Apolo de Belvedere, Ciudad del Vaticano

La obra de la imagen es el célebre Apolo de Belvedere (también conocido como Apolo Pitio). Es una obra maestra de la escultura clásica, datada en el siglo II d. C. Se trata de una copia romana en mármol de un original en bronce griego (fechado hacia el 330-320 a. C.) atribuido tradicionalmente al escultor Leócares.

Esta icónica escultura se exhibe en una posición de honor en el Patio del Belvedere (específicamente en el Cortile Ottagono), integrado dentro del complejo de los Museos Vaticanos en la Ciudad del Vaticano. Durante siglos fue considerada por los neoclásicos como el ideal supremo de la belleza masculina y la perfección artística occidental.

Características artísticas y simbología

- El Dios de las artes: Representa al dios griego Apolo en un momento de gran dinamismo y elegancia. Acaba de disparar una flecha con su arco (el cual sostenía en su mano izquierda extendida, hoy perdido) contra la monstruosa serpiente Pitón que asolaba Delfos.

- Composición y movimiento: Destaca por su impecable postura en contrapposto, donde el peso del cuerpo descansa sobre la pierna derecha mientras la izquierda se flexiona sutilmente hacia atrás. Su manto real (clámide) cae con pliegues perfectos desde su hombro derecho, envolviendo el brazo izquierdo para equilibrar la composición espacial.

- Detalles anatómicos: Su rostro imperturbable muestra una expresión de serenidad divina y orgullo triunfal. El cabello está minuciosamente esculpido en rizos altos recogidos en un elaborado nudo superior (crobylos) que recuerda a una corona.

- El soporte del árbol: Al pasar la obra del bronce original al mármol (un material mucho más pesado y propenso a fracturarse), los artesanos romanos incorporaron un tronco de árbol cubierto por una serpiente ascendente junto a su pierna derecha para transferir el peso y asegurar la estabilidad de la estatua.

Escriba de Saqqara, Museo Egipcio, El Cairo, Egipto,

Esta vitrina reúne una impresionante colección de estatuas de escribas sentados, una de las figuras administrativas y culturales más respetadas del Antiguo Egipto. La pieza central y más destacada es el célebre Escriba de Saqqara con peluca partida, labrado en piedra caliza pintada durante la V Dinastía del Imperio Antiguo (hacia el 2400 a. C.). Estas obras maestras se encuentran expuestas en la planta baja del histórico Museo Egipcio de El Cairo, sirviendo como testimonio del alto estatus social del que gozaban las personas alfabetizadas en la corte faraónica.

Detalles de las esculturas expuestas:

- El escriba central (piedra caliza policromada): Presenta una anatomía típicamente realista y natural, alejada de la idealización real. El personaje se muestra con las piernas cruzadas, un vientre ligeramente prominente que denota su vida acomodada, y viste un faldellín blanco estirado sobre sus rodillas que actúa como soporte para sostener un rollo de papiro (hoy perdido). 

Su peinado es muy singular: una peluca de hilos cortos partida a la mitad que enmarca su rostro. Sus ojos conservan el delineado oscuro y la vivacidad característica de los maestros artesanos de Saqqara.

- Los escribas laterales (granito y esquisto oscuro): Flanqueando la pieza central se aprecian otros dos escribas tallados en rocas oscuras de alta dureza (como el granito gris). Estas estatuas adoptan la misma postura clásica de concentración, con los ojos dirigidos al frente, listos para registrar censos, impuestos o textos sagrados bajo las órdenes del faraón.

- El rol del escriba en el Imperio Antiguo: Saber leer y escribir jeroglíficos era un privilegio sumamente escaso reservado para una élite administrativa muy selecta. Los escribas eran considerados los motores de la maquinaria del Estado, responsables de la economía, la justicia y la inmortalidad de los textos rituales. Estas estatuas se depositaban en las mastabas funerarias con fines mágicos: permitir que el difunto continuara ejerciendo su prestigioso oficio intelectual y administrativo en el más allá por toda la eternidad.

Estatuas sedentes del príncipe Rahotep y su esposa Nofret, Museo Egipcio, El Cairo, Egipto,

La obra de la imagen es el célebre conjunto de las Estatuas sedentes del príncipe Rahotep y su esposa Nofret. Data de comienzos de la IV Dinastía del Imperio Antiguo (hacia el 2575 a. C.) y representa uno de los mayores emblemas de la estatuaria civil policromada de toda la historia del arte universal. Estas dos magníficas esculturas de bulto redondo se exhiben en la planta baja del Museo Egipcio de El Cairo.

Descubrimiento y estado de conservación:

Las estatuas fueron descubiertas en 1871 por Auguste Mariette en la necrópolis de Meidum, ocultas en el interior de una mastaba (tumba). Al abrir la cámara sellada y oscura, los obreros de la excavación huyeron aterrorizados porque la luz de las antorchas se reflejó en los ojos realistas de las figuras, haciéndoles creer que se trataba de personas vivas. Debido a este aislamiento hermético, la pintura sobre el estuco y la piedra caliza se ha conservado casi intacta durante más de 4500 años.

Características de los personajes:

- El príncipe Rahotep: Probablemente hijo del faraón Snefru (y hermano de Keops), ostentaba cargos de altísimo nivel como Sumo Sacerdote de Heliópolis y general del ejército. Fiel al canon de belleza masculino de la época, su piel está pintada de un tono marrón rojizo que denota su trabajo activo al aire libre. Viste un faldellín blanco corto, luce un bigote muy inusual en el arte egipcio y un colgante con un amuleto en el cuello.

- La dama Nofret: Su nombre significa "La Bella". Al ser una mujer noble que pasaba el tiempo resguardada en palacio, su piel está representada con un tono amarillo pálido o beige. Viste un ceñido vestido blanco de tirantes, oculto bajo una fina capa o manto. Destaca su voluminosa peluca sujeta por una diadema con motivos florales, de la cual asoma por debajo su propio cabello natural en la frente, y un espectacular collar usej de múltiples hileras de colores.

- La mirada hipnótica: Al igual que otras obras maestras del Imperio Antiguo, el realismo de sus rostros se concentra en los ojos incrustados. El contorno de los párpados está perfilado con cobre, la esclerótica es de calcita blanca (alabrastro) y la pupila está tallada en cristal de roca pulido, lo que dota a las dos figuras de una profundidad y un brillo humano sobrecogedores. Los textos en jeroglífico situados en los respaldos de los asientos detallan los nombres y los títulos oficiales de cada uno para asegurar su identidad en el más allá.

Cristo crucificado en Toledo

Esta impresionante escultura de un 

Cristo crucificado tallado en piedra se encuentra en una de las esquinas del Hotel Boutique Casón de los López, en el casco histórico de Toledo, España. 

Se ubica específicamente en la intersección de la Calle Sillería (número 3) con la Calle de las Cadenas.

Melilla: Museo Casa del Reloj - Figuraciones

Budha, Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Los tres magos de Oriente, Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Zodíaco chino, Metropolitan Museum of Art, Nueva York

Melilla: Exposiciones

Libros: Oro y estiércol

Oro y estiércol

Fragmentos de escritura forestal

Perejaume

Traducción de Laia Colell Aparicio

Siruela

Madrid

2025

160 págs. 

Epílogo de Victoria Cirlot

Oro y estiércol reúne una selección de textos —traducidos por primera vez al castellano— en torno a la retablística, el barroco y la forestalidad. El autor no cree posible el culto a una imagen tallada en madera sin venerar al árbol que la encarna. Y es así como nace este libro de escritura arbórea en que la palabra y la madera se suplantan constantemente. El nacimiento sucede en el intersticio que implica todo encuentro, el del sujeto y el árbol, el del sujeto y el retablo recubierto con el oro que vistió la madera y que nos alerta acerca de su encarnación.

No es este un estudio sobre retablística. Es un ejercicio de escritura en el que, del mismo modo que la madera encarna la imagen, la palabra encarna al bosque que está «detrás» del retablo. El autor dice que el libro gira fértil y exhausto a la vez sobre estas dos certezas y es que, en efecto, la exuberancia y la extremosidad de la palabra lo caracterizan. Pero se trata de palabras «rumiadas», como quería san Bernardo que sucediera en la meditación. Nos encontramos ante un ensayo —en el sentido etimológico de «acto de sopesar»— en el que se mide el valor de la palabra: no es un retablo, no es un bosque, sino un libro, aunque estas tres realidades se encuentran en una relación de perfecta equivalencia. El lector paseará entre los árboles de un bosque, entre las molduras doradas de los retablos y entre las palabras que dan nueva vida a bosques y retablos.

Perejaume (Sant Pol de Mar, 1957) es un artista y escritor de culto, muy a su pesar. Sus obras y libros han creado un cuerpo de imágenes e ideas que, una vez superada su apariencia anacrónica, constituyen una enmienda a nuestras formas de vida globalizadas. Su adhesión al localismo no tiene un trasfondo folklórico, sino radical. En sus obras y textos solo existen los lugares que se pueden alcanzar a pie, caminando. Cuando el sistema del arte parece exigir un internacionalismo acrítico, Perejaume transita este mundo desde una perspectiva ligada a la materialidad histórica y ancestral del campo. Una descripción injusta sería considerarlo un poeta, acepción que se le adjudica por su capacidad de adueñarse del lenguaje, que a menudo pone patas arriba con el concurso de una ironía deslumbrante. Mejor sería considerarlo un agricultor que en algún momento fue artista.

Melilla: Exposición Permanente Galerías del Palacio

Catedral de Nuestra Señora de la Asunción (Santander)

Clave de la colegiata con posible retrat De San Fernando, siglo XIII-XIV 

Virgen coronada, Parador, Lerma, Burgos,

Virgen coronada, siglo XIV. Madera policromada

San Jorge y el dragón, Parador, Lerma, (Burgos)

Sugerencias de libros infantiles y juveniles (verano 2024) (I)

Porque también los más jóvenes pueden ser amantes de la buena literatura, ofrecemos una selección de títulos para disfrutar de la lectura este verano. Junto a obras recientes, incluimos algunos clásicos que quizás los chicos y las chicas de hoy no conozcan.

Cuadrado, Círculo

Jon Klassen y Mac Barnett

Nubeocho

Madrid 

2023

40 y 48 págs. 

+ 3 años

Álbumes que, junto con Triángulo, componen una interesante trilogía. En el primero se indica que la ocupación de Cuadrado es esculpir nuevos cuadrados; y que su amigo Círculo, que admira su arte, le pide que haga una escultura que sea como él. En el segundo Triángulo propone un juego del escondite a sus compañeros y desaparece, Cuadrado y Círculo se internan en una cueva para buscarlo, y, en la oscuridad, creen dar con él. Las ilustraciones minimalistas son

excelentes. Su atractivo está en la expresividad de los ojos y en la composición de las escenas con mucho espacio en blanco. Los argumentos son inteligentes, están contados con frases y diálogos escuetos, y plantean bien cuestiones relativas a cómo es el trabajo de un artista.

Jon Klassen y Mac Barnett son los dos creadores de libros infantiles con más talento de la actualidad, juntos en estos sorprendentemente sencillos y divertidos álbumes ilustrados que invita a la reflexión.

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (LIII)

La obra de Gustavo Torner, uno de los fundadores del Museo de Arte Abstracto de Cuenca, es siempre abstracta, , tanto si se desarrolla en el ámbito de la pintura como en el de la escultura. Torner es un artista que ha sabido mantenerse fiel a un lenguaje marcado por la austeridad y el rigor de la geometría. Sus pinturas son el más fiel reflejo de ello, tanto que las composiciones se atienen a esquemas de carácter geométrico, entre los que prevalecen las estructuras cuadradas y rectangulares. Por otra parte, el color es aplicado con un criterio sumamente estricto y, aún cuando existan obras maracadas por los violentos contrastes entre colores oscuros y claros, por lo general opta por soluciones bi- o tricromáticas a lo sumo.  

Los complementario VI (1993). Oro sobre acero, y acero lacado. Colección Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid

Su obra escultórica es quizás menos rígida, a pesar de que también se inscribe en la absoluta abstracción. El repertorio de materiales empleados por Torner es muy amplio, pero sobre todo prevalecen los metales. Existen numerosas piezas monumentales del artista en diversas ciudades españolas y del extranjero. 

Arte: Hipólito Scalza

Hipólito Scalza (1532-1617), provenía de una familia activa en el ámbito artístico; sus dos hermanos también fueron arquitectos, escultores y mosaiquistas,

La Piedad (1570-1579). Mármol. Catedral de Santa María Asunta, Orvieto, Italia

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XLIX)

Jesús Rafael Soto (1923-2005), venezolano trabajó durante años en París, relacionándose con los principales artistas del movimiento cinético. Muy interesado por la música dodecafónica, inició sus pinturas abstracto-geométricas, llevando a cabo combinaciones cromáticas, influido por la escala de doce notas. Poco después, a mediados de los años cincuenta se introducirá de pleno en la investigación de arte óptico cinético, realizando pinturas y piezas de carácter tridimensional, inventó ls "penetrables", estructuras colgantes hechas con hilos de nylon que permitía pasar entre ellas y obtener sensaciones táctiles y auditivas, además de espaciales muy curiosas.

Extensión amarilla y blanca (1979). Contrachapado de madera, alambre de hierro y pintura. Ensamblaje. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid

Extensión amarilla y blanca es una instalación creada a base de varillas metálicas pintadas que, dependiendo de las perspectiva que adopte el espectador, adquiere un aspecto u otro. Cuando se observa desde arriba, el color blanco de la parte inferior de las varillas se pierde y sólo se ve un campo intensamente amarillo que proporciona una agradable sensación de calidez. 

Arte en España e Hispanoamérica en el siglo XX (XLVII)

Andreu Alfaro formó parte en los años 1960 del Grupo Parpallo en Valencia. Sus primeras esculturas se caracterizaron por recurrir a un lenguaje próximo al constructivismo, pero más tarde evolucionó hacia una concepción espacial ligada al cinetismo. En Obra etérea se advierte como las varillas metálicas -elemento característico de la obra de este artista- se distribuyen creando una configuración que proporciona una clara sensación de expansión y dinamismo. El espacio vacío desempeña un papael fundamental en la escultura, integrando la obra en un entorno arquitectónico definido. 

Obra etérea (1977). Rosaleda del parque Cervantes, Barcelona, España

La austeridad de las piezas de Andreu Alfaro es también uno de los factores más significativos de sus creaciones. Fue en la década de los años 1970 cuando el artista valenciano llevó a cabo numerosas realizaciones de carácter monumental en diferentes lugares de España, sobre todo en parques y autopistas. Aunque la obra se ha desarrollado preferentemente en metal, existen numerosas piezas -más modernas- realizadas en otros materiales, como piedra calcárea y mármol. 

Los extraños cuerpos del escultor Antony Gormley se apoderan del Museo Rodin

Con sus espectaculares obras, el artista británico no deja de explorar la naturaleza humana. En la exposición “Critical Mass”, que se inaugura en París, en el Museo Rodin desde el 17 de octubre de 2023, nos muestra un espejo en el que se muestran sus inquietantes dobles metálicos.

Vista de la instalación “Still Moving” de Antony Gormley, en el Long Museum de Shanghai, en 2017

"La escultura es radical: va a cualquier parte, a la playa, a la montaña, y cambia el mundo dondequiera que se coloque." A sus 73 años, el británico Antony Gormley todavía parece asombrado por el potencial de su arte. Con cerca de sesenta esculturas y doscientos cuadernos, estudios o dibujos, se hizo cargo del museo Rodin de París, que, por primera vez, invitó a un artista contemporáneo a hacerse cargo de todo el recinto. Es necesario dar la bienvenida a Sir Antony Gormley, cuyo trabajo continúa explorando la forma humana.