Libros: Aventureros del Nuevo Mundo

Aventureros del Nuevo Mundo

Héroes y villanos que forjaron la América hispánica

Javier de Navascués

Sekotia

Córdoba 

2023

304 págs.

La historia de la América hispánica es tristemente ignorada por la mayor parte de los españoles, incluso por muchos que se consideran –y en buena medida son– gente cultivada. Una de las causas de tal estado de cosas hunde sus raíces en nuestra historia. El proceso de las independencias fue traumático y corrió paralelo al asentamiento del régimen liberal, de modo que los liberales, que fueron los que implantaron la enseñanza universal desde el Estado, no deseaban incluir en los programas un capítulo que no sabían cómo presentar sin un probable desprestigio propio. Si a eso se le suma lo polémico de la cuestión, el terreno quedó abonado para que al final se arrinconara u omitiera en los planes de estudio y, en contrapartida, se generalizaran simplificaciones necesariamente superficiales.

Javier de Navascués, un reputado especialista en literatura hispanoamericana, se marca en este libro un objetivo ambicioso que resuelve brillantemente. Muestra en treinta vidas qué sabemos de Hispanoamérica del siglo XVI al XIX. Él compara su texto con un árbol en el que las ramas se entrecruzan de forma aparentemente desordenada y caprichosa, pero orgánica y frondosa.

La obra consiste en un conjunto de retratos de unos personajes que aparecen vivos, sorprendentemente creativos, atractivos o patéticos, siempre dinámicos y nada vulgares. Los contrastes son una constante en las historias, narradas con una fina ironía que ayuda a comprender y a veces disculpar esas trayectorias. Las fuentes son sólidas: el autor conoce muy bien y de primera mano la literatura, que es una de las principales, y también las obras que han hablado de estos personajes, basadas en archivos. De la calidad de ese fundamento procede la viveza creíble del conjunto de este árbol que nos parece ver crecer y sacudirse con el viento de la historia.

Hay un poco de todo en la nómina: virreyes como Francisco de Toledo, mujeres conquistadoras como María de Estrada o Inés Suárez, literatos como Alonso de Ercilla o el Inca Garcilaso de la Vega, pícaros como Pedro Chamijo, tipos increíbles como Francisco Bernal, llamado “el Cid de los Andes”, pintores como Miguel Cabrera, que retrataron toda la sociedad; científicos como Félix de Azara, o Jorge Juan; hombres y mujeres de armas, como Blas de Lezo y Catalina de Erauso, la monja alférez, y hasta un gobernante luchador contra la corrupción que ha llegado a los altares: Juan de Palafox.

El libro certifica que mucho mejor que discutir sobre superficiales leyendas negras o rosas es conocer lo mejor posible esta historia tan vibrante, variada y apasionante.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (LIII)

La obra de Gustavo Torner, uno de los fundadores del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, es siempre abstracta, , tanto si se desarrolla en el ámbito de la pintura como en el de la escultura. Torner es un artista que ha sabido mantenerse fiel a un lenguaje marcado por la austeridad y el rigor de la geometría. Sus pinturas son el más fiel reflejo de ello, tanto que las composiciones se atienen a esquemas de carácter geométrico, entre los que prevalecen las estructuras cuadradas y rectangulares. Por otra parte, el color es aplicado con un criterio sumamente estricto y, aún cuando existan obras maracadas por los violentos contrastes entre colores oscuros y claros, por lo general opta por soluciones bi- o tricromáticas a lo sumo.  

Los complementario VI (1993). Oro sobre acero, y acero lacado. Colección Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid

Su obra escultórica es quizás menos rígida, a pesar de que también se inscribe en la absoluta abstracción. El repertorio de materiales empleados por Torner es muy amplio, pero sobre todo prevalecen los metales. Existen numerosas piezas monumentales del artista en diversas ciudades españolas y del extranjero. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (LII)

Desde que Miquel Barceló iniciará su trayectoria artística a principios de los años 1980 su obra ha permanecido siempre fiel a su lenguaje figurativo, aún cuando ha habido ciertas etapas en las que el artista restringió mucho los elementos iconográficos, tal y como podía advertirse en la serie dedicada a los agujeros. 

Taula amb polp i calamar (1991). Pintura y materia sobre lienzo. Fundación ENAIRE. Madrid

Taula amb polp i calamar (mesa con pulpo y calamar) pertenece a una serie de pinturas relacionadas con el motivo de la naturaleza muerta. No obstante, se trata de una verdadera revisión de dicho tema, pues los plateamientos efectuados -tanto dese un punto de vista formal como técnico- por el pintor mallorquín son realmente muy innovadores. El estilo pictórico de este artista no deja de sorprender ya que determinados aspectos de su obra están muy relacionados con la tradición; en Barceló convergen no sólo Tàpies, sino también Velázquez y Goya. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (LI)

Aunque los inicios de Luis Gordillo se remontan a su etapa informalista, hay que tener en cuenta que el artista abandonó muy pronto esa línea de trabajo para sumergirse en una interpretación personal interpretación de la posibilidad de conjugar abstracción y lenguaje figurativo. 

Mostrando especial interés por la obra de Bacon, Hockney y Kitaj, así como por el pop art en general, Gordillo evolucionó hacia unas soluciones en las que, desde el punto de vista técnico, empleó las tintas plásticas y los sistemas basados en la serigrafía y en la fotoimpresión de la tela.

La nieve negra (1987). Acrílico. Colección particular, Madrid

La pintura de Gordillo se caracteriza por el reiterado empleo de gamas cromáticas frías que, sin embargo, contrastan con la expresividad de sus imágenes. Este artista trabajaba en Madrid y su obra desencadenó un auténtico interés por parte de los más jóvenes, llegándose a hablar de del "gordillismo" para aludir al lenguaje creado por él.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (L)

Eduardo Arroyo (1937-2018) se marchó a vivir a París en 1958 y no retornó a España hasta 1986. En su obra se ha detectado siempre un fuerte sentido crítico que, en la etapa franquista, tuvo un carácter muy específico dirigido contra el régimen. En ciertos aspectos u obra se encauza en una vertiente similar a la que planteó el Equipo Crónica. Desde un punto de vista formal y técnico Arroyo también ha recibido la influencia de la estética pop estadounidense, en tanto que sus pinturas son figurativas, las imágenes aparece bien delimitadas y los colores on puros e impactantes. 

Madrid-París-Madrid (1984). Óleo sobre lienzo. Museo Municipal de Arte Contemporáneo, Madrid

De todos modos, es importante destacar la formación periodística de Eduardo Arroyo, que tiene una clara incidencia en su manera de abordar determinadas temáticas. El modo incisivo y, en ocasiones, despiadado, de plantear un tema es una de las características de su obra. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XLIX)

Jesús Rafael Soto (1923-2005), venezolano trabajó durante años en París, relacionándose con los principales artistas del movimiento cinético. Muy interesado por la música dodecafónica, inició sus pinturas abstracto-geométricas, llevando a cabo combinaciones cromáticas, influido por la escala de doce notas. Poco después, a mediados de los años cincuenta se introducirá de pleno en la investigación de arte óptico cinético, realizando pinturas y piezas de carácter tridimensional, inventó ls "penetrables", estructuras colgantes hechas con hilos de nylon que permitía pasar entre ellas y obtener sensaciones táctiles y auditivas, además de espaciales muy curiosas.

Extensión amarilla y blanca (1979). Contrachapado de madera, alambre de hierro y pintura. Ensamblaje. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Extensión amarilla y blanca es una instalación creada a base de varillas metálicas pintadas que, dependiendo de las perspectiva que adopte el espectador, adquiere un aspecto u otro. Cuando se observa desde arriba, el color blanco de la parte inferior de las varillas se pierde y sólo se ve un campo intensamente amarillo que proporciona una agradable sensación de calidez. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XLVIII)

Botero es un pintor y escultor colombiano cuya obra se distingue por su aspecto monumental. Sus figuras humanas y de animales adquieren una grandiosidad sin precedentes que las convierte en seres un tanto caricaturescos, dotados de una ironía bastante manifiesta. A los veinte años Botero viajó a Europa. Estuvo en Barcelona, interesándose por el modernismo catalán, después se marcho a Madrid, donde visitó frecuentemente el Museo del Prado y donde pudo admirar la obra de Velázquez y Goya. Más tarde iría a París, donde visitaría el Louvre. Un año más tarde, en 1953 viajó a Italia y, en Florencia, se dedicó al estudio del Renacimiento y a trabajar la técnica del fresco. 

El baño (1978). Óleo sobre lienzo. 

Las temáticas que aborda son muy tradicionales, aunque los enfoque son totalmente personales. A veces se observan ciertas referencias al rte del pasado en sus naturalezas muertas, en sus retratos colectivos, en sus figuras y en sus desnudos. El color siempre lo utiliza para enfatizar determinados aspectos de sus pinturas. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XLVII)

Andreu Alfaro formó parte en los años 1960 del Grupo Parpallo en Valencia. Sus primeras esculturas se caracterizaron por recurrir a un lenguaje próximo al constructivismo, pero más tarde evolucionó hacia una concepción espacial ligada al cinetismo. En Obra etérea se advierte como las varillas metálicas -elemento característico de la obra de este artista- se distribuyen creando una configuración que proporciona una clara sensación de expansión y dinamismo. El espacio vacío desempeña un papael fundamental en la escultura, integrando la obra en un entorno arquitectónico definido. 

Obra etérea (1977). Rosaleda del parque Cervantes, Barcelona, España

La austeridad de las piezas de Andreu Alfaro es también uno de los factores más significativos de sus creaciones. Fue en la década de los años 1970 cuando el artista valenciano llevó a cabo numerosas realizaciones de carácter monumental en diferentes lugares de España, sobre todo en parques y autopistas. Aunque la obra se ha desarrollado preferentemente en metal, existen numerosas piezas -más modernas- realizadas en otros materiales, como piedra calcárea y mármol. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XLV)

Las grandes piezas de Chillida destinadas, como en el caso de Peine del viento, a espacios abiertos, permiten comprender la forma en que el escultor vasco sabe integrar la obra de arte en la naturaleza. La perfecta conjugación de las formas de hierro oxidado con los acantilados, así como el contraste entre el color del metal y el mar son algunos de los aspectos más interesantes a tener en cuenta ante este tipo de propuestas. La escultura de Chillida ha permanecido siempre fiel al lenguaje abstracto.

Peine del viento XV (1972-1977). Acero macizo. Acantilados de San Sebastián, Guipúzcoa, España

Dependiendo del material que utilice, el resultado formal tenderá en mayor o menor medida a plantearse como un todo macizo o bien como un espacio que integra el vacío. El amplio repertorio de materiales empleados por Eduardo Chillida va desde hierro y el cemento hasta la terracota, la madera, la piedra y el alabastro. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XLIV)

Obra clasificable como cinética, dentro del ámbito del llamado op-art (arte óptico) que se distingue, sobre todo, por crear la ilusión de movimiento. El artista argentino Julio Le Parc (1928) recurre en este caso al denominado efecto moaré, estableciendo una serie de rayas finas paralelas en rojo y beige como fondo del cuadro. Al situar encima una gruesa plancha de de plexiglás (o metacrilato) horadada en el centro con una forma ovalada, permite que, al desplazarse el espectador ante la pintura, obtenga la sensación de dinamismo.

Cercle en contorsions sur trame rouge (1969). Acero, aluminio y motores a 220v en caja metálica esmaltada con fondo de papel estampado. Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

Le Parc es uno de los grandes representantes del cinetismo en París y, además, a principio de los años 1960 formó parte del grupo de artistas G.R.A.V. (Groupe de Recherche d'Art Visuel). Este grupo realizó todo tipo de experiencias en el seno del arte cinético, desde obras individuales hasta verdaderos happenings (oda experiencia que parte de la ecuación provocación-participación-improvisación), en los que un determinado público participaba llevando a cabo las propuestas de los artistas. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XLIII)

La maculatura es una técnica inventada por Joan Josep Tharrats (1918-2001) en 1954 que se basa en la utilización de la mancha (macula en latín) para crear obras pictóricas abstracto-informales. Tras su etapa en Dau al Set, Tharrats se dedicó a a investigar las múltiples posibilidades inherentes a esa novedosa técnica desarrollada por él, gracias a la cual fue capaz de realizar un amplio repertorio de pinturas, en las que extrañas y caprichosas configuraciones se distribuían sobre el soporte dando lugar a imágenes cambiantes dotadas por lo general de una extensa gama cromática.

Maculatura 2 (1955). Técnica mixta, pintura industrial e incisiones sobre cartulina. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Tharrats ha desarrollado, además de la pintura, múltiples actividades artísticas, como escultura, cerámica, decorados teatrales y diseño de joyas. Ha escrito también numerosos textos, tanto libros y artículos, como relatos de carácter autobiográfico. No hay que olvidar el papel decisivo que tuvo en el grupo Dau al Set, pues llevó a cabo personalmente la impresión de algunos de los números de la famosa revista. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XL)

Después de haberse dedicado a trabajar en el ámbito de la escultura, Lucio Fontana, artista de ascendencia italiana nacido en Argentina, comenzó en 1948  a pintar en el seno del espacialismo. A partir de ese momento todas sus pinturas se denominarán de manera genérica "concepto espacial", con la finalidad de subrayar el profundo interés que tiene el artista por la investigación del espacio en la pintura.

Concepto espacial fin de Dios (1963). Técnica mixta sobre lienzo. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Con objeto de incorporar de manera real la tercera dimensión, Fontana recurre a perforar sus telas , ya sea haciendo tajos o bien orificios, que se distribuyen por la superficie de los cuadros, previamente pintados monocromáticamente. En ocasiones, Fontana trabajó con formatos extraños y asimétricos, como en la serie Quanta, en cambio, en la serie Fin de Dios, recurrió al formato ovalado que simbólicamente remite al origen. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XL)

Manuel Millares, artista canario afincado en Madrid hasta la fecha de su muerte en 1972, fue uno de los fundadores del grupo El Paso en 1957. Su obra, en el seno del informalismo, se caracteriza por un acusado sentimiento de de dramatismo que proviene de la manera de trabajar la materia. Millares utilizaba telas de saco recosidas, con objeto de lograr abultamientos y relieves, que, a su vez, se hallaban embebidas en color -negro, gris y blanco-, y en determinadas zonas presentaban manchas rojas o anaranjadas. 

Cuadro 173 (1962). Técnica mixta. sobre arpillera. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

La intensidad del lenguaje de Millares deriva tanto de la propia técnica empleada como de los contrastes cromáticos. Además, en sus pinturas se detectan signos que, a modos de extraños graffiti, aparecen en las zonas de relieves más salientes y contribuyen a potenciar el contraste entre el efecto de lleno y vacío que se perciben en las telas. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XXXIX)

Albert Ràfols Casamada tuvo un período inicial figurativo, pero a finales de los años 1950 eliminó toda referencia a la realidad circundante para trabajar recurriendo a un lenguaje abstracto-informal, en el que lo esencial sería el color. La gran capacidad del artista para crear sugerentes y atractivos campos cromáticos en tonos azules, rosados, malvas, ocres o amarillos es uno de los factores más interesantes a destacar de su pintura. 

Composición (1960). Óleo sobre tela. Mueso Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 

Por otra parte Ràfols no deja de incluir en su composiciones zonas de pinceladas gestuales, cuya función es dinamizar y equilibrar las pinturas. La enorme sensibilidad que irradian sus telas es similar a la que pueden hallarse en su obra literaria, en especial, en sus poesías. Estas dos vertienetes artísticas se han fundido en la elaboración de una abstracción poética pictórica fruto de una pensada gestación, cercana a elementos de la vida cotidiana. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XXXVII)

Jorge de Oteiza es uno de los grandes escultores vascos, cuya obra se desarrolla tanto en el terreno teórico como en el práctico. Así, ha ejercido una gran influencia en artistas más jóvenes que, aunque se hayan apartado de su línea de experimentación, han aprendido a ser consecuentes con su teoría espacial. Oteiza elaboró su Propósito Experimental entre 1956 y 1957, sentando las bases de una nueva escultura, aquella en la que se citan elementos vascos de carácter primitivo junto con una ansia por llegar a configurar la unidad del ser humano con la naturaleza y la del arte con la religión. 

Caja vacía (1958). Hierro. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España

La escultura de Oteiza se basa en un proceso reduccionista que le conduce a crear las llamadas "desocupaciones espaciales" en hierro que constituyen el punto de partida de sus Cajas metafísicas. Oteiza no sólo trabaja en piezas de pequeño formato, sino que también se ha realizado numerosas esculturas de tipo monumental. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XXXVI)

La trayectoria pictórica de Rafael Zabaleta pasó por diversas etapas hasta que en torno a 1945 se afianzó en un personal estilo que, por una parte, estaba marcado por un fuerte esquematismo y, por otra parte, por el empleo de un colorido extraordinariamente atrevido. Sus rojos, amarillos, azules y verdes son siempre muy vivos y brillantes. La peculiar manera de Zabaleta de representar tipos populares -tal y como puede observarse en Viejo campesino-, podría incluso llegar a entenderse como una aproximación al surrealismo, en tanto que la escena va más allá de la mera realidad.

Viejo campesino (1957). Óleo sobre lienzo. Colección particular, Tamarite, Huesca

La expresividad del personaje está lograda tanto por la intensidad de su mirada como por la posición de de sus manos. Uno de los factores que contribuyen a enfatizar cada uno de los elementos plasmados en el hecho de que el artista recurra a dibujar líneas gruesas de contorno que delimitan claramente las formas, dotándolas, al mismo tiempo, de gran vigor. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XXXV)

Ésta es una las primeras pinturas informalistas de Antoni Tàpies. El carácter materico de la obra queda claramente expresado gracias al empleo de la técnica mixta. Según Tàpies usa esta técnica que consiste en mezclar polvo de mármol triturado con el aglutinante y los pigmentos. Dicha mezcla se deposita sobre el soporte de tela, una vez la ha pintado monocromáticamente. Después el artista procede a trabajar la materia mediante la técnica del grattage, realizando distintos tipos de arrancamientos, con objeto de proporcionar relieve a la superficie

Blan amb taques roges (1954).Técnica mixta sobre tela. Colección María Luisa Lacambra, Barcelona, España

En una última fase Tàpies deja gotear la pintura sobre determinadas zonas y procede a incorporar una serie de signos, tales como las cruces en forma de aspa o en forma de "T". La gama cromática elegida no es amplia, pero si contrastada y, sobre todo, revela la tan característica austeridad inherente al conjunto de la pintura de Tàpies. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XXXIV)

La valoración de la escultura de Ángel Ferrant se ha consolidado en los últimos tiempos gracias a las investigaciones que se han llevado a cabo en torno a su obra. Asimismo, el hecho de que se le hayan dedicado diversas exposiciones antológicas que han permitido entender su aportación a al arte español contemporáneo desde una perspectiva global. Ferrant trabajó en la década de 1930 en el seno de una estética muy afín a la del objeto de funcionamiento simbólico surrealista. Sus realizaciones de aquellos años se basaban en recurrir a la técnica del assemblage para configurar extrañas y asombrosaspiezas, en las que los materiales protagonistas eran objetos encontrados, como piedras, maderas, cuerdas, etc.

Móvil estático cambiante (1953). Madera de abedul, chapa de hierro y pintura. Talla, forja y soldadura. 
Museo Nacional de Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, España

Más tarde,  la obra de Ferrant evolucionó hacia un tipo de propuestas más complejas, tal y como puede advertirse en Móvil estático  cambiante, en el que una suma de materiales heterogéneos, así como un tratamiento específico del espacio, en el que valora tanto lo lleno como lo vacío, constituye la principal característica. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XXXIII)

Pintura característica del período Dau al Set de Joan Ponç, colectivo que podría calificarse como símbolo de modernidad y desafío en el contexto de la posguerra, en la que una iconografía de carácter fantástico surreal tiene la capacidad de transportar al espectador a una atmósfera onírica. Todos los personajes parecen monstruos, aunque no por ello infundan miedo o proporciones sensaciones desagradables, ya que, por sus actitudes, más bien se diría que están enfocados irónicamente. En muchas de las pinturas de Ponç de esta época pueden detectarse arquitecturas que, por sus extrañas configuraciones, remiten a la obra de Gaudí, por quien el artista sentía una gran admiración. 

Visió de la terra de Yatra (1948). Óleo sobre tela. Colección Galería René Metras, Barcelona, España

Por otra parte, se observan todo una serie de elementos como las flores y plantas, o las medias lunas, que presentan conexiones claras con Klee y Miró. Por lo general todas estas realizaciones "dualsetianas" están llevadas a cabo empleando una gama cromática amplia y plena de contrastes.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XXXII)

Oswaldo Guayasamín, artista nacido en Quito de padre indio y madre mestiza que, desde muy joven, se interesó por la pintura, estudiando en la Escuela de Bellas Artes de su ciudad natal. En 1932, cuando estudiaba en la citada escuela, tuvo lugar la llamada "guerra de los cuatro días", que fue un levantamiento obrero de carácter muy violento. En esta guerra murió un amigo de Guayasamín y este hecho le marcó profundamente para el resto de su vida. 

Cansancio Huacayñan. Tema indio (1948). Óleo sobre tela. Colección C. C. Ecuatoriana, Quito, Ecuador

El enfoque trágico que presenta su obra pictórica tiene mucho que ver con su concepción negativa del mundo. Las deformaciones a las que somete a sus personajes, así como el empleo reiterado de una gama cromática basada preferentemente en tonos neutros hace que su obra, en general, posea un acento de profunda tristeza. Muchos de los temas desarrollados por Guayasamín tiene que ver con las personas humildes y, además, gran parte de sus personajes son indios nativos.