Libros: On NFTs

On NFTs

Robert Alice (editor)

Taschen

2024

604 págs.

El impacto de lo nuevo

La guía de TASCHEN de la revolución del arte digital

On NFTs de Robert Alice es el primer estudio importante sobre la expresión más apasionante y disruptiva del arte contemporáneo. Es un análisis riguroso y crítico de todas las facetas del ecosistema NFT, con un enfoque multidimensional que pone el énfasis en el trabajo de los artistas y ofrece a sus lectores una mejor comprensión de un tema a menudo malentendido y envuelto en una capa de misterio.

El libro, que se edita en el icónico gran formato BABY SUMO de TASCHEN ofrece un amplio abanico de información esencial que resultará de gran interés tanto para expertos como para los recién llegados a este nuevo medio. On NFTs establece las conexiones más improbables y estimulantes de la historia del arte a través de 10 ensayos de las voces más importantes de la disciplina y del blockchain, entre ellas Hans Ulrich Obrist. Aquí encontrará ilustraciones de pinturas de Rembrandt junto con avatares cryptopunk, extensos ensayos que se adentran en el meollo del mundo de los NFT, incluida la influencia de Sol LeWitt en los algoritmos artísticos actuales, y podrá echar un vistazo a lo que sucede entre bastidores en los procesos creativos de artistas pioneros, desde Beeple y Emily Xie a Snowfro y Refik Anadol.

Junto con esos 10 ensayos, On NFTs presenta una selección de 101 prácticas clave del funcionamiento de los NFT en la actualidad. Con cada perfil escrito exclusivamente por un plantel de expertos cuidadosamente seleccionados, incluidos comisarios de exposiciones, críticos, artistas e inteligencia artificial, On NFTs adopta voces diversas y globales para navegar por este movimiento sin fronteras. Perfecto tanto para entendidos como para recién llegados, On NFTs presenta un extenso glosario de términos clave, una historia completa de exposiciones y una cronología del canon del arte digital.

Edición de Coleccionista numerada (no. 1-2.500). También disponible en la Hard Code Edition presentada en un estuche de acero inoxidable y en cuatro Ediciones de Arte limitadas de los artistas Refik Anadol, Dmitri Cherniak, Sofia Crespo y Osinachi, cada una con un NFT, una lámina del NFT firmada por el artista correspondiente y el libro On NFTs en un estuche de acero inoxidable.

Sobre el editor

Robert Alice es un artista, comisario de exposiciones y autor de libros que exploran la tecnología blockchain y su historia. Fue el primer artista en poner a la venta un NFT en una importante casa de subastas, y su obra Portraits of a Mind (2019-) fue fundamental para el crecimiento del espacio NFT. En 2023, la Monnaie de París le dedicó una de las primeras exposiciones individuales de NFT en un museo europeo. En 2022, Alice, que da charlas en todo el mundo, fue uno de los ponentes de la primera conferencia académica sobre NFT en la Universidad de Oxford. Su obra forma parte de las colecciones permanentes de varias instituciones, incluido el Centre Pompidou de París.

Los extraños cuerpos del escultor Antony Gormley se apoderan del Museo Rodin

Con sus espectaculares obras, el artista británico no deja de explorar la naturaleza humana. En la exposición “Critical Mass”, que se inaugura en París, en el Museo Rodin desde el 17 de octubre de 2023, nos muestra un espejo en el que se muestran sus inquietantes dobles metálicos.

Vista de la instalación “Still Moving” de Antony Gormley, en el Long Museum de Shanghai, en 2017

"La escultura es radical: va a cualquier parte, a la playa, a la montaña, y cambia el mundo dondequiera que se coloque." A sus 73 años, el británico Antony Gormley todavía parece asombrado por el potencial de su arte. Con cerca de sesenta esculturas y doscientos cuadernos, estudios o dibujos, se hizo cargo del museo Rodin de París, que, por primera vez, invitó a un artista contemporáneo a hacerse cargo de todo el recinto. Es necesario dar la bienvenida a Sir Antony Gormley, cuyo trabajo continúa explorando la forma humana.  

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XII)

El Retablo del amor está constituido por seis paneles y en cada uno de ellos la iconografía remite, con planteamientos distintos, a la temática relacionada con el amor. En el panel central, tal y como puede apreciarse, aparece un personaje desnudo femenino, acompañado por otro vestido que la observa. Por la manera de relacionarse ambos personajes podría llegarse a afirmar que Romero de Torres acudió a la fuente de uno de los grandes del pasado como Tiziano. Bste recordar la famosa pintura de éste titulada Amor sacro, amor profano, en la que se dan cita dos personajes femeninos similares a los del artista andaluz. 

Panel central (La Anunciación) (1909). Óleo sobre lienzo. Museo Nacional de Cataluña, Barcelona

El erotismo inherente a la manera de tratar sus desnudos fue uno de los factores que potenciaron el gran éxito de Romero de Torres tuvo tanto en España como en Hispanoamérica durante la primera mitad del siglo XX. Lo cierto es que este artista supo aunar la tradición lejana con una cierta atmósfera simbolista decadentista para conseguir un estilo propio. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XI)

Santiago Rusiñol es uno de los muchos artistas catalanes que vivió unos años, entre finales del siglo XIX y principios del XX, en París. Allí pudo conocer y admirar de cerca el impresionismo, el postimpresionismo y el simbolismo. Se considera a Rusiñol como uno de los mejores paisajistas de principios del siglo XX y en su obra se perciben vestigios de los logros obtenidos por los artistas franceses correspondientes a los mencionados movimientos. El gusto por la luminosidad y el empleo de una rica gama cromática, en la que no faltan intensos colores rojos y amarillos, tal como puede observarse en la serie de los jardines, son algunas de las características de su pintura. 

Jardín de Aranjuez (1908). Óleo sobre lienzo.

Técnicamente optó por recurrir a un tipo de empaste grueso y una pincelada suelta que otorgaba gran sensación de movimiento a su composiciones. Rusiñol perteneció junto con Casas, Nonel, Anglada Camarasa y Mir, al famoso grupo de Els Quatre Gats, con el que mantendría contacto el joven Picasso. 

Encuentros de Arte Contemporáneo

El Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert ha hecho público el fallo del Concurso Encuentros de Arte Contemporáneo 2020 (EAC) que, en esta ocasión, ha recaído en la artista Mari Carmen Díez Muñoz, entre más de 70 propuestas presentadas. La ganadora de este año, de Valladolid pero afincada en Madrid, ha obtenido el premio EAC 2020 con la serie De Conflictu (2019-2020), que está formada por catorce linograbados en hueco, impresiones glicée y troquelados, que recuperan técnicas de grabado como el buril y los legados de divulgación y propagación de imágenes desarrollados por la imprenta.

Visite el portal  Patrimonio bibliográfico y documental del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert (IAC) alberga los catálogos de los Concursos EAC correspondientes a las ediciones VI a XVIII.

Libros: Los gatos de Steinlen

Los gatos de Steinlen 

Théophile Alexandre Steinlen

Sans Soleil

Vitoria-Gazteiz

2020

152 págs. 

Sutiles, silenciosos, atrevidos, elegantes… los gatos esconden secretos que muy pocos artistas han logrado desentrañar con la maestría de Steinlen.

Los gatos han inspirado a pintores, escritores e intelectuales de toda época, género y condición, quienes escogieron además preferencialmente su compañía, dedicándoles obras memorables. De entre todos ellos, Théophile Alexandre Steinlen merece un puesto de honor en ese panteón felino, sabiendo captar por igual su nervio, su proverbial pereza y su carismática libertad. Su amor por los gatos fue tal que sus contemporáneos le apodaron popularmente Le père des chats [El padre de los gatos]. El presente volumen rescata todos sus dibujos protagonizados por gatos y publicados entre 1884 y 1887 en la revista del cabaret parisino Le Chat Noir. En esas historias mínimas, los gatos de Steinlen viven -y mueren- mil y una aventuras, reproduciendo con una precisión excepcional sus coreografías imposibles. A quien haya convivido con gatos, seguro se le escapará una sonrisa o una lágrima, reconociendo su inmenso talento.

Théophile Alexandre Steinlen (Lausanne, 1859 – París, 1923) es uno de los nombres clave del Modernismo. Pintor y litógrafo, fue uno de los cartelistas más destacados del París de la Belle Époque, convirtiéndose con el paso del tiempo algunos de sus diseños en auténticos iconos de la cultura popular. Pero su amplísimo legado, aún por redescubrir, abarca un gran abanico de temas y obras, publicadas en su mayoría en las revistas más seguidas de su tiempo. Desde su taller en el barrio bohemio de Montmartre, siempre en contacto con el mundo del cabaret y los grandes personajes de la época (Claude Debussy, Henri de Toulouse-Lautrec o Guy de Maupassant), Steinlen y su obra se caracterizaron por dos razones: un compromiso político inquebrantable, siempre del lado de los más desfavorecidos, y un amor infinito hacia los gatos, protagonistas de cientos de sus dibujos.

11ª Bienal de Arte contemporáneo de Berlín

La 11ª edición de la Bienal de Arte Contemporáneo de Berlín tiene lugar del 5 de septiembre al 1 de noviembre de 2020 en varios lugares de Berlín y cuenta con un equipo intergeneracional de curadores sudamericanos: María Berríos, Renata Cervetto, Lisette Lagnado y Agustín Pérez Rubio que proponen un proyecto a cuatro voces.

La Bienal de Berlín se celebra cada dos años en diferentes lugares de Berlín y se define por las diferentes propuestas conceptuales que hacen los curadores designados para cada edición. Promueve formatos experimentales y proporciona a curadores y artistas el espacio y la libertad para presentar ideas y propuestas relevantes y desafiantes independientes del mercado del arte y los intereses de la colección. La participación en sus exposiciones permiten a numerosos artistas jóvenes alcanzar un estatus internacional.

Melilla: Curso Taller

Arte: Don Quijote. Miradas francesas contemporáneas

Hasta el próximo día 31 de marzo de 2017 puede visitarse, en la Galerie du 10 del Institut Français de Madrid, la exposición Don Quijote. Miradas francesas contemporáneas.

Exposición que reúne un impresionante conjunto de 20 obras en las que encontramos distintas visiones que pintores contemporáneos franceses nos ofrecen acerca del inmortal personaje de Cervantes. Inmortal y siempre de actualidad, porque su triste figura presenta varias caras, combate la injusticia y protege a los oprimidos: el caballero andante de pertenece, también en pintura, a una realidad atemporal. Es la primera vez que se exhibe en España esta colección particular, donde hay nombres ya consagrados de la actual pintura francesa como Robert Combas, Hervé Di Rosa o Topolino

Hervé Di Rosa

La muestra rinde homenaje al famoso personaje de Cervantes y sus múltiples caras: el héroe que combate la injusticia, el hidalgo que protege a los oprimidos, el caballero andante que ha perdido el juicio.

Topolino: Cuadro pintado en acrílico manchego, como el queso que se derrite por la cara» del pobre Caballero de la Triste Figura.

Los 21 lugares más bonitos de Madrid: Palacio de Cristal

15.- Palacio de Cristal del Retiro

El palacio de Cristal del Retiro es una estructura de metal y cristal situado en el Parque del Retiro de Madrid (España). Fue construido en 1887 con motivo de la Exposición de las Islas Filipinas, celebrada ese mismo año. En la actualidad en su interior se realizan exposiciones de arte contemporáneo.

Fue construido por Ricardo Velázquez Bosco, y su proyecto de construcción se inspiraba en el Crystal Palace, levantado en Londres en 1851 por Joseph Paxton. En Londres se había levantado el Crystal Palace en Hyde Park en el contexto de la Exposición de Trabajos Industriales, y en España se levantó el Palacio de Cristal para la Exposición de las Islas Filipinas.

Su estructura es de metal, y está totalmente recubierto por planchas de cristal, de ahí su nombre. La decoración cerámica utilizada en pequeños frisos y remates es obra de Daniel Zuloaga; de ella destacan las figuras de grutescos con cabezas de ánades.

A sus pies se encuentra un lago artificial (existe una escalera que se sumerge dentro de él), en el que se pueden encontrar varios ejemplares de ciprés de los pantanos (Taxodium distichum), cuya principal característica es que parte de su tronco y de sus raíces están bajo el agua. El edificio está rodeado de castaños de Indias.

En la actualidad está co-gestionado por varias entidades (Ayuntamiento de Madrid, Museo Reina Sofía...) y en su interior se realizan exposiciones de arte contemporáneo.

Arte: Yelena Bryksenkova

Yelena Bryksenkova nació en San Petesburgo (rusia), pasó su infancia  en Cleveland, estudió ilustración en el Maryland Institute College of Art en Baltimore y en la Academia de Arte decorativas y Aplicada de Praga, República Checa. En la actualidad vive y trabaja en Inglaterra como dibujante e ilustradora independiente.

Ski Mountain

Little Red Chairs

The Simple Things

La Boum

The Nudes

Perseids

Christmas Carol

Cara Mia

Arte: Albert Sesma

Albert Sesma es un joven artista con gran proyección. Nacido el 3 de junio de 1976, en Paris (Francia). Licenciado-Doctorado en Bellas Artes por la Facultad del País Vasco. Discípulo de Antonio Lopez durante 5 años, el gran maestro del realismo mágicos en palabras del propio Albert Sesma.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (X)

Joan Miró (1893-1983) comenzó a pintar en 195 dentro de una estética heredera del fauvismo, aunque conciertos elementos propios de la pintura catalana del siglo XIX. Miró, ávido de aprender e innovar continuamente, introdujo en la obra de su etapa de formación aspectos característicos de distintas vanguardias -fauvismo, futurismo, cubismo, dadaísmo-, buscando, sin embargo, un lenguaje propio e independiente.

Joan Miró: La masia, 1922. Óleo sobre lienzo.  National Gallery of Art, Washington, Estados Unidos

Se considera esta obra como la primera propiamente mironiana. A partir de ella, realizada entre Montroig y París, surgirá el tan característico lenguaje sígnico mironiano, que culminará en la serie de pinturas realizadas en París entre 1923 y 1925, como Tierra labrada y el Carnaval del arlequín, que presentaran ya, según palabras de André Breton, el más puro estilo surrealista. 

Joan Miró: Tierra labrada (La terre labourée), 1923-1924. Óleo sobre lienzo. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Estados Unidos

Joan Miró: El carnaval del arlequin, 1924-1925. Óleo sobre lienzo. Allbright-Knox Art Gallery, Buffalo, Estados Unidos

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (IX)

Lo cierto es que el cubismo fue una de las primeras vanguardias que desató interés en Cataluña, sobre todo porque venía de la mano de un artista como Picasso que, en su etapa de formación, se había relacionado con artistas catalanes y además había vivido en Barcelona. No hay que olvida que en 1912 el galerista Josep Dalmau organizó una exposición de cubismo en Barcelona, en la que tomaron parte, entre otros, Gleizes, Metzinger, Duchamp, Gris, Le Fauconnier y Léger. Con toda probabilidad, el hecho de que Francis Picabia decidiese viajar a Barcelona en 1916, huyendo de la I Guerra Mundial, tivo mucho que ver con la existencia de un núcleo de personas en torno a Dalmau que se interesaban por la nueva concepción artística. 

Fue Francis Picabia quien, durante su estancia en Barcelona, publicó en 1917 la famosa revista 391, réplica de la revista dadaísta surgida en Nueva York poco antes con el título 291. Así, el germen del dadaísmo también se halló presente en Cataluña, llegando a afectar de manera decisiva a algunos jóvenes artistas que, por aquel entonces, se encontraban en plena etapa de formación, como era el caso de Joan Miró.

Francis Picabia, Ici, c'est ici Stieglitz, foi et amour, 291, núm. 1, 1915, portada

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (VIII)

La tendencia cada vez más clara a la abstracción inherente al cubismo analítico fue uno de los motivos por los que Picasso decidió, a finales de 1911, integrar fragmentos de la realidad cotidiana en el cuadro. De esa idea nace el collage. La inserción de papeles de periódicos, revistas, etiquetas, cartas de la baraja -en un primer momento., y elementos tridimensionales diversos -más tarde-, hará evolucionar la técnica del collage hasta convertirse en la del assemblage.

Pablo Ruíz Picasso: Sifón, vaso, periódico y violín. Collage. Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos

La ampliación del repertorio de posibilidades en la concepción de una obra pictórica o escultórica, gracias a la incorporación de tales técnicas, resulta realmente impactante. Tan sólo hay que recordar las  realizaciones del propio Picasso o bien las de otro de los artistas españoles instalados en París, Juan Gris (1887-1927). El cubismo de Gris resultó extraordinariamente peculiar, en tanto que su concepción de collage difirió mucho de la de Picasso. Además su gama cromática y su sentido de la composición también fueron muy distintos. 

Juan Gris: El lavabo, 1912. Óleo y espejos pegados sobre tela. Colección particular, Paris, Francia

Juan Gris es una de las figuras más relevantes del cubismo. Podemos considerarle el tercer maestro de esta vanguardia tras sus creadores, Pablo Picasso y Georges Braque, aunque a diferencia de ellos es el pintor más puramente cubista porque su obra se mantendrá en el estilo cubismo sintético casi desde que sale a la palestra como pintor en 1912 hasta su muerte en 1927.

Juan Gris: Jarra, botella y copa, 1911. Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno, Nueva York, Estados Unidos

A la estructura lineal a modo de trama organizativa en diagonal Gris añade el collage. Ésto es lo que verdaderamente conmociona de su nuevo estilo a la sociedad artística parisina. La audacia de Gris radica en usar materiales nuevos en combinación con el óleo en dos de sus cuadros, El lavabo y El reloj. En El lavabo introduce trozos de espejo reales que no sólo representaban en sí este objeto de tocador, sino que también reflejaban el rostro de cada espectador que se pusiera delante de él. Esta fue una innovación que iba más allá que la de Picasso, la incorporación de la realidad, que también implicaba la participación del espectador en la realización de la imagen. Además, anticipará el siguiente desafío a la autoridad artística de Marcel Duchamp con sus "readymades".

Juan Gris: El reloj, 1912. Óleo y collage sobre lienzo. Colección privada

En El reloj, introduce por primera vez un motivo literario impreso como un elemento de collage. En concreto, el texto (no se ve bien en las imágenes porque hay que acercarse mucho) son dos fragmentos de poemas de Apollinaire que hacen referencia al amor perdido y al paso del tiempo. Gris recupera la tradición simbolista de las naturalezas muertas hechas desde el barroco en donde los objetos tienen su mensaje. El reloj de bolsillo que da nombre al cuadro, señala las once, una hora avanzada y contribuye a remarcar aún más el tono melancólico de las ideas expresadas por el poema. La etiqueta de la botella de jerez y las borlas del cortinaje, junto con los números del reloj, son detalles realistas que obligan al espectador a hacer una «síntesis visual-intelectual», es decir, a dotar de forma lógica al conjunto en su cerebro. Por otro lado, en este cuadro podemos comprobar que Gris empieza a tomarle gusto al color alejándose de los ocres y grises de otros cuadros anteriores.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (VII)

En esta época el arte picassiano remite, sobre todo, a las manifestaciones de uno de sus artistas preferidos: Toulousse-Lautrec. Muy poco después Picasso, animado por sus amigos catalanes, decide maracharse a París. A una primera estabcia corta, sucederán otras, hasta que el artista español se instaló de manera definitiva en la capital francesa.

El hurgador o Madre e hijo, 1902. Período azul.

La evolución artística de Pablo Picasso (1881-1973) fue en los primeros años del siglo muy rápida y puso de manifiesto la enorme capacidad del joven artista para cambiar e innovar su lenguaje. Ala etapa azul (1902-1904) siguió la rosa (1904-1906) y luego la negra (1906) para culminar este proceso de alejamiento de la pintura naturalista en el hallazgo sin precedentes del cubismo.

Madre e hijo, 1905. Período rosa.

La investigación que Picasso realizara entre 1906 y 1907, fecha en la pintó el cuadro de Las señoritas de Avignon, le lleva a geometrizar las bases del movimiento cubista.

Autorretrato del autor, 1906.  Período negro.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (VI)

Las primeras vanguardias

En la Península ibérica hubo zonas en las que, por motivos diferentes, las corrientes artísticas innovadoras penetraron con mayor rapidez que en otras. Una de tales zonas fue Cataluña. El hecho de que gran parte de los artistas catalanes de finales del siglo XIX y comienzos del XX visitasen París con relativa frecuencia e incluso pasasen temporadas en la capital francesa, realizando su obra pictórica o escultórica, fue decisivo en tanto que permitió que conocieran y pusieran en práctica las novedades técnicas propios del impresionismo y del postimpresionismo. La obra de Mir, Rusiñol, Casas, Nonell y Anglada Camarasa, por citar algunos ejemplos, se convirtió en referencia obligada para los artistas más jóvenes.

Santiago Rusiñol: Calle del barrio de Rouen de París.
Óleo sobre lienzo. Biblioteca Museo Víctor Balaguer

Este fue uno de los motivos por los que el joven pintor malagueño, instalado en Cataluña, Pablo Ruiz Picasso, recibiera influencias en su primera etapa de determinados artistas franceses, a través de sus amigos catalanes. Fue en 1899 cuando Picasso colaboró con el famoso grupo de artistas Els Quatre Gats (Los Cuatro Gatos), realizando el cartel anunciador del locla restaurante donde se reunía dicho grupo.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (V)

El arte en España desde 1900 hasta 1939

Al estudiar el arte español del siglo XX -sobre todo en lo concerniente a la vanguardias-, comprobamos que existen una serie de factores diferenciadores respecto al arte del resto de Europa en la misma época. Ante todo, se observa que en las primeras décadas del siglo XX, España presentaba aun tipo de arte marcado por un conservadurismo y por un academicismo que afectaba tanto a las formas como a los contenidos. En realidad puede afirmarse que el anclamiento en el pasado que se detectaba en Europa a principios de siglo -antes de 1905-, y fue drásticamente relegado e incluso borrado del mundo del arte, En España se prolongó hasta bien entrada la década de 1920.

Joaquín Sorolla: Niños en la playa, 1910. Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid, España

Además, la vanguardia no penetró de la misma manera ni con la misma fuerza en los distintos lugares de España hace más complicada la situación. Por otra parte, cuando se había conseguido el afianzamiento  de las nuevas concepciones artísticas estalla la Guerra civil española (1936-1939), donde se notará un retroceso en el ámbito artístico. Y el consiguiente período de posguerra no será mejor en este sentido, pues la carencia de libertad y la clara tendencia por parte del régimen de reimplantar el conservadurismo, traerán como consecuencias un tipo de arte que se hallará muy alejado, en general, de planteamientos nuevos y arriesgados.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (IV)

Aparte de los mencionados movimientos, la abstracción -tanto de carácter lírico como la geométrica-, coadyuvó a establecer los nuevos lenguajes artísticos, en la mediad en que prescindió  de la figuración y, por lo tanto, eliminó la representación y todo lo que ésta pudiera conllevar. Por otra parte, desde un punto de vista estético, la noción de belleza adquirió nuevos significados tal y como los formularía el crítico cultural marxista el alemán Walter Bejamin en su famoso ensayo La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica (Das Kunstwerk im Zeitalter seiner technischen Reproduzierbarkeit, 1936), publicado originalmente en la revista Zeitschrift für Sozialforschung. Benjamin llegaría a afirmar que el "arte había escapado del reino del halo de lo bello", mientras que para los surrealistas se trataría de un nuevo tipo de belleza: la belleza convulsa. 

Jean Dubuffet: Mona Lisa. Grattage

Con el advenimiento de la II Guerra Mundial  se abrió una época distinta en la que el cientifismo y los avances tecnológicos, presentes ya en los primero años del siglo, crecieron a un ritmo mucho más acelerado, llegando a impregnar el propio ámbito artístico. Tras la guerra, tendencias artísticas como el informalismo o el expresionismo abstracto norteamericano permiten comprender hasta que punto fueron técnicas como el grattage, el dripping, el assemblage o el propio collage. Se trataba de innovar y de imprimir a la obra un sello propio y personal que la hiciera única y diferente. 

Jackson Pollock: Dripping

Después aparecería el pop art con su reivindicación de la cotidianidad y de la banalidad. Frente a esta modalidad realista surgirían nuevas tendencias abstractas, entre las que cabría destacar el minimalismo norteamericano y el cinetismo.

Alfonso A. Ossorio: Forearmed, 1967. Assemblage. Colección privada

Sin emabrgo, todas esas tendencias, pese a su voluntad de presentarse como innovadoras, hacía pensar en el arte de principios del siglo XX. Fue Octavio Paz quien afirmó que el arte de la década de 1960 parecía repetir propuestas anteriores, incluso el arte de acción o los denominados happenings se nutrieron de determinadas actividades futuristas, dadaístas, aunque, como es lógico, planteasen aspectos novedosos.

Con el arte conceptual a finales de los años 1960 y comienzo de la década de 1970 se dió por acabada una época, la de la modernidad. Poco después empezaría la aventura postmoderna.

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Grattage (raspado en francés), es una técnica de la pintura surrealista en la que la pintura se desprende de la tela mediante desgarrones, creando una especial textura con efecto de relieve o tercera dimensión. Fue empleada por Max Ernst y Joan Miró, y más tarde por el informalismo, especialmente por Antoni Tàpies.

Dripping (de drip, "gotear" en inglés) es una técnica pictórica característica de la Action Painting, una de las modalidades de pintura abstracta. Y la más típica a finales de los años 1940 por Jackson Pollock, el dripping tiene cierto paralelismo con la escritura automática surrealista. La materia pictórica (que no suele ser óleo, sino algún tipo de esmalte opaco o barniz industrial, como los usados por primera vez por el propio Pollock en torno a 1947) se deja gotear sobre la tela extendida en el suelo desde un contenedor agujereado o se esparce mediante salpicaduras, directamente con las manos o mediante el uso de pinceles o cualquier otro instrumento. En los años 1950 y los años 1960, el dripping fue frecuentemente empleado por los movimientos informalistas europeos.

Assemblage o ensamblaje es un proceso artístico en el cual se consigue la tridimensionalidad colocando diferentes objetos-no-artísticos muy próximos unos a otros. Hay que recalcar que estos objetos de los que se componen estas obras comparten la característica de que no han sido diseñados con fines estéticos sino que han sido redescubiertos por los artistas quienes los incorporan a sus obras, de manera conjunta o de forma individual, para lograr expresar un mensaje o emoción. El assemblage es una técnica hermana del collage. El origen de esta palabra (en su sentido artístico) puede ser rastreado a comienzos de la década de 1950, cuando Jean Dubuffet creó una serie de collages' con motivos de alas de mariposa que tituló assemblages d'empreintes. Sin embargo, tanto Marcel Duchamp como Pablo Picasso ya habían trabajado esta técnica con anterioridad. A su vez, la joven esposa de Duchamp también protagonizó alguno de los más tempranos y bellos ejemplos de esta forma artística junto a Louise Nevelson, creador de una célebre serie de esculturas a partir de trozos de madera a finales de la década de 1930.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (III)

El dadaísmo aún fue más allá y, transgrediendo lo que podría entenderse como límites o fronteras de actuación, propuso una forma de ruptura mucho más osada y desde la que difícilmente podía volverse a soluciones anteriores. 

Theo van Doesburg:  Póster del Matinée dadá, 1923. Centraal Museum, Utrecht, Paises Bajos (Holanda)

El dadaísmo es un movimiento cultural y artístico que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich (Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. El dadaísmo se caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte. Su actividad se extiende a gran variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la pintura o la música.

Para los miembros del dadaísmo, este era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los gestos y actos dadaístas: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta. Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, el dadaísmo crea una especie de antiarte moderno, es una provocación abierta al orden establecido.

Marcel Duchamp, Picabia, Jean Crotti, como europeos refugiados -en Europa se libraba la I Guerra Mundial-, junto con los estadounidenses Man Ray, Morton Schamberg y otros dan vida al dadaísmo neoyorquino.

Duchamp llegó de París a Nueva York con un regalo de los franceses para los estadounidenses (particularmente para el coleccionista Walter Arensberg) que consistía en una bola de cristal con aire de París. Era el comienzo de los ready mades (una rueda de bicicleta montada sobre un taburete, un botellero, un orinal, etc.), objetos sacados de la realidad y puestos en la esfera del arte por la simple acción y voluntad del artista. El deleite estético estaba fuera de sus intenciones y la elección de los objetos. 

Marcel Duchamp: La fuente, 1917. 

Duacham trastocó los cimientos del arte tradicional y contribuyó a establecer las bases de nuevos comportamientos artísticos. El surrealismo se nutrió de dadá y además abrió sin reparos las puertas de la pintura y la escultura al extraño y desbordante mundo del inconsciente.

Marcel Duchamp: Maletín, 1941. Contiene réplicas en miniatura de sus obras más representativas.
La idea subyacente es la de crear un museo portátil 

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Ready Made: El término arte encontrado –más comúnmente objeto encontrado (en francés objet trouvé; en inglés, found art o ready-made) o confeccionado– describe el arte realizado mediante el uso de objetos que normalmente no se consideran artísticos, a menudo porque tienen una función no artística, sin ocultar su origen, pero a menudo modificados. Marcel Duchamp fue su creador a principios del siglo XX. Fue acuñado por Marcel Duchamp en 1915.