Libros: Contra todo

Contra todo 

Archivos de la guerrilla antifascista

Yayo Aznar Almazán, Daniel Palacios González

Sans Soleil

Vitoria-Gasteiz

2026

262 págs. 

Cuando el fascismo no era una amenaza parlamentaria, sino el sistema de gobierno, tomar las armas resultó la opción elegida por miles de personas. De aquella lucha total nos quedan sus fotografías desfilando, posando armadas o merendando en la clandestinidad, sus panfletos representándose como un verdadero ejército, con sus enemigos arrodillados, o realizando sabotajes y emboscadas. Las imágenes de este libro fueron producidas por quienes lucharon contra el fascismo, y hoy resultan relevantes dada la criminalización a la que se les sometió. Fueron acusados de bandoleros y terroristas, sus cadáveres eran mostrados públicamente y se reproducían las fotografías de sus rostros desfigurados en la prensa. Décadas después, el horror ha vuelto con las imágenes de sus esqueletos exhumados de las fosas comunes, como sus verdugos lo hubieran deseado. No son esas las imágenes que se encontrarán en este libro, que rompe tanto con la criminalización como con el victimismo y apuesta por rescatar las imágenes de la guerrilla hoy olvidadas en los archivos. No es un ejercicio de memoria sino de conciencia histórica. Pero cuidado, recordar la guerrilla no es hacer la guerrilla. Los caminos del antifascismo y de la revolución no son los de elucubrar con dibujos, fotografías ni obras de arte, convirtiendo melancólicamente las luchas sociales en luchas por la memoria. Al contrario, con este libro se cuestiona si estas imágenes aún tienen la capacidad de servir como recursos de inspiración y esperanza, frente a la institucionalización y la neutralización del recuerdo.

El libro incluye una gran cantidad de material gráfico: fotografías, pasquines y periódicos, etc. Prólogo a cargo de Gal Kirn, autor de Contrarchivos partisanos. Arte y memoria en Yugoslavia.

Yayo Aznar Almazán, catedrática de Historia del Arte en la UNED, es autora, entre otros libros, de El cauce de la memoria (Istmo, 1998), Arte de acción (Nerea, 2000), La memoria compartida (Paidós, 2005), Insensatos (Micromegas, 2013) o Miradas políticas en el país de las fantasías (Akal, 2019). 

Daniel Palacios González, octor en Historia del Arte por la Universität zu Köln, es investigador en la UNED y anteriormente lo fue en el Birkbeck, University of London. Entre otros libros es autor De fosas comunes a lugares de memoria (CEPC, 2022), que recibió el premio al mejor libro de la Memory Studies Association en 2023.

Libros: HUBERT DAMISCH

HUBERT DAMISCH

Y el pensamiento del arte

Gabriel Cabello, Sabine Guermouche, Daniel Lesmes (eds.)

Sans Soleil
Vitoria-Gazteiz
2026

324 págs. 

En formato bilingüe y coordinado por Gabriel Cabello, Sabine Guermouche y Daniel Lesmes, contamos aquí con destacados estudiosos de la obra de Damisch,  como son Matthew Bowman, Elisa Coletta, Georges Didi-Huberman, Thierry Dufrêne, además de contar con la participación de Teri Wehn-Damisch en conversación con Guillermo G. Peydró, y un texto inédito de Hubert Damisch.

Dans un format bilingue et coordonné par Gabriel Cabello, Sabine Guermouche et Daniel Lesmes, sont présentés des essais de Matthew Bowman, Elisa Coletta, Georges Didi-Huberman, Thierry Dufrêne. Sont aussi présentés un entretien de Teri Wehn-Damisch mené par Guillermo G. Peydró ainsi qu’un texte d’Hubert Damisch.

Hubert Damisch (1928-2017) prestó una atención constante al arte, trabajando no tanto sobre las obras sino con ellas, en la medida en que plantean problemas de interpretación que abren perspectivas singulares sobre las estructuras y el funcionamiento más íntimo de una cultura. Lejos de posiciones puristas, su empeño por constituir un espacio de interrelación entre sus estudios y el conjunto de las humanidades tendría como consecuencia una apertura hacia la sociología, la semiótica o el psicoanálisis. Damisch concebía así la historia del arte como una disciplina filosófica y desde esa posición se nos muestra como una figura clave en la formación de autores como Rosalind Kraus, Yves-Alan Bois o Georges Didi-Huberman. Este volumen se propone como una introducción a modo de archipiélago teórico sobre una obra que no dudamos en calificar de oceánica.

Libros: Tres pupilas

Tristes pupilas

Vida y muerte de las mascaronas de proa

José Luis Marzo

Sans Soleil
Vitoria-Gazteiz
2025

256 págs. 

Las mascaronas eran mujeres de madera emplazadas en las proas de los barcos. Los hombres las llamaron “las esculturas más vivas del mundo”. Destinadas al desastre, muy pocas sobrevivieron. ¿Por qué estaban allí, en un lugar en donde no había mujeres?

Miles de mujeres esculpidas en madera poblaron las proas de los barcos hasta bien entrado el siglo XX. La gran mayoría desaparecieron en naufragios o desguazadas. Muy pocas se conservan. No existe en la historia del arte nada parecido: ¿qué otras figuras han sido tan condenadas al martirio del desastre? ¿A qué otros productos artísticos se les solicitó semejantes proezas?

Hablamos de figuras sujetas a las máximas exigencias: con las pupilas bien abiertas, tenían que ser capaces de prever los peligros, de espantar las amenazas, de proteger a naves, cargamentos y tripulaciones, de representar a naciones, reyes, armadores y comerciantes, de recordar al hogar. Se les solicitó entrega abnegada en el matrimonio con su barco y con los hombres que había dentro. Y, al mismo tiempo, cada una de ellas estaba atada a una biografía precisa, al rostro concreto de una mujer, de una madre, una esposa o una hija, pero también al universo viril, patriarcal, mercantil y colonial del capitalismo marítimo.

¿Qué función tenían en un espacio exento de mujeres de carne y hueso? Las mascaronas reflejan toda una política de género que las moldea y las inclina en las proas, y que da testimonio de un conjunto de patrones míticos, morales, religiosos, productivos, reproductivos, sexuales y laborales confeccionados en el mar sobre el cuerpo social femenino y que lo infectaron todo también en tierra. La historia de estas figuras, hoy tristemente pintarrajeadas en los museos, nos puede ayudar a comprender el modo en el que lo femenino se constituyó como política iconográfica de la modernidad.

Jorge Luis Marzo es historiador del arte y profesor de iconología en BAU Centro Universitario de Artes y Diseño de Barcelona. Ha desarrollado numerosos proyectos en relación a las políticas de la imagen, en formato expositivo, audiovisual o editorial. Los más recientes son: La curva. Patologías gráficas (2024), Biennal 2064 (2023), Actuar en la emergencia. Diseño y pandemia (2021-2024); Las videntes. Imágenes en la era de la predicción (2021; edición italiana, 2025). 

Libros: Retorno a la belleza

Retorno a la belleza

Grandes momentos del arte, la música y la literatura

Antonio R. Rubio

PPC

Madrid 

2025

347 págs. 

Dieciocho grandes obras comparecen en este Retorno a la belleza, desde La Piedad más célebre y lograda de las que esculpió Miguel Ángel –la expuesta en la basílica de san Pedro (1499)– hasta la película Cinema Paradiso (1988), de Giuseppe Tornatore. Están escogidas entre creaciones de la literatura, las artes plásticas, la música y el cine. Hay, además de las citadas, cuadros de Velázquez, Millet y Monet; un drama de Shakespeare: La tempestad; novelas de Jane Austen y Balzac –no las más populares–, junto con El desierto de los tártaros y La vida. Instrucciones de uso, el sorprendente mosaico de Georges Perec. Hay composiciones de Mozart, Beethoven, Rajmáninov, Falla y Ravel. Completan el panorama las películas El chico, de Chaplin, Lawrence de Arabia y Matar a un ruiseñor, que se examina también como creación literaria, en la novela original de Harper Lee.

Naturalmente, la selección responde a la sensibilidad personal del autor. Pero precisamente esto es lo que la avalora. Antonio R. Rubio se detiene en obras que ha contemplado largamente y que le despertaron el deseo de comprenderlas a fondo. Al hacernos partícipes de sus indagaciones y sus reflexiones, no da simpe información complementaria. Hay en su libro mucho más de experiencia que de erudición.

Está justificado que el subtítulo sea “Grandes momentos del arte, la música y la literatura”. En efecto, cada obra es comprendida a partir de su “momento”: el proceso de su creación en la vida del autor. El artista, el músico, el escritor, cuando logra la auténtica belleza, deja tanto de sí en su trabajo, que necesariamente se retrata en él, de modo más o menos expreso. Por eso, la contemplación de Antonio R. Rubio es biográfica. Nos lleva a calar en el Concierto para piano y orquesta n. 2 adentrándonos en la depresión de Serguéi Rajmáninov, a ver en La piel de zapa la pasión suicida de Honoré de Balzac por el éxito, a entender El chico por la difícil infancia de Charles Chaplin.

La atención a las vidas de los autores lleva a Antonio R. Rubio a los escenarios de sus creaciones, que en bastantes casos ha pisado. También en esto hay mucho de experiencia. Es muy iluminador, a la vez que delicioso, visitar con él los edificios parisinos donde vivió Perec, el campo de Barbizon que Jean-François Millet pintó en El Angelus o el hotel de Sevilla donde David Lean rodó algunas escenas de Lawrence de Arabia.

Desde luego, Retorno a la belleza ayuda a apreciar las cumbres del arte, la música y la literatura. Pero más aún transmite la vivencia de dejarse impresionar por ellas.

Antonio Rubio Plo es escritor y columnista. Analista de política internacional, es doctor en Derecho y Relaciones Internacionales, y licenciado en Geografía e Historia. Profesor de Ciencia Política y de Geografía e Historia, es autor de varios libros: Vidas romanas. Treinta y tres personajes de la Roma eterna; Cincuenta santos para llevar en el bolsillo y Solidarios. La vida más allá de uno mismo.PRECIO PAPEL

Un Van Gogh en el salón

Un Van Gogh en el Salón

¿Quién dijo que la historia del arte no era divertida? (Aprender hoy) 

Clara González Freyre de Andrade

Temas de Hoy

2024

472 págs. 

El arte, esa disciplina venerada por muchos, repudiada por otros tantos. Puede ser sinónimo de erudición, de universo intelectual, pero también de emoción, historia, cultura. Lo que muchos no saben es que el arte es para todo el mundo, solo hay que encontrar la forma de entrar en él.

Como si fuera tu mejor amiga contándote el último cotilleo, Un Van Gogh en el salón no deja cuadro sin artista para explicarnos las anécdotas y secretos de las obras más icónicas y descubrirnos otras que nadie nos había mostrado hasta hoy. Un recorrido en el que conviven el arte y la cultura pop.

Este es un libro para aprender y divertirse: conoceremos los salseos artísticos imprescindibles, las rivalidades más escandalosas, las mentes fe­meninas más brillantes o las obras que causaron más polémica, entre mu­chas otras cosas. Narrado con naturalidad y sencillez, Un Van Gogh en el salón nos permite disfrutar del arte desde la comodidad de nuestra casa.

Clara González Freyre de Andrade nacida en Benidorm en 1995, es una historiadora del arte especializada en crítica y comunicación cultural. A través de sus perfiles de redes sociales, donde se hace llamar @Claramore_, trata de desacralizar el arte compartiendo sus pasajes como si fueran estos el último cotilleo de salsa rosa. Además de explicar los secretos de obras famosas y explorar referencias en videoclips, es conocida por visibilizar artistas femeninas y personalidades del colectivo LGTBIQ+. Su humor y naturalidad la han llevado a hacerse un hueco dentro de la divulgación cultural en español y ya acumula más de 250 mil seguidores entre sus perfiles. Más allá de las redes, Clara escribe en medios de comunicación como El Grito (El Confidencial) o Yorokobu y ofrece charlas para seguir contagiando la pasión por el arte sin importar el formato.

Cómic: Historia del arte en cómic

Historia del arte en cómic

Arte Barroco: 4

Pedro Cifuentes 

Despeta Ferro
Madrid
2023
96 págs.
A partir de 10 años
Si con el anterior volumen dedicado al Renacimiento parecía que Pedro Cifuentes había entrado en el Olimpo de los artistas, agárrate que vienen curvas. El Profe y los agentes de la historieta se atrevan ahora a codearse con genios de la pintura como Velázquez, Rubens, Rembrandt, la injustamente olvidada Artemisia Gentileschi o el peligroso Caravaggio –take a walk on the wild side!–, pero también con titanes de la escultura como Bernini o el genial arquitecto Borromini. Paseemos por San Pedro del Vaticano, por las callejuelas del Madrid de los Austrias, por el palacio de Versalles o por la Venecia de Canaletto, e incluso por Manila o el Taj Mahal, acompañados por la joven de la perla o la infanta Margarita de Austria. ¡El Barroco nunca fue tan divertido!

Pedro Cifuentes es profesor de Ciencias Sociales en ESO desde 2008, y miembro del Comité Coordinador de la Red de Docentes para el Desarrollo. Su labor como introductor y divulgador del uso del cómic con finalidad didáctica ha sido reconocida con el Premio Nacional de Educación para el Desarrollo (2010), el Premio Materiales Didácticos Comunitat Valenciana (2011), el Premio al Profesor Destacado de la Generalitat Valenciana (2019) y el Premio Cope Castellón de Educación (2020). Pedro es un apasionado lector y dibujante de cómics, y entre sus publicaciones están Los profesores somos gente honrada, Los objetivos del milenio en cómic (AECID-MECD), Historias de Vida (Fundación Telefónica-Escuelas Jesuitas) y Convivencia y conciencia (Plataforma de la infancia), además de varios webcómics que abordan mediante tiras cómicas asuntos serios como son la educación, los animales y sus dueños o la gestión del patrimonio cultural. Pedro Cifuentes realiza además habitualmente charlas y ponencias sobre innovación educativa, shows de sketching en vivo, talleres sobre Visual Thinking o ludificación en el aula. Tras una exitosa experiencia en crowdfunding, Desperta Ferro Ediciones recoge el testigo de su Historia del arte en cómic. El mundo clásico, primer volumen de una colección a la que han seguido La Edad Media y Renacimiento y que en breve tendrá continuación con otros tres: la época del Barroco, el siglo XIX y el siglo XX. Y ahí no queda la cosa, en paralelo nos adentraremos en una nueva colección, Historia de España en cómic, una serie de álbumes gran formato que dedicará su primer volumen a la Prehistoria en la península ibérica.

Libros: Mujeres Artistas De La Antigua Grecia

Mujeres Artistas De La Antigua Grecia

Creadoras ocultas entre diosas y heroínas

Marta Carrasco Ferrer, Miguel Ángel Elvira

Reino de Cordelia

Madrid

88 págs. 

Un homenaje a las artistas de la Grecia clásica olvidadas por la historia.

Mujeres de la Grecia mítica e histórica dejaron su huella en artes como la pintura y los tapices, asombrando a cuantos contemplaron sus creaciones. Al igual que los hombres, muchas de ellas llegaron a tener sus propios talleres, donde trabajaban en sus obras. La mayor parte de estas artistas ha quedado en el anonimato, pero de la mano de historiadores como Plinio el Viejo y otras fuentes es posible conocer la identidad de algunas, continuadoras de la labor de Penélope, una de las primeras tejedoras de la cultura helénica. Este libro, ilustrado con ejemplos de su arte, rescata del olvido a pintoras como Timarete, Irene, Calipso, Aristarete, Laia y Olimpias y rinde homenaje a un colectivo, el femenino, maltratado habitualmente por la Historia del Arte.

Marta Carrasco Ferrer (Madrid, 1968) Es profesora titular de universidad acreditada en Historia del Arte, con veinte años de experiencia docente. Ha escrito libros y artículos sobre iconografía mitológica, arte griego y romano y coleccionismo de escultura antigua y es miembro del grupo de investigación Genovifem, Estudios sobre la Mujer, de la Universidad de Navarra. Ha comisariado varias exposiciones en España e Italia y ha sido profesora invitada por las universidades de Palermo, Roma «La Sapienza» y San Ignacio de Loyola en Lima, entre otras. Es coeditora de El río de Osiris. Cien textos imprescindibles de la literatura egipcia.

Miguel Ángel Elvira (Madrid, 1950), es catedrático emérito de Historia del Arte en la Universidad Complutense de Madrid. Entre 1997 y 1999 fue jefe del Departamento de Conservación de Escultura en el Museo del Prado y,  entre 2000 y 2004, ha sido director el Museo Arqueológico Nacional. Escritor y catedrático de Historia del Arte y Literatura Hispánica, ha centrado sus investigaciones en la Antigüedad clásica, Grecia y Etruria, el arte bizantino y el coleccionismo de esculturas de los siglos XVII y XVIII. Es miembro de la Real Academia de la Historia, de la Real Academia de Bellas Artes de Sevilla y del Instituto Arqueológico Alemán de Berlín. Ha escrito numerosos libros y artículos sobre los temas de su competencia, entre ellos figura Voyeurs del arte grecorromano, junto a Luis Alberto de Cuenca, y El río de Osiris. Cien textos imprescindibles de la literatura egipcia, en colaboración con Marta Carrasco Ferrer.

Libros: El paraíso a pinceladas

El paraíso a pinceladas

Jardines en las obras de arte

Eduardo Barba Gómez

Espasa
Madrid
2023
208 págs.
Los jardines en el arte vistos con la mirada de un jardinero.
Eduardo Barba, autor de El jardín del Prado, nos propone en esta ocasión un recorrido por la pintura de jardines, esos mágicos espacios verdes que nos vinculan íntimamente a la naturaleza y que, como obra de arte viva, constituyen uno de los más sofisticados medios de expresión cultural de cada época.
Desde el antiguo Egipto hasta nuestros días, cada jardín encierra una concepción del mundo y es un mundo en sí mismo, habitado por diferentes plantas que el autor nos descubrirá con la mirada de un jardinero apasionado también por el arte.
Eduardo Barba Gómez es jardinero, investigador botánico en obras de arte, paisajista y profesor de jardinería. Su pasión por el reino vegetal es tan intensa como su pasión por el arte, lo que le ha llevado a catalogar todas las piezas expuestas del Museo del Prado que muestren algún detalle botánico, identificando sus especies.

Libros: Historia del Arte de la Antigüedad

Historia del Arte de la Antigüedad

Johann Joachim Wincklemann

La Esfera de los Libros
Madrid
2023
360 págs.
La belleza trasciende el tiempo y el espacio. 
Esta es la premisa con la que Wincklemann cambiaría la percepción que tenemos del arte para siempre.
Estas páginas, que se publicaron por primera vez en Dresde en 1764, son un recorrido por las manifestaciones artísticas del mundo antiguo partiendo de la idea de que, como la vida, han sufrido un proceso evolutivo.
A través del estudio del arte de los egipcios, los etruscos, los persas, pero especialmente el de los griegos, establece una continuidad a lo largo de distintas civilizaciones completamente novedosa para la época.
Su capacidad crítica y su atención al detalle convirtieron esta en una obra de referencia e inspiración para grandes artistas y teóricos como Goethe o Schiller; aún hoy, continúa siéndolo para todo aquel que se acerque al estudio del arte clásico.

Johann Joachim Winckelmann (Stendal, 1717-Trieste, 1768) fue un arqueólogo e historiador del arte alemán especializado en la Antigüedad clásica. Considerado como el padre de la Historia del Arte y de la Arqueología, ejerció gran influencia en el pensamiento artístico moderno y contribuyó de forma sobresaliente al desarrollo del neoclasicismo.

Libros: Gafas para entender el arte moderno

Gafas para entender el arte moderno

De Manet a Bansky

Antonio Puerta López-Cozar

Encuentro
Madrid
2023
528 págs. 
Antes no hacía falta entender nada para tener una experiencia estética al contemplar una obra de arte, pero hoy no es así: desde las cajas de Brillo de Andy Warhol hasta el tiburón en formol de Damien Hirst, en el mundo del arte actual se exponen muchas cosas extrañas, incluso chocantes. Se comprende que a menudo los espectadores se pregunten: ¿no es esto una tomadura de pelo? ¿Por qué el arte actual es así, por qué no se entiende? Antonio Puerta narra con claridad y perspicacia el viraje del arte en el siglo XX a través de 43 obras icónicas, dialogando a la vez con las ideas sociales, científicas, religiosas o culturales que las acompañan. Gafas para entender el arte moderno se abre, con estilo informativo y ameno, tanto al amante como al detractor del llamado «arte después del arte», para mostrar el contexto, advertir el impulso creador de cada artista y desentrañar el sentido de sus obras. Porque una cosa es aprender a mirar el arte actual y otra distinta entenderlo, las gafas que nos propone Puerta no son para corregir nuestra visión, sino para favorecerla. Tras la lectura de este libro, ir al museo o a la galería puede convertirse en una experiencia completamente diferente y, sobre todo, más gratificante.

Antonio Puerta López-Cózar (Granada, 1957) es arquitecto desde 1983 y socio fundador de APL ARQUITECTOS de Madrid. De 2000 a 2005 fue presidente de la Fundación Instituto de las Artes de Madrid y coordinador del Seminario Permanente de Investigación Artística (SEPIA). En 2002 editó «Diálogos entre-cruzados». Categorías para un diagnóstico del arte español contemporáneo; y también fue profesor visitante de Proyectos en la Escuela de Arquitectura de Barcelona (UIC). Actualmente es consultor de proyectos de arquitectura y colaborador habitual en publicaciones de humanidades.

Bélizaire y los niños Frey, el misterioso cuadro que documenta la historia de los esclavos negros estadounidenses

El MET de Nueva York acaba de adquirir este lienzo del siglo XIX, cuyas restauraciones han revelado el retrato de un adolescente negro, oculto bajo una capa de pintura. Un gran descubrimiento para la historia política y cultural estadounidense.

Tres niños, bajo los cielos grises y plomizos de Luisiana. Durante casi un siglo, este cuadro atribuido al retratista francés Jacques Amans (1801–1888), abandonado en un sótano de un museo de arte de Nueva Orleans antes de ser vendido en una subasta, escondió un secreto: un cuarto protagonista, a quien una mancha en la pintura lo había borrado de la escena rural, dejando solo una sombra que mostrar. El testarudo cotejo de un coleccionista estadounidense de origen criollo, Jeremy K. Simien, aliado a una historiadora de Luisiana, Katy Shannon, permitió que el cuadro, tras dos restauraciones, encontrara el rostro y el nombre del personaje borrado. La de un adolescente negro pensativo, apoyado en un roble: Bélizaire, un esclavo al servicio del rico banquero Frederick Frey, a quien el artista parisino Jacques Amans, retratista reconocido en Nueva Orleans retrató en 1837, poco después de su llegada a las riberas del Mississippi.

Lo que hace que Bélizaire y los niños Frey sean posiblemente el primer retrato naturalista de un esclavo negro con nombre, en un paisaje del sur de los Estados Unidos. El prestigioso Metropolitan Museum of Art (MET), el equivalente neoyorquino del Louvre, que se propone corregir las carencias y asimetrías de una colección de más de dos millones de obras de arte, acaba de adquirir esta pieza excepcional. Una compra tanto más importante cuanto que la pintura expresa a través de su composición “la matizada tensión racial de la época, al representar a un Bélizaire de quince años perdido en sus pensamientos y sutilmente separado de los hijos de su amo de blanco”, declara la conservadora Elizabeth. Kornhauser.

Una investigación para continuar

“Esas obras son raras", confirma la historiadora del arte Cécile Debray, directora del Museo Picasso y cocomisaria en 2019 de la exposición, pionera en Francia, La modelo negra de Géricault a Matisse, en el Musée d'Orsay. De hecho, los esclavos están poco representados, excepto en el siglo XVIII en pinturas de estilo orientalista, que muestran al esclavo negro en la posición del sirviente, una forma de los aristócratas y los grandes burgueses de expresar una posición social”. Cosa que no es el caso de Bélizaire. En este retrato de grupo relativamente convencional, ocupa un lugar sorprendente para la época, como si sobresaliera, protector de los hermanos: las dos niñas representadas, Elizabeth y Léontine Frey, desaparecerán incluso antes de que el óleo se seque sobre el lienzo, afectadas por la fiebre amarilla.

“La pose del joven negro, muy romántico, retraído, casi da la impresión de que fue pintado en otra época. Por lo tanto, hay una investigación que debe continuar, fascinante para el MET que trae a la colección una pintura cuya historia aún no se ha escrito, con cuestiones políticas, culturales y de historia del arte”, concluye Cécile Debray. Bélizaire fue redescubierto a principios del siglo XIX, lo que dice mucho sobre el racismo, que estaba exacerbado visiblemente, y sobre el lugar de los modelos negros en la pintura. »Por el momento, la pista seguida magistralmente por la historiadora de Luisiana Katy Shannon a partir del trasfondo resquebrajado de la obra se pierde en 1861, en los albores de la Guerra Civil, que puso fin a la esclavitud en Estados Unidos. ¿Qué fue entonces de Bélizaire? Unos doscientos años después de su nacimiento, el MET exhibirá su retrato en otoño.

Libros: Decapitación

Decapitación

Iconos y leyendas

Lluis Rueda

Hermenaute

Barcelona
2021

275 págs. 
"Como todos los buenos libros, este volumen plantea un juego al lector. De hecho, a lo largo de sus páginas juega no pocas veces al despiste. Cuando creemos que su hilo argumental se adentra definitivamente en la historia del arte, el autor fabula y nos arrastra a un territorio de especulación enteramente original sobre el embrujo que ejercen en nosotros determinados símbolos. Un sugerente artefacto pop. Disfrútenlo con cabeza". Jordi Sánchez-Navarro. 

Decapitación. Iconos y leyendas aborda cómo se ha tratado la iconografía del descabezamiento en el arte, los mitos y las costumbres de varias civilizaciones, aunque centra la mirada en Occidente y el Nuevo Mundo. Busca una aproximación al impacto de la cabeza trofeo en su sentido más antropológico, extenso y, desde luego, legendario. Es, asimismo, una crónica histórica y geográfica que analiza el acto de la decapitación como una poderosa materia de ficción en la cultura popular. En este ensayo los acompañarán santas y mártires, cacerías salvajes, guerreros celtas, blemios, figuras como el dullaham irlandés o el famoso jinete de 'Sleepy Hollow', charros negros y fantasmales sacerdotes sin cabeza, así como pretéritos ritos tribales.

Libros: Los tipos iconográficos de la tradición cristiana / 6

Los tipos iconográficos de la tradición cristiana / 6

Los Demonios II. Bestiario, Música endiablada y Exorcismo

Rafael García Mahíques, José Julio García Arranz, Candela Perpiñá García

Encuentro

Madrid

2021

552 págs.
El sexto volumen de la colección «Los tipos iconográficos de la tradición cristiana» es el segundo y último de la colección dedicado a las distintas representaciones del Diablo y los demonios en el arte cristiano.
Este volumen se centra de un modo específico en tres aspectos particulares de la iconografía diabólica. En primer lugar, la representación de demonios con aspecto animal -el bestiario del Diablo-, revisándose los rasgos demoníacos de los diferentes animales incluidos en dicho bestiario. En segundo lugar, lo que se ha denominado como la música endiablada, es decir, la oposición simbólica a la música celestial en cuanto que representación del orden divino y su reflejo en la música terrena. Por último, la representación demoniaca en la práctica religiosa de la expulsión de los demonios, conocida como exorcismo.

Rafael García Mahíques es profesor titular de Historia del Arte de la Universitat de València. Inició su carrera en estudios iconográficos sobre Emblemática, distinguiéndose en la reflexión metodológica, aplicando los principios de la iconología al estudio de este fenómeno cultural del Barroco. En esta línea, cabe destacar entre otros estudios: Empresas Sacras de Núñez de Cepeda (1988); Flora emblemática: aproximación descriptiva del código icónico (tesis doctoral-1991); así como Empresas Morales de Juan de Borja (1998). También es autor de diferentes estudios sobre otros ámbitos de la iconografía, como La Adoración de los Magos. Imagen de la Epifanía en el arte de la Antigüedad (1992). Actualmente es presidente de la Sociedad Española de Emblemática, de la que forman parte prestigiosos profesores universitarios provenientes de la Historia del arte, la Filología y los Estudios clásicos. Entre sus líneas de investigación, cuenta también la asistencia en la Conservación y Restauración del Patrimonio artístico, formando parte del proyecto Recuperación integral de Basílica de la Virgen de los Desamparados de Valencia, llevado a cabo por la Universidad Politécnica de Valencia. Dirige el Grupo de investigación APES. Imagen y Cultura (www.uv.es/apesgrup), que ha desarrollado diferentes proyectos I + D financiados, y centrado actualmente en el proyecto Los tipos iconográficos: descripción diacrónica, financiado por el Ministerio de Educación y Ciencia.

Libros: El románico español

El románico español

Grandeza, misterios, códigos y expolios

José María Sadia
Almuzara

Córdoba
2020
288 págs. 
A mediados del siglo XIX los últimos historiadores románticos y los primeros investigadores modernos iniciaron una fascinante cruzada: descubrir al mundo los tesoros medievales que aún permanecían ocultos en la España más recóndita. Pequeñas ermitas, iglesias enclavadas en la montaña o monasterios situados en paraísos naturales despertaban ante la sociedad de la época, bajo una novedosa denominación que comenzaba a popularizarse en toda Europa: arte románico.
Provistos de un arma, la fotografía, con un poder desconocido hasta la fecha, fueron rescatadas del olvido y la ignorancia algunas de las obras maestras del primer arte internacional: las iglesias del Valle de Bohí, el monasterio de San Juan de la Peña, la ermita de San Baudelio, la minúscula catedral de Roda de Isábena… Pero al mismo tiempo que «resucitaban» monumentos de Cataluña, Aragón o la actual Castilla y León, se avivaba a principios del siglo XX el hambre y la codicia de anticuarios y marchantes de todo el continente, atraídos por la mágica seducción de aquellas instantáneas.
Algunas pinturas fueron arrancadas, cortadas en pedazos y repartidas por diferentes museos de Europa y Estados Unidos. Incluso monasterios completos fueron desmontados, piedra a piedra, y enviados surcando en barcos las aguas del océano Atlántico para hallar una nueva vida en Nueva York, Miami o San Francisco. La desatada «fiebre americana» por el arte español acababa decorando mansiones de acaudalados magnates o llenando los pasillos de algunos de los museos más importantes del mundo.
El autor ha seguido las «huellas» de todas estas maravillas románicas desde aquel lejano siglo XIX hasta nuestros días para componer un atractivo relato que combina sorprendentes historias humanas, el análisis de los mayores expertos en la Edad Media y una pasión innata por descubrir el verdadero significado del arte románico. Un empeño que ayudará al lector a encontrar en estas páginas el «código» para desvelar misterios que todavía hoy siguen siendo un auténtico quebradero de cabeza. ¿Cuál era el mensaje secreto de los frescos de San Baudelio? ¿Qué significaba la imagen del Cristo en majestad de Sant Climent de Tahull para los creyentes de la época? ¿Ha sobrevivido hasta nuestros días el desaparecido claustro de la Catedral Vieja de Salamanca?

José María Sadia (Zamora, 1979) se licenció en Periodismo en la Universidad Pontificia de Salamanca y ha cursado estudios de Historia en la UNED. En la actualidad, es jefe de sección en La Opinión-El Correo de Zamora, y escribe sobre Patrimonio. Ha publicado cientos de artículos sobre el arte románico, las investigaciones y los misterios que lo rodean. Desde 2016, el autor cultiva su pasión por la Historia y la Edad Media en el blog de divulgación «El código románico» (www.josemariasadia.net), espacio que se ha hecho un hueco fijo en el programa de radio «Ser Historia». En 2017 publicó su primer libro, El último claustro (Milenio), en el que aborda los enigmas del caso Palamós.

Libros: Los gatos de Steinlen

Los gatos de Steinlen 

Théophile Alexandre Steinlen

Sans Soleil

Vitoria-Gazteiz

2020

152 págs. 

Sutiles, silenciosos, atrevidos, elegantes… los gatos esconden secretos que muy pocos artistas han logrado desentrañar con la maestría de Steinlen.

Los gatos han inspirado a pintores, escritores e intelectuales de toda época, género y condición, quienes escogieron además preferencialmente su compañía, dedicándoles obras memorables. De entre todos ellos, Théophile Alexandre Steinlen merece un puesto de honor en ese panteón felino, sabiendo captar por igual su nervio, su proverbial pereza y su carismática libertad. Su amor por los gatos fue tal que sus contemporáneos le apodaron popularmente Le père des chats [El padre de los gatos]. El presente volumen rescata todos sus dibujos protagonizados por gatos y publicados entre 1884 y 1887 en la revista del cabaret parisino Le Chat Noir. En esas historias mínimas, los gatos de Steinlen viven -y mueren- mil y una aventuras, reproduciendo con una precisión excepcional sus coreografías imposibles. A quien haya convivido con gatos, seguro se le escapará una sonrisa o una lágrima, reconociendo su inmenso talento.

Théophile Alexandre Steinlen (Lausanne, 1859 – París, 1923) es uno de los nombres clave del Modernismo. Pintor y litógrafo, fue uno de los cartelistas más destacados del París de la Belle Époque, convirtiéndose con el paso del tiempo algunos de sus diseños en auténticos iconos de la cultura popular. Pero su amplísimo legado, aún por redescubrir, abarca un gran abanico de temas y obras, publicadas en su mayoría en las revistas más seguidas de su tiempo. Desde su taller en el barrio bohemio de Montmartre, siempre en contacto con el mundo del cabaret y los grandes personajes de la época (Claude Debussy, Henri de Toulouse-Lautrec o Guy de Maupassant), Steinlen y su obra se caracterizaron por dos razones: un compromiso político inquebrantable, siempre del lado de los más desfavorecidos, y un amor infinito hacia los gatos, protagonistas de cientos de sus dibujos.

Libros: Arte y sociedades secretas

Arte y sociedades secretas 

Péladan y los Salones de la Rosa-Cruz

Pedro Ortega Ventureira

Archivo Voldo

2020

128 págs. 

Surge entonces un movimiento artístico vinculado con las sociedades secretas. Joséphin Péladan, fundador de la Orden de la Rosa Cruz del Temple y del Grial, auspiciará la celebración de una serie de exposiciones anuales de jóvenes artistas afines a su credo esotérico a las que llamó los “Salones de la Rosa+Cruz”.

Pedro Ortega Ventureira (Madrid, 1972) es Ingeniero, Historiador del Arte y Doctor en Estética. Lleva desde 1995 dedicado a la gestión cultural independiente y ha editado revistas, organizado conciertos y festivales, comisariado exposiciones, coordinado cursos y congresos. Actualmente dirige la revista académica Herejía y Belleza y colabora semanalmente en el programa Mistérica Radio Secreta de Radio Círculo.

Libros: Las máscaras de Aby Warburg

Las máscaras de Aby Warburg

David Freedberg

Sans Soleil

Vitoria-Gazteiz

2020

Incluye las fotografías que Aby Warburg tomó durante su viaje y buena parte de su diario personal.

El viaje de Aby Warburg a Nuevo México es un hito en la biografía del historiador alemán y son múltiples los estudios que se han ocupado de analizarlo. Sin embargo, son escasísimos los trabajos que han mostrado una actitud crítica hacia el mismo y el encuentro que Warburg tuvo con los indios pueblo. Los estudios de David Freedberg que aquí se presentan, inéditos en castellano, plantean el viaje de Warburg a Nuevo México como nunca antes se había hecho. Si la historiografía del arte había alabado el acercamiento de Warburg a la antropología, los textos de Freedberg, empleando una expresión de Walter Benjamin, pasan la historia de este viaje "a contrapelo", para ver en ese movimiento lo que los relatos sobre el mismo han silenciado.

David Freedberg (Ciudad del Cabo, 1948) es Pierre Matisse Professor de Historia del Arte de la Columbia University y Director del Italian Academy for Advanced Studies in America. Freedberg es mundialmente conocido por sus trabajos sobre la respuesta psicológica al arte, sus estudios sobre la iconoclasia y la censura, y también por su dedicación al arte flamenco y holandés. Su obra El poder de las imágenes ha sido y sigue siendo una referencia ineludible por su capacidad para aportar nuevos modos de entender la historia del arte. De 2015 a 2017, fue director del Warburg Institute en la Universidad de Londres.

Libros: Treinta y seis vistas del monte Fuji

Treinta y seis vistas del monte Fuji

Katsushika Hokusai

Sans Soleil

Vitoria-Gazteiz

2019

236 págs.

El monte Fuji causó una gran fascinación entre los artistas japoneses, pero tal vez ninguno logró retratarlo de forma tan magistral como Katsushika Hokusai (1760-1849). Este volumen, editado por el profesor David Almazán Tomás, recoge la serie completa de Treinta y seis vistas del monte Fuji, obra que se ha convertido por derecho propio en uno de los hitos de la Historia del Arte universal. En ella recorreremos la geografía y la cultura japonesas a través de grabados inmortales como «El Fuji rojo» o «La gran ola de Kanagawa».

Libros: Un viaje a través del arte

Un viaje a través del arte

Aaron Rosen

Siruela

Madrid

2018

144 págs.

Un viaje a través del arte es un libro único que cuenta cómo ha sido el desarrollo de distintas expresiones del arte en todo el mundo.

Con él viajarás a treinta destinos de los cinco continentes para descubrir asombrosas obras de arte y las culturas que las crearon. 

Trasládate a las cuevas de Nawarla Gabarnmung, en Australia, en el año 35000 a. C.; al templo egipcio de Luxor en 1250 a. C.; a la Roma del año 1; a Angkor Wat, en Camboya, en 1150; a Florencia durante el Renacimiento; a Nueva York en la década de 1950; a Río de Janeiro en la actualidad… ¡y a muchos otros lugares y épocas fascinantes!

Libros: Eso no estaba en mi libro de historia del arte

Eso no estaba en mi libro de historia del arte

Manuel Jesús Roldán

Almuzara

Córdoba

2017

304 págs.

¿Por qué hubo tantos artistas suicidas, desde el Renacimiento al siglo XX? ¿Qué llevó a muchos creadores a autorretratarse de forma obsesiva, anticipándose en siglos al selfie del siglo XXI? ¿Qué redes sociales hubieran empleado los pintores del Barroco si hubieran vivido en nuestros días? ¿Por qué creó rechazo la representación del vello púbico femenino en milenios de historia? ¿Qué provoca el repudio de una obra de arte en un determinado contexto histórico y provoca su triunfo en un periodo posterior? ¿Qué mueve a alguien a atentar contra un cuadro o una escultura? ¿Por qué se silenciaron las facetas escabrosas de muchos creadores, sus tendencias violentas, sus engaños? ¿Qué impidió la representación de la realidad cuando se levantaba la bandera del decoro, ignorándose que Cristo fue crucificado desnudo, o que tuvo una infancia como la de otros niños? ¿Cuándo murió el arte? ¿Con el inodoro de Marcel Duchamp? ¿O con las heces enlatadas de Manzoni? 

La historia del Arte oculta numerosos aspectos, hechos omitidos y detalles silenciados que configuran esta enciclopedia paralela, en la que tienen cabida las mujeres —olvidadas durante siglos—, las enfermedades que sufrieron los creadores, o las mil y una circunstancias que suelen pasar desapercibidas en manuales que siguen manteniendo una concepción decimonónica, académica y parcial, del estudio del arte.