzos del siglo XVII en el dialecto barroco napolitano.

El Pentamerón fue definido por el gran Benedetto Croce como «el más antiguo, el más rico y el más artístico de todos los libros de fábulas populares», y por Italo Calvino como «el sueño de un Shakespeare napolitano». Aún hoy, cuando la mayor parte de sus páginas forman parte de nuestra mitología íntima, este libro amable y brutal, tierno y plebeyo, sabio y popular, sigue siendo una obra maestra casi desconocida.

Giambattista Basile (Nápoles, 1575-1632) cortesano y versificador por encargo, cumplió con su oficio de poeta componiendo odas y elegías para los nobles a los que sirvió. Su obra más notable, el Pentamerón, fue publicada de manera póstuma en cinco tomos de 1634 a 1636, con el pseudónimo anagramático de Gian Alesio Abbattutis.

Melilla: Concierto

Melilla: Conmemoración de la Gran Redada

Melilla rendirá homenaje a las víctimas de la persecución histórica del Pueblo Gitano en el acto del Samuradipen 2026. 

 

Libros: El fiero turco en Lepanto

El fiero turco en Lepanto

Álvaro de Bazán, Juan de Austria y Miguel de Cervantes, adalides de la cristiandad

Federico Supervielle

La Esfera de los Libros

Madrid

2026

304 págs. 

Antes de Lepanto había miedo.

Miedo en las aldeas costeras españolas, asoladas por corsarios berberiscos, y en una Roma que estaba en el punto de mira del sultán. Con Europa conteniendo el aliento, Pío V consiguió reunir bajo la bandera del crucifijo a España y Venecia.

Al mando de un jovencísimo pero bizarro Juan de Austria, la Liga Santa busca al turco en la mayor confrontación naval de su tiempo: Lepanto. El joven capitán general cuenta con la experiencia y don de mando del mejor marino de la historia, Álvaro de Bazán, y con miles de cristianos anónimos que se jugaron la vida en defensa de sus valores y su fe. Entre ellos, uno que pasaría a la historia como el Príncipe de los Ingenios: Miguel de Cervantes.

Con una prosa poderosa y cinematográfica, Federico Supervielle nos sumerge en la batalla que en octubre de 1571 cambió el equilibrio del mundo. Lepanto no fue solo un combate naval: fue el choque de dos civilizaciones, de ambiciones imperiales y de destinos personales que se cruzaron en una jornada decisiva.

Federico Supervielle Bergés nació en El Puerto de Santa María en 1990. Es oficial de la Armada y ha estado desplegado en misiones internacionales a bordo de patrulleros y fragatas. Es máster en Seguridad, Paz y Conflictos Internacionales y máster en Historia Militar. Escribe sobre temas relacionados con las marinas de guerra modernas tanto en su blog como en revistas de prestigio. Es también autor de una serie de novelas ambientadas en el presente en las que un barco de guerra privado se enfrenta a piratas, terroristas y narcotraficantes. 

Ataúd antropomorfo de Tutankamón, Museo Egipcio, El Cairo, Egipto

La pieza de la imagen es el espectacular segundo ataúd antropomorfo de Tutankamón (el ataúd intermedio), una de las obras cumbres de la orfebrería del Imperio Nuevo durante la XVIII Dinastía (hacia el 1332-1323 a. C.). Esta joya arqueológica forma parte de los fabulosos tesoros de Tutankamón, descubiertos casi intactos en 1822 por Howard Carter en la tumba KV62 del Valle de los Reyes. Las piezas de oro originales, tradicionalmente alojadas en el céntrico Museo Egipcio de El Cairo, se han convertido en las grandes joyas de la corona expuestas en las salas de alta tecnología del monumental nuevo Gran Museo Egipcio (GEM) en Guiza. 

Estructura de los ataúdes anidados:

La momia del joven faraón descansaba protegida por un sistema de tres ataúdes antropomorfos encajados uno dentro del otro, semejantes a una muñeca matrioska:

- Ataúd exterior: Hecho de madera de ciprés dorada con láminas de oro.

- Ataúd intermedio (el de la imagen): Elaborado en madera tallada y recubierto con gruesas láminas de oro, decorado con incrustaciones de pasta de vidrio polícroma.

- Ataúd interior: Un ataúd pesado esculpido enteramente en oro macizo de más de 110 kg.

Detalles iconográficos y técnicos:

- El diseño Rishi (Plumas): El cuerpo del ataúd está bellamente labrado con un intrincado patrón que imita el plumaje de un ave (rishi en árabe), el cual simboliza las alas protectoras de la diosa Isis o de Nejbet cubriendo y protegiendo el cuerpo inerte del faraón.

- Atributos reales: El monarca aparece representado con el rostro divinizado del dios Osiris. Cruza los brazos sobre el pecho sosteniendo los cetros sagrados del poder faraónico: el cayado (heka) y el flagelo (nejej). Sobre su frente sobresalen el ureo (la cobra Uadyet) y el buitre (Nejbet), los símbolos heráldicos protectores del Alto y Bajo Egipto.

- Incrustaciones preciosas: Las bandas decorativas del collar usej, los brazaletes y los detalles de los cetros están ornamentados con una rica policromía a base de jaspe rojo, loza y piedras semipreciosas que contrastan intensamente sobre el metal áureo.

Escriba de Saqqara, Museo Egipcio, El Cairo, Egipto,

Esta vitrina reúne una impresionante colección de estatuas de escribas sentados, una de las figuras administrativas y culturales más respetadas del Antiguo Egipto. La pieza central y más destacada es el célebre Escriba de Saqqara con peluca partida, labrado en piedra caliza pintada durante la V Dinastía del Imperio Antiguo (hacia el 2400 a. C.). Estas obras maestras se encuentran expuestas en la planta baja del histórico Museo Egipcio de El Cairo, sirviendo como testimonio del alto estatus social del que gozaban las personas alfabetizadas en la corte faraónica.

Detalles de las esculturas expuestas:

- El escriba central (piedra caliza policromada): Presenta una anatomía típicamente realista y natural, alejada de la idealización real. El personaje se muestra con las piernas cruzadas, un vientre ligeramente prominente que denota su vida acomodada, y viste un faldellín blanco estirado sobre sus rodillas que actúa como soporte para sostener un rollo de papiro (hoy perdido). 

Su peinado es muy singular: una peluca de hilos cortos partida a la mitad que enmarca su rostro. Sus ojos conservan el delineado oscuro y la vivacidad característica de los maestros artesanos de Saqqara.

- Los escribas laterales (granito y esquisto oscuro): Flanqueando la pieza central se aprecian otros dos escribas tallados en rocas oscuras de alta dureza (como el granito gris). Estas estatuas adoptan la misma postura clásica de concentración, con los ojos dirigidos al frente, listos para registrar censos, impuestos o textos sagrados bajo las órdenes del faraón.

- El rol del escriba en el Imperio Antiguo: Saber leer y escribir jeroglíficos era un privilegio sumamente escaso reservado para una élite administrativa muy selecta. Los escribas eran considerados los motores de la maquinaria del Estado, responsables de la economía, la justicia y la inmortalidad de los textos rituales. Estas estatuas se depositaban en las mastabas funerarias con fines mágicos: permitir que el difunto continuara ejerciendo su prestigioso oficio intelectual y administrativo en el más allá por toda la eternidad.

Libros: Los robos de Napoleón en España

Los robos de Napoleón en España

Crónica del mayor saqueo del patrimonio español

Francisco García del Junco

La Esfera de los Libros

Madrid

2026

432 págs.

España fue la «úlcera sangrante» de Napoleón y el inicio de su caída. Pero también fue un paraíso para sus mariscales, profesionales del saqueo. La entrada de las tropas napoleónicas en 1808 no trajo las reformas que cantaron los afrancesados, sino el robo de todo lo que encontraron. De Sevilla se llevaron casi mil cuadros; en Burgos, profanaron el sepulcro de El Cid; en Madrid, saquearon los palacios reales; en Granada quisieron destruir La Alhambra. No hubo joya que no rastrearan, ni mármol que dejaran sin remover. 

Este es un libro para conocer la Historia de España y para cuidar el riquísimo patrimonio español. El historiador Francisco García del Junco, superventas en el mundo de la divulgación, hace algo más que enumerar todos los robos de Napoleón en España, «pues fueron tantísimos que sería imposible», sino que firma una lectura absorbente, combativa y llena de anécdotas.

Fue uno de los mayores expolios en la historia, tras la Segunda Guerra Mundial, pero con la diferencia fundamental respecto a otros de que a Francia nadie le pide hoy que devuelva lo robado.

Francisco García del Junco, doctor en Arqueología, es profesor de la Universidad de Córdoba. Sus publicaciones tienen dos fines: la arqueología sobre castillos, para la comunidad académica, y la divulgación de la historia de España, para un público amplio. Esta última la ha intensificado en los últimos años consciente de que muchos españoles tienen una idea equivocada y negativa de la historia de España. A la vez, está muy presente en las redes con un canal de Instagram, un blog, un canal de YouTube y varios juegos didácticos. Ha publicado los libros La torre de la Malmuerta de Córdoba (2013), Eso no estaba en mi libro de historia de España (2016) y Arqueología, tesoros y tumbas (2018).

Libros: La prisa y la espera

La prisa y la espera

Un año de creación

María Folguera

Siruela
Madrid
2026
145 págs. 
Una obra deslumbrante sobre el proceso creativo y la dificultad de ejercerlo, en esta época dominada por la volubilidad, la impaciencia y la inteligencia artificial.
Una escritora acaba de dejar un trabajo de oficina para dedicarse por entero a la literatura. Enfrentada a un tiempo nuevo y a la impaciencia ante el proceso de creación, comienza a tirar del hilo de la memoria y la curiosidad para reflexionar acerca de cómo toda obra de arte está íntimamente ligada a Kairós, el dios griego de la oportunidad.
A partir de materiales tan diversos como Las hilanderas de Velázquez o Misery de Stephen King, pasando por Peter Pan, Las mil y una noches o la obra de Carmen Martín Gaite, este ensayo reflexiona con un elegante y desenfadado sentido crítico sobre cómo el tiempo de la creación artística no es lineal ni ordenado ni pertenece a una lógica mesurable. En esta era de inmediatez y productividad que se quiere instantánea —cuando incluso podríamos no escribir y dejar todo en manos de una máquina— la inspiración creativa sigue siendo volátil, caprichosa y ajena a nuestras súplicas.

María Folguera (Madrid, 1984) estudió Dirección de Escena en la RESAD y Teoría de la Literatura en la Universidad Complutense. Trabajó durante catorce años en el Teatro Circo Price de Madrid, seis de ellos como directora artística. Durante ese tiempo compaginó la gestión cultural con la narrativa y la dramaturgia. Es autora de cuatro novelas, y entre sus últimos proyectos teatrales se encuentran adaptaciones de Carmen Martín Gaite, Lope de Vega y Cervantes. En 2025 recibió la beca Leonardo de Creación Literaria.

Estatuas sedentes del príncipe Rahotep y su esposa Nofret, Museo Egipcio, El Cairo, Egipto,

La obra de la imagen es el célebre conjunto de las Estatuas sedentes del príncipe Rahotep y su esposa Nofret. Data de comienzos de la IV Dinastía del Imperio Antiguo (hacia el 2575 a. C.) y representa uno de los mayores emblemas de la estatuaria civil policromada de toda la historia del arte universal. Estas dos magníficas esculturas de bulto redondo se exhiben en la planta baja del Museo Egipcio de El Cairo.

Descubrimiento y estado de conservación:

Las estatuas fueron descubiertas en 1871 por Auguste Mariette en la necrópolis de Meidum, ocultas en el interior de una mastaba (tumba). Al abrir la cámara sellada y oscura, los obreros de la excavación huyeron aterrorizados porque la luz de las antorchas se reflejó en los ojos realistas de las figuras, haciéndoles creer que se trataba de personas vivas. Debido a este aislamiento hermético, la pintura sobre el estuco y la piedra caliza se ha conservado casi intacta durante más de 4500 años.

Características de los personajes:

- El príncipe Rahotep: Probablemente hijo del faraón Snefru (y hermano de Keops), ostentaba cargos de altísimo nivel como Sumo Sacerdote de Heliópolis y general del ejército. Fiel al canon de belleza masculino de la época, su piel está pintada de un tono marrón rojizo que denota su trabajo activo al aire libre. Viste un faldellín blanco corto, luce un bigote muy inusual en el arte egipcio y un colgante con un amuleto en el cuello.

- La dama Nofret: Su nombre significa "La Bella". Al ser una mujer noble que pasaba el tiempo resguardada en palacio, su piel está representada con un tono amarillo pálido o beige. Viste un ceñido vestido blanco de tirantes, oculto bajo una fina capa o manto. Destaca su voluminosa peluca sujeta por una diadema con motivos florales, de la cual asoma por debajo su propio cabello natural en la frente, y un espectacular collar usej de múltiples hileras de colores.

- La mirada hipnótica: Al igual que otras obras maestras del Imperio Antiguo, el realismo de sus rostros se concentra en los ojos incrustados. El contorno de los párpados está perfilado con cobre, la esclerótica es de calcita blanca (alabrastro) y la pupila está tallada en cristal de roca pulido, lo que dota a las dos figuras de una profundidad y un brillo humano sobrecogedores. Los textos en jeroglífico situados en los respaldos de los asientos detallan los nombres y los títulos oficiales de cada uno para asegurar su identidad en el más allá.

Libros: Vivir con nuestro pasado

Vivir con nuestro pasado

Una filosofía para seguir avanzando

Charles Pépin

Traducción de Mercedes Corral

Siiruela

Madrid

2026

200 págs.

Todo lo que somos procede de nuestro pasado, que siempre está presente. Así, depende de nosotros establecer una relación pacífica y fructífera con nuestra memoria, que no es, como a menudo se cree, una base de datos: la neurociencia nos enseña que es dinámica y cambiante. Nuestros recuerdos no son, pues, estáticos; se asemejan a una partitura cuya música debemos interpretar en el día a día. 

A partir de estas nociones, el filósofo francés Charles Pépin reflexiona sobre la importancia de replantearnos nuestros vínculos con el pasado y propone una relación libre y creativa con nuestras vivencias. Para ello, acude a referencias de la ciencia cognitiva, de terapias innovadoras, de la sabiduría ancestral y de los clásicos de la filosofía, la literatura y el cine.

Nuestra felicidad depende de nuestra capacidad de convivir con nuestro pasado, y este lúcido ensayo nos ofrece las claves para conseguirlo.  

Charles Pépin (Saint-Cloud, 1973) es un filósofo, periodista y novelista francés, uno de los especialistas en Humanidades más traducidos. Sus libros han sido publicados en una treintena de países. Además, escribe una columna para la revista Philosophie, imparte conferencias y un seminario de filosofía y tiene un programa de radio y un podcast. Ediciones Siruela ha publicado Encontrarse. Una filosofía (2023).

Libros: Ladrona de corazones

Ladrona de corazones

Maria Albers

Traducción de Inés Fernández Alonso

Libros de Seda

Madrid

2026

384 págs. 

Una novela que entre el suspense y el romance transporta al lector al Londres de la época victoriana.

Londres, 1890. Rachel Baynes tenía que ingresar en la banda de Sherwood, un grupo de ladrones que llevaba años manteniendo en vilo al rico West End de la ciudad. Sin embargo, a pesar de hacerlo, acaba perdiendo a la persona que motivó su adhesión, así que ahora lo que desea es marcharse. Cuando, durante un robo, se produce un asesinato, le parece que es el momento adecuado… Todo saldrá bien a partir de ahora… Pero entonces, aparece en su vida William McFarlane. Y ojalá no fuera así, pero… trabaja en Scotland Yard y no busca otra cosa que atrapar a los ladrones de la banda y llevarlos ante la justicia.

Maria Albers nació en 1997 en el norte de Alemania. Está casada y es madre de tres hijos. Vive con su familia en Sudáfrica. Sus historias hablan de amor, aventuras y secretos de tiempos pasados.

Libros: Asesinas victorianas

Asesinas victorianas

La verdadera historia de trece mujeres respetables acusadas de crímenes atroces

Mary S. Hartman

Traducción de Raquel García Rojas

Siruela
Madrid
2026
480 págs. 

Esta obra fascinante, combinación de true crime e historia social, analiza una docena de casos del siglo XIX que involucran a trece mujeres inglesas y francesas acusadas de asesinato. Todos estos sucesos fueron causes célèbres y la autora se adentra en ellos evitando la categorización fácil de sus protagonistas como fenómenos macabros o lunáticas; Hartman se preocupa por estudiar y entender las circunstancias que motivaron las acciones de esas «asesinas respetables» para desenmascarar un sistema que impedía y negaba la posibilidad de buscar justicia a las mujeres de la época.

Cuidadosamente documentada y escrita con vívido dramatismo, Asesinas victorianas indaga en los motivos que llevaron a estas mujeres a actuar de una forma tan drástica y ofrece una visión única de la vida tras las apariencias de la sociedad victoriana. La imagen prototípica de la mujer de aquel momento —la de una respetable madre y esposa de clase media— cambiará radicalmente tras leer este impactante relato que revela con rigor y perspicacia las dinámicas y actitudes imperantes hacia el papel de las mujeres y las relaciones domésticas: «Las acusadas serán el centro, pero los relatos se enfocarán en su contribución colectiva a nuestro entendimiento de sus hermanas menos sensacionales».

Mary S. Hartman (Minneapolis, 1941) es la fundadora, y catedrática emérita, del Instituto para el Liderazgo de la Mujer. Fue decana del Douglass College, la universidad para mujeres de Rutgers, de 1982 a 1994. En ese cargo inició varios programas para mujeres, tales como el Proyecto Douglass para Mujeres de Rutgers en Matemáticas, Ciencias e Ingeniería; el Centro para el Liderazgo Global de la Mujer y la cátedra Laurie de Nueva Jersey en Estudios de la Mujer. Esta reconocida académica es autora y editora de numerosas publicaciones.

Estatua de sirviente, Museo Egipcio, El Cairo, Egipto

La obra de la imagen es una célebre estatua de sirviente procedente de la tumba de Nianjpepijem (también transcrito como Niankhpepikem o Nianj-Pepi-Kem). Data de finales del Imperio Antiguo, concretamente de la VI Dinastía (reinado de Pepi I o Pepi II, hacia el 2300-2200 a. C.), y representa un magnífico ejemplo de las maquetas estatuarias destinadas al servicio del difunto en el más allá.Esta delicada pieza de madera policromada se exhibe actualmente en la planta superior del Museo Egipcio de El Cairo.

La figura fue hallada en la necrópolis de Meir (ubicada en el Egipto Medio), dentro de la tumba de Nianjpepijem, quien fue un influyente noble local, gobernador del nomo (provincia), supervisor del Alto Egipto y canciller real. En las tumbas de los altos dignatarios del Imperio Antiguo y del Imperio Medio era muy común incluir conjuntos de estatuillas de madera que representaban a sirvientes realizando labores domésticas o transportando provisiones. El objetivo mágico era que estas figuras "cobrasen vida" en el inframundo para abastecer eternamente de comida y bienes al alma del noble difunto.

Detalles de la escultura:

- El portador de provisiones: A diferencia de las estatuas rígidas de la realeza o la nobleza, las figuras de sirvientes muestran un gran dinamismo. Este personaje avanza firmemente con la pierna izquierda hacia delante, cargando con esfuerzo los bienes de su señor.

- El equipaje y la estera: Con su mano izquierda sostiene una elaborada cesta o maleta de mimbre trenzado pintada con patrones geométricos de colores, mientras que a su espalda carga un hatillo que parece contener una estera enrollada u otros enseres de viaje, sujetos firmemente con correas sobre sus hombros.

Color y vestimenta: La estatua conserva de manera excepcional su policromía original de más de 4000 años. La piel luce el clásico tono marrón rojizo de los varones egipcios, viste un faldellín corto de lino blanco y porta una peluca negra rizada de hilos cortos que enmarca su rostro sonriente y expresivo.

Libros: La España negra

La España negra

José Gutiérrez- Solana

Reino de Cordelia

Madrid

2026

264 págs.

Prólogo de José Estebán

Edición ilustrada del clásico de Gutiérrez-Solana sobre la España del cirio, el carnaval y la mancebía.

Fascinante y desquiciado viaje por la España de 1920, con un estilo literario tan bronco como magnético y una extraña ternura a la que no es ajena un sentido del humor más bien torcido, La España negra recorre un país paupérrimo, cruel y festivo, de cirios que se derriten en iglesias oscuras, tabernas mugrientas donde se huele el hambre y contrahechos que deambulan por callejones polvorientos, mientras la muerte afila pacientemente su guadaña en cualquier esquina. Esta edición se acompaña de grabados del autor, quien, en palabras pronunciadas por Camilo José Cela en su discurso de ingreso a la RAE y a propósito de este libro, «se fabricó, a su imagen y semejanza, un mundo en el que vivir, otro en el que agonizar y aún otro, trágico y burlón, en el que morir». Gutiérrez-Solana pasea por una España todavía viva en la actualidad, en donde triunfan las fiestas bárbaras y la etnografía muestra su cara más rancia y salvaje.

Ochenta años después de la muerte de su autor, la editorial Reino de Cordelia recupera el texto y los grabados originales de uno de los clásicos más inquietantes de nuestra literatura.

José Gutiérrez-Solana (1886-1945), pintor, grabador y escritor, nació en una acomodada familia de indianos cántabros. Comenzó a dibujar gracias a la influencia de su tío José Díez Palma, catedrático de dibujo en la Universidad de Salamanca y estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando de Madrid. En 1906 obtuvo una mención honorífica en la Exposición Nacional de Bellas Artes. Su obra pictórica se halla adscrita a un grotesco tenebrismo tremendista que, dada la personalidad su autor —«Goya necrómano», lo llama Antonio Machado—, trasciende el género. Amigo de Vallé-Inclán o los hermanos Baroja, frecuentó la bohemia y participó en las tertulias de la época, como las del Café del Levante o la del Café Pombo, sin dejar jamás de rebuscar en su querido Rastro madrileño. Además de La España negra, es autor de Madrid (Escenas y costumbres), Madrid callejero, Dos pueblos de Castilla y Florencio Cornejo. Con un prestigio ya consolidado en España, huyó a París durante la guerra civil, para volver a España bajo la protección de Eugenio d’Ors. Recibió, a título póstumo, en 1945, la medalla de honor de la Exposición Nacional de Bellas Artes.

Estatua colosal del escriba Amenhotep hijo de Hapu... Museo Egipcio, El Cairo, Egipto

La obra de la imagen es la estatua colosal de Amenhotep, hijo de Hapu, representado de manera póstuma y divinizada como un faraón de la dinastía macedónica/ptolemaica. Tallada en granito rosa, es una de las piezas más imponentes que flanquean el atrio y los pasillos principales de la planta baja del Museo Egipcio de El Cairo.

A diferencia de la mayoría de los personajes que recibían estatuas colosales, Amenhotep no nació siendo miembro de la realeza. Fue un escriba, sabio y el arquitecto real más brillante del reinado del faraón Amenhotep III durante la XVIII Dinastía (Imperio Nuevo, h. 1380 a. C.). Bajo su supervisión se edificaron hitos arquitectónicos monumentales como los famosos Colosos de Memnón en Tebas. 

Su intelecto y sus dotes organizativas fueron tan legendarios que, al igual que ocurrió con Imhotep siglos antes, tras su muerte fue deificado por el pueblo egipcio y adorado como un dios de la sabiduría, la medicina y la arquitectura durante más de mil años.

Características de la escultura:

- Estilo y datación tardía: Aunque Amenhotep vivió en el Imperio Nuevo, esta imponente estatua fue esculpida siglos después, durante el Periodo Ptolemaico (hacia el siglo III a. C.). Es por ello que la anatomía combina la tradicional musculatura rígida egipcia con una sutil influencia estética de las proporciones del arte griego helenístico.

- Atributos faraónicos: Al haber ascendido al estatus de divinidad, el sabio es representado con los atributos sagrados propios de un soberano. Viste un faldellín estriado (shendyt) sujeto por un cinturón labrado con motivos geométricos y porta sobre su cabeza una majestuosa peluca tripartita de estilo regio que cae sobre sus hombros.

Postura dinámica: La obra adopta la clásica postura de marcha de la estatuaria egipcia monumental, mostrando el pie izquierdo adelantado. Este gesto simbolizaba el dinamismo, el movimiento hacia el porvenir y la vida eterna en el más allá.