Curiosidades históricas: ¿Quién fue Josefina Tascher de la Pagerie?

Pues nada menos que la emperatriz Josefina, primera esposa de Napoleón Bonaparte. 
Hija de un oficial de la Armada francesa, nació en La Martínica en 1763 y se instaló en París en 1779. Tras enviudar del vizconde Alexander de Beauharnais, contrajo matrimonio con Napoleón en 1796. 
Este nunca prestó atención a los rumores sobre la conducta disipada de su esposa y sólo la imposibilidad de que ésta le diera un heredero le llevó, en 1809, a disolver el matrimonio. Josefina generosamente recompensada se retiró a la Malmaison, donde murió en 1814, cuando los españoles ya había corrido a gorrazos a los ejércitos de su ex marido. 

Por parte de su hija Hortensia, fue abuela de Napoleón III y por la de su hijo, bisabuela de los más recientes reyes y reinas de Dinamarca y Suecia. Las familias reales de Bélgica, Grecia, Luxemburgo y Noruega también descienden de Josefina.

Libros: Las aventuras de la inteligencia

Las aventuras de la inteligencia

Viaje sentimental y espiritual por Francia e Inglaterra

Antonio Rubio Plo

PPC

Madrid 

2023

352 págs.

Viajes internos y externos de un buen ramillete de figuras destacadas. 

¿Por qué viajamos? ¿Solo para aplacar nuestro tedio? ¿O quizá buscamos una nueva perspectiva de las cosas, una mirada más profunda sobre el mundo? En esta obra acompañaremos a un ramillete de personajes interesantes en sus viajes intelectuales y espirituales por Francia e Inglaterra: Vicente Blasco Ibáñez, Marc Chagall, Graham Green, Alexis de Tocqueville, Antonio Machado, Francisco de Goya, François Mauriac, Antoine de Saint-Exupéry, Manuel de Falla, Manuel García Morente, Victor Hugo, Eugène Ionesco, Marie Noël, Raïssa Maritain, Irène Némirovsky, Marcel Proust, Guillermo Rovirosa, Miguel de Unamuno, Simone Weil, Charles Dickens, Gilbert Keith Chesterton, John Henry Newman y Robert Hugh Benson.

Antonio Rubio Plo es escritor y columnista. Analista de política internacional, es doctor en Derecho y Relaciones Internacionales, y licenciado en Geografía e Historia. Profesor de Ciencia Política y de Geografía e Historia, es autor de varios libros: Vidas romanas. Treinta y tres personajes de la Roma eterna; Cincuenta santos para llevar en el bolsillo y Solidarios. La vida más allá de uno mismo.

Arte: Los saltimbanquis

Paul Gustave Doré (1832-1883) fue un artista francés, pintor, escultor e ilustrador, faceta esta última que le dio fama internacional. Es considerado en su país el último de los grandes ilustradores e internacionalmente uno de los más famosos ilustradores del siglo XIX.​

 Los saltinbanquis (1874). Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Roger Quilliot, Clermont-Ferrand

Al parecer, una tragedia le acaba de ocurrir a esta familia de saltimbanquis. Una madre sujeta a su hijo pequeño que parece que ha recibido una herida bastante grave en su cabeza.

No sabemos exactamente lo que ha pasado, pero la familia está destrozada. La madre llora, el padre la mira, intentando en vano buscar un consuelo… Al fondo los compañeros del circo miran la escena con pesar. No pinta bien. Asumimos que el aparato del fondo es un artilugio de equilibrismo y que el niño acaba de caer al realizar un número peligroso.

Rodean a esta desgraciada familia (una Sagrada Familia circense…?) un grupo de dos perros y un búho con cadenas en su pata. Arriesgándonos a darle una simbología tradicional a esto, podemos deducir que Doré representa al búho como símbolo de la sabiduría y a los perros como símbolo de fidelidad. Las cartas del suelo quizás nos hablen de los malos presagios que se han cumplido.

Arte: Los comedores de requesón

Esta es una de las pinturas favoritas del museo. Pero los visitantes, ocupados en fijarse en lo mal que se "sientan" estos comensales frente a lo que ahora se llama mesa alta -un nombre horrible-, ¿siempre se fijan en lo que los cuatro personajes engullen con un gran cucharón de madera? 

Los comedores de requesón (1580), de Vincenzo Campi. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Lyon

La obra presenta, sobre un fondo negro, a cuatro personajes – tres hombres y una mujer – en torno a una mesita sobre la cual hay un plato con un requesón (en italiano, ricotta) que comparten. Aparecen confinados en el cercano encuadre, las manos de tres de ellos encima de la mesa, llenando todo el espacio de la pequeña pintura. Los protagonistas ríen con ganas, los dientes visibles, y su pertenencia a las clases bajas es clara por sus ropas humildes, expresiones campechanas y actitud nada refinada. Cada uno de ellos tiene un gesto que traduce un momento específico de la consumición del alimento: el hombre de la izquierda, con una gorra roja sobre la cabeza y manteniendo una cuchara grande de madera llena en su mano izquierda, aparece con la boca llena; junto a él, un poco atrás, otro hombre se apresta a engullir el bocado mientras se agarra, con la mano derecha, al hombro de su compañero a la derecha; el tercer hombre, con perilla, adelanta su mano hacia el requesón para tomar un trozo; finalmente, la mujer, con un vestido verde muy escotado y un collar de cuentas rojas, y mirando al espectador, mantiene la cuchara en su mano derecha, aun sin servirse.

Arte: Los amantes felices o Los amantes en el campo, sentimientos de juventud

En el corazón de la campiña del Franco-Condado, bailan, en su burbuja, ausentes del mundo, cuerpos apretados, manos entrelazadas, llevados por la música y la alegría de ser dos. Gustave Courbet, guapo, de 25 años, se representa junto a su entonces pareja, la pelirroja Virginie Binet, con quien tendrá un hijo unos años después. 

Les amants heureux  ou  Les Amants dans la campagne, sentiments du jeune âge (1844), de Gustave Courbet. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de  Lyon

El autor de El origen del mundo muestra aquí su genialidad para escenificar y celebrar lo eterno femenino. Una segunda versión sobre el mismo tema, casi gemela, se conserva en el museo Petit-Palais de París. 

Al elegir este tema, Courbet evoca el amor de juventud de dos amantes recostados en el torbellino de un vals. Conocemos de este lienzo varios dibujos preparatorios encontrados en un cuaderno del pintor.

Arte: Autorretrato

"¡Sobre todo, quédate en la puerta y no hagas ruido!". De niño, Pierre Arditi aprendió por primera vez a mirar la pintura de lejos, a la entrada del estudio donde trabajaba su padre, Georges Arditi, pintor y decorador, al son de la música, en el olor de los tubos de color, los bastidores nuevos, apoyados contra las paredes, esperando como libros a ser leídos pronto. Hijo de pintor, padre de pintor, ya que su propio hijo, Frédéric, es él mismo un artista, Pierre Arditi vive rodeado de libros y cuadros, los de su padre, por todas partes en las paredes, los de su hijo y los de otros artistas , que mira, de pie, inmóvil, con los ojos brillantes, girando la lengua cien veces en la boca, como lo imaginamos entre bastidores antes de entrar en escena: con deleite.

Autoportrait (1897), de Émile Bernard. Óleo sobre lienzo. Museo La Piscine., Roubaix

“Los ojos, siempre mira a los ojos”, le aconsejaba su padre frente a un retrato. El actor atrabilaire -es él quien lo dice, nunca nos hubiésemos atrevido- eligió lógicamente un autorretrato de Émile Bernard, conocido por su marcado carácter, compañero de viaje de Paul Gauguin, que le robó el espectáculo y su estilo, hizo de colores vivos y formas tabicadas de negro. En el lienzo de fondo azul, el artista esquiva su propia mirada y parece en otra parte. Pierre Arditi, silencioso, lo observa atentamente, respetando su distancia.

Arte: Antiguo Egipto

Estatuillas que representan al faraón Akenatón y su esposa la reina Nefertiti que se encuentra expuesta en el Museo del Louvre, París, Francia. 

La escultura doble de Akenatón y Nefertiti es una pieza en piedra caliza policromada de 22,20 cm de altura x 12,30 cm de anchura, que representa al faraón Akenatón con su esposa la reina Nefertiti, de pie, tomados de la mano y mirando al frente, destinada a un altar privado en la ciudad de Aketatón (Amarna).

Aparecen a la moda de la nobleza del momento, vestidos de fino lino blanco plisado, ella con el largo y ceñido vestido femenino, él con el faldellín corto masculino, sandalias, los anchos collares ceremoniales y sus coronas azules habituales con el ureo real, Akenatón luce la corona jepresh y Nefertiti la suya característica, alta, trapezoidal y plana. La convención artística egipcia presentaba a los hombres con la piel rojiza, simbolizando su trabajo en el exterior, bronceándose al sol, y la de las mujeres en tonos amarillentos, indicando su trabajo en el interior, a la sombra en el hogar, pero aquí el tono es muy parecido, con el de ella apenas un poco más claro.

Es un tipo de escultura habitual en el arte egipcio desde el Imperio Antiguo para mostrar matrimonios, pero aquí se sigue el novedoso canon del arte amarniano: cuello largo, hombros estrechos y redondeados, pecho, vientre, caderas y muslos prominentes tanto en las figuras femeninas como en las masculinas. El rey era la encarnación del dios Atón, que no era antropomórfico, solo representado por el mismo disco solar dador de vida, y considerado por tanto andrógino. De ahí que las figuras bendecidas por él combinen elementos de ambos géneros.

Parte posterior de la estatuilla, con los jeroglíficos pintados

Detrás de las figuras, en la placa lisa, dos columnas de jeroglíficos pintados en negro con los nombres del dios, el rey y la reina en cartuchos. Detrás del rey se lee: "Que viva el Sol, gobernante del horizonte, quien se regocija en el horizonte con la luz que procede del disco Atón, que viva para siempre, el rey del Alto y el Bajo Egipto, Neferjeperura-Uenra, que viva". Detrás de la reina se lee lo mismo, pero terminado "la gran esposa real Neferneferuatón-Nefertiti, que viva por los siglos de los siglos".

El sol invisible, representado por el disco solar, tenía como encarnación terrestre a Akenatón. En las excavaciones de Amarna, se hallaron numerosas estelas y estatuillas representando a la pareja real en casas particulares. La mayoría contaban con un pequeño altar en la entrada, para el culto doméstico, ante el cual la familia ofrecía así ofrendas a los reyes, únicos intermediarios posibles ante el dios único.

Este tipo de pequeñas estelas y figuras no aparece hasta el noveno año del rey, lo que facilita la datación; se siguieron fabricando hasta su muerte.

Arte: Naturaleza muerta con calabaza

Lejos de sus playas con cielos inmensos, de elegantes paseantes paseando por la arena o de jóvenes bordando a la sombra de una sombrilla, Eugène Boudin se dedicó a la naturaleza muerta durante una docena de años, entre 1853 y 1865. Comenzó en el Louvre, frente al maestro del género, Chardin, a quien copió antes de embarcarse en sus propias creaciones donde, como en este cuadro, pintado a mediados de la década de 1850, conservado en el Museo de Arte Moderno André-Malraux, en Le Havre, la luz parece llegar de las propias verduras, brotan de la pulpa anaranjada de la calabaza, los tallos blancos de los espárragos y la ristra de dientes de ajo colocados contra la mantequilla. 

Nature morte au potiron (circa 1854-1860), de Euène Boudin. Óleo sobre lienzo. Museo de Arte Moderno André-Malraux, Le Havre

El fondo es oscuro, tenuemente iluminado: apenas se pueden distinguir las hojas que salen de la canasta. Dos nueces, una a la derecha y otra a la izquierda, colocadas en una precaria posición, invitan a nuestra mirada a adentrarse en la obra. Estos “cuadros de comedor”, como los llamó su autor, fueron comprados –ya veces encargados– por la burguesía de Le Havre. El apodo es injusto: dan testimonio de una sólida maestría y un realismo poético que recuerda a Courbet.

Arte: La caza del tigre

Hacia 1615, Maximiliano I de Baviera encargó a Peter Paul Rubens (1577-1640), cuatro cuadros decorativos que representaban escenas de caza, un tema muy popular en la época y asociado a escenas de batalla. Además, Rubens se inspiró en su composición en un fresco entonces desaparecido de Leonardo da Vinci, La Batalla de Anghiari, del que copió un grabado. 

La caza del tigre (1616), de Pedro Pablo Rubens. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Rennes

En cuanto al tema de este cuadro conservado en el Musée des Beaux-Arts de Rennes, mezcla alegremente el personaje bíblico de Sansón (que lucha contra el león) con moros con turbante y fieros coraceros bávaros, y animales africanos (leopardo y león) con el tigre asiático. La precisión, histórica y zoológica, era irrelevante en ese momento. Sólo cuenta la dinámica, el ardor, la espectacularidad de la escena, incluso su brutalidad. Por otro lado, Rubens se documentó a sí mismo para representar de manera muy realista los animales salvajes entonces invisibles en Amberes. Y sobre todo, como señaló el historiador suizo Jacob Burckhardt, se abandonó “al placer supremo que le producían todas las formas de movimiento”.

Arte: Naturaleza muerta con melocotones y ciruelas

Jean-Baptiste-Marie Pierre (1699-1779) era un imbécil. "Su arrogancia aumentaba a medida que perdía su talento", escribió Diderot sobre él. En 1770, se convirtió en el primer pintor del rey Luis XV y director de la Academia, despidió a Chardin, quien murió nueve años después en la indiferencia general. Cómo un pintor no podía maravillarse con la poesía de las naturalezas muertas de Jean Siméon Chardin es un misterio. La ideología entonces creía que el género fuera vulgar. El valiente Siméon quedó satisfecho con él, con una elegancia, una gracia inaudita. 

Pêches et prunes (1764), Óleo sobre tela, de Jean Siméon Chardin (1699-1779). Museo de Bellas Artes de Angers 

Estas pocas frutas, por ejemplo, dos melocotones y cinco ciruelas, recuerdan la sencillez de los caquis Muqi. La misma poesía habita las dos obras. En Chardin no hay vacío, ni ingravidez, sino una extraordinaria densidad de fruta. Pesan. La luz les ofrece una vida magnífica: ¡puedes olerlos jugosos! Y, como el cuchillo está ausente en este cuadro del Museo de Bellas Artes de Angers, es la cola de la ciruela de la izquierda, inclinada hacia el vacío, la que nos invita a adentrarnos en su universo silencioso.

Arte: Paysage aux piqueux

Jacques Fouquières nacido en Amberes, formado por Jan, el hijo mayor de Pieter Bruegel el Viejo, llamado a Francia en 1621 para decorar la Grande Galerie du Louvre, maestro en París, entre otros, de Philippe de Champaigne, Jacques Fouquières sigue siendo poco conocido, probablemente porque todos los cuadros que pintó para Luis XIII estaban en las Tullerías cuando el palacio fue incendiado por los Comuneros en 1871. 

Paysage aux piqueux (hacia 1580-1650), de Jacques Fouquières. Óleo sobre lienzo.
Museo de Bellas Artes de Nantes

Entre las pocas obras que escaparon al desastre está este paisaje, actualmente en el Musée d'Arts de Nantes, donde vemos la herencia de los grandes flamencos, de Bruegel y especialmente de Patinir. La luz típica del Norte está sutilmente representada allí por la transparencia de los colores. Menos gloriosa es la forma en que Fouquières, en 1640, se unió a Simon Vouet para intentar desacreditar a Nicolás Poussin con Luis XIII, intrigas que empujaron a Poussin, asqueado, a marcharse a Roma dos años más tarde. 

Arte: La Sainte-Chapelle

La Sainte-Chapelle es una capilla real de estilo gótico radiante, dentro del Palacio de la Cité medieval, la residencia de los reyes de Francia hasta el siglo XIV en París, Francia. 

La construcción comenzó en algún momento después de 1238 y la capilla fue consagrada el 26 de abril de 1248. La Sainte Chapelle está considerada uno de los logros más altos del período rayonante de la arquitectura gótica. Aunque fue dañada durante la Revolución Francesa y restaurada en el siglo XIX, tiene una de las colecciones de vidrieras más extensas del siglo XIII del mundo.

Arqueología: Sumeria

Estatua sedente del príncipe Gudea, escultura en diorita, 46 centímetros de alto, excavado en Telloh (antigua Girsu), Irak, período neo-sumerio, año 2120 a. C., Museo del Louvre, París, Francia.

Los medios de comunicación: ¿el cuarto poder? Identidad, memoria y patrimonio

Congreso: Los medios de comunicación: ¿el cuarto poder? Identidad, memoria y patrimonio. La red internacional MEMITÀ (Memory&Identity and Media Studies) desea organizar el próximo Congreso en Francia, con sus socios de las Universidades de Rennes 2 y Pau y Pays de l’Adour sobre una base híbrida. Para esta nueva edición, la cuestión elegida ha sido «Identidad y memoria en los medios de comunicación: configuraciones y recomposiciones del cuarto poder». Con vocación interdisciplinar, el Congreso Mémita propone organizar paneles y comunicaciones sobre representaciones culturales, anclajes sociales, valores, códigos y modos de funcionamiento según los enfoques de las diferentes disciplinas que participan en la red: literatura, lenguas, didáctica, edición, comunicación, historia, sociología, artes visuales, cine y documental, etc.
Líneas de investigación propuestas:
– Los medios de comunicación como cuarto poder: Configuraciones y recomposiciones.
– Los medios de comunicación y la opinión pública: ¿fábricas de identidad?
– Los medios de comunicación y la cara oculta de la realidad.
– Los medios de comunicación y la fabricación de marcas culturales, señas de identidad.
– Los medios de comunicación, la memoria y el patrimonio: recuperación, transmisión y valorización.
Lugar de acogida: PAU en videoconferencia y en persona.
El Congreso tendrá lugar en la Universidad de Pau y des Pays de l’Adour, en colaboración con la Université de Rennes. Se tendrá en consideración la modalidad semipresencial en caso de emergencia pandémica.
Las lenguas oficiales son francés, español e inglés. Las comunicaciones tendrán duración de 20 minutos. Las siguientes sesiones dedicadas al debate se tendrán en las lenguas de preferencia de los ponentes y del público.
Se ruega enviar un resumen de la propuesta (200 palabras), junto con un breve CV (100 palabras, afiliación académica y correo electrónico) o del panel (con todos los CV de los participantes) a memita@unipa.it antes del 1.09.2022, precisando siempre “PAU 2022” en el asunto. Se comunicará la aceptación de las propuestas antes del 30.09.2022.
Publicación en volumen y en revista.
Cuotas de inscripción:
– En presencia: 80 €; on-line: 45 €
– Miembros de la Red – en presencia: 50 €; on-line: 30 €
Comité organizador:
– Dolores Thion Soriano-Mollá (Université de Rennes 2 et Laboratoire Item, au et de Pays de L’Adour, Francia)
– Juliette Richaud (Université de Pau et des Pays de l’Adour, Francia)
– Rafael Esquinas (Université de Pau et des Pays de l’Adour, Francia)
– Nathalie Brillant Rannou (Université de Rennes 2)
– Floriana Di Gesù (Università degli Studi di Palermo, Italia)
– Assunta Polizzi (Università degli Studi di Palermo, Italia)
– Ambra Pinello (Università degli Studi di Palermo, Italia).

Libros: Breviario provenzal

Breviario provenzal

Vicente Valero

Periférica

Cáceres 

2021

114 págs.

Si el viaje es también una lectura, Provenza se puede recorrer como un texto privilegiado en el que se leen los orígenes y el desarrollo de la noción de paisaje en el arte. Naturaleza y cultura son indisociables en este espacio que ha convocado desde siempre a poetas y pintores. Viajar, leer y meditar es lo que hace Valero en este bello libro que reúne dos textos. «Cuaderno de Provenza», es un magistral mosaico en el que muestra, además de su itinerario particular, las huellas de artistas geniales: Mallarmé, Cézanne, René Char, Picasso… El resultado es un personal cuaderno de viaje que comprende un verdadero ensayo sobre el arte del paisaje. El segundo texto, «Junio en casa del doctor Char», es un diario poético donde aborda el vínculo conflictivo entre la celebración y la creatividad.

Vicente Valero (Ibiza, 1963). Poeta y ensayista. Es autor de los libros de poemas Jardín de la noche (1987), Herencia y fábula (1989), Teoría solar (1992), Vigilia en Cabo Sur (1999), Libro de los trazados (2005) y Días del bosque, recientemente galardonado con el Premio Internacional Fundación Loewe (2007). Sus poemas figuran en algunas de las más importantes antologías de poesía española actual y han sido traducidos a diversos idiomas. Es también autor de los libros de ensayo: Experiencia y pobreza. Walter Benjamin en Ibiza, 1932-1933 (2001), que ha sido traducido al francés y al alemán, y Viajeros contemporáneos (2004), publicado en esta misma editorial (Colección Cosmópolis). Colabora habitualmente en diversas publicaciones literarias, como el suplemento “Cultura(s)” del diario La Vanguardia, y ha publicado ensayos sobre artistas contemporáneos para diferentes museos y galerías, entre ellos el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM). Arte, memoria y naturaleza: Diario de un acercamiento nos invita a pasear por estos tres mundos, relacionándolos entre sí, convirtiéndolos en uno solo, original y propio: el de la experiencia estética.

Libros: La Comuna de París

La Comuna de París

Diario del sitio y la Comuna de París. 1870-1871

Edmond de Goncourt

Edición de Julio Monteverde

Traducción del francés de Julio Monteverde

Pepitas

Logroño

202

304 págs. 
Los hermanos Goncourt, Edmond y Jules, crearon algunas de las obras literarias más representativas de la escuela naturalista francesa. Pero también, cada noche, en secreto, escribieron al alimón sus aclamados Diarios, en los que dejaron constancia de las glorias y miserias de los círculos intelectuales y artísticos del París del siglo XIX. En 1870, justo antes del comienzo de la guerra con Prusia, del sitio de París y de la posterior proclamación de la Comuna, la muerte de Jules obligaría a Edmond a continuar la tarea en solitario.
En el marco del París revolucionario de 1870 y 1871, ese gran reaccionario que fue Edmond de Goncourt recorrió incansablemente las calles, habló con todo el mundo, asistió a reuniones políticas, entró en hospitales, atravesó fortificaciones, visitó barricadas, presenció combates y luego volvió cada noche a su habitación para forjar algunas de las más bellas páginas que se hayan escrito sobre estos momentos cruciales de la historia, cuya significación continúa hoy siendo de tan alta importancia para todos nosotros.

En septiembre de 1870, tras la abrumadora derrota del ejército francés, las tropas prusianas al mando de Bismarck sitian París. Después de siete meses, y a pesar de la resistencia y el coraje del pueblo parisino, las autoridades deciden rendir la ciudad a las tropas prusianas en contra de la opinión de gran parte de sus habitantes. Es entonces cuando los disturbios de protesta por esta decisión conducen a la proclamación de la Comuna. El proletariado de París toma el control de la ciudad y pone en marcha uno de los más apasionantes procesos revolucionarios de la historia. Por su parte, el gobierno burgués, refugiado en Versalles, pactará con el enemigo para destruir a la Comuna, cosa que finalmente conseguirá y que culminará en la inaudita represión de mayo de 1871, en la que se calcula que fueron ejecutadas unas treinta mil personas entre hombres, mujeres y niños.

Nacido en Nancy en una familia relacionada con la élite aristocrática francesa, Edmond de Goncourt (1822-1896) fue en vida uno de los representantes mas reconocibles de la escuela naturalista. De ideología reaccionaria y monárquica, sus obras escritas en colaboración con su hermano Jules, como Renée Mauperin o Germinie Lacerteux, asentaron en gran parte las bases teóricas del realismo literario. No obstante, su obra ha pasado a la historia de la literatura principalmente por sus Diarios, escritos junto con Jules hasta 1870, posteriormente continuados en solitario, y que ocupan nueve tomos que abarcan desde 1851 hasta 1895. En el periodo final de su vida creó la conocida Academia Goncourt, que sigue activa en la actualidad a través del prestigioso premio literario del mismo nombre.

Libros: La Comuna de París

La Comuna de París

Diario del sitio y la Comuna de París. 1870-1871 

Edmond de Goncourt 

Edición y traducción de Julio Monteverde

Pepitas de calabaza

Logroño

2020

304 págs.

El relato de la Comuna de París, parte esencial del núcleo en el que late el sentido histórico del movimiento revolucionario, de mano de uno de los más grandes literatos galos.

Los hermanos Goncourt, Edmond y Jules, crearon algunas de las obras literarias más representativas de la escuela naturalista francesa. Pero también, cada noche, en secreto, escribieron al alimón sus aclamados Diarios, en los que dejaron constancia de las glorias y miserias de los círculos intelectuales y artísticos del París del siglo xix. En 1870, justo antes del comienzo de la guerra con Prusia, del sitio de París y de la posterior proclamación de la Comuna, la muerte de Jules obligaría a Edmond a continuar la tarea en solitario.

En el marco del París revolucionario de 1870 y 1871, ese gran reaccionario que fue Edmond de Goncourt recorrió incansablemente las calles, habló con todo el mundo, asistió a reuniones políticas, entró en hospitales, atravesó fortificaciones, visitó barricadas, presenció combates y luego volvió cada noche a su habitación para forjar algunas de las más bellas páginas que se hayan escrito sobre estos momentos cruciales de la historia, cuya significación continúa hoy siendo de tan alta importancia para todos nosotros.

En septiembre de 1870, tras la abrumadora derrota del ejército francés, las tropas prusianas al mando de Bismarck sitian París. Después de siete meses, y a pesar de la resistencia y el coraje del pueblo parisino, las autoridades deciden rendir la ciudad a las tropas prusianas en contra de la opinión de gran parte de sus habitantes. Es entonces cuando los disturbios de protesta por esta decisión conducen a la proclamación de la Comuna. El proletariado de París toma el control de la ciudad y pone en marcha uno de los más apasionantes procesos revolucionarios de la historia. Por su parte, el gobierno burgués, refugiado en Versalles, pactará con el enemigo para destruir a la Comuna, cosa que finalmente conseguirá y que culminará en la inaudita represión de mayo de 1871, en la que se calcula que fueron ejecutadas unas treinta mil personas entre hombres, mujeres y niños.

Nacido en Nancy en una familia relacionada con la élite aristocrática francesa, Edmond de Goncourt (1822-1896) fue en vida uno de los representantes mas reconocibles de la escuela naturalista. De ideología reaccionaria y monárquica, sus obras escritas en colaboración con su hermano Jules, como Renée Mauperin o Germinie Lacerteux, asentaron en gran parte las bases teóricas del realismo literario. No obstante, su obra ha pasado a la historia de la literatura principalmente por sus Diarios, escritos junto con Jules hasta 1870, posteriormente continuados en solitario, y que ocupan nueve tomos que abarcan desde 1851 hasta 1895. En el periodo final de su vida creó la conocida Academia Goncourt, que sigue activa en la actualidad a través del prestigioso premio literario del mismo nombre.

Libros: France around 1900

France around 1900

A Portrait in Color

Marc Walter, Sabine Arqué
Taschen
2019
636 págs.

El cambio del siglo XIX al XX marca una época dorada para Francia. La Belle Époque fue un periodo de paz, prosperidad y progreso. El país acababa de dejar atrás una sucesión de cruentos conflictos bélicos y confusión política culminada por la guerra franco-prusiana, que había finalizado en 1871. De las ruinas surgió la Belle Époque, brotó la alegría de vivir y florecieron el arte, el diseño, la industria, la tecnología, la gastronomía, la educación, los viajes, el mundo del espectáculo y la vida nocturna.

Con unas 800 fotografías y fotocromos antiguos de los extensos archivos de Marc Walter y Photovintagefrance, France 1900 sigue la estela de las colecciones de imágenes vintage de TASCHEN Germany 1900 y American Odyssey creando un valioso retrato de Francia, que iniciaba el siglo XX reluciente y gloriosa. Gracias a la técnica fotocromática utilizada en muchas de las fotografías, se recupera el pasado a todo color y se ofrece un encuentro agridulce, íntimo y emotivo con este periodo esperanzador: de las plumas en el traje de una bailarina del cabaret Moulin Rouge al esplendor pétreo de Mont Saint Michel, las cumbres heladas de Chamonix y la suave luz de la Costa Azul.

Con una introducción, seis ensayos y comentarios detallados de Sabine Arqué que desvelan la historia detrás de las fotografías, France 1900 es un retrato sin parangón de una nación en la cúspide de un siglo y de su exuberancia conmovedora antes del paroxismo de la Primera Guerra Mundial. No sólo rinde tributo a este valioso periodo de la Belle Époque, que quedó aniquilado por los traumas de la historia, sino que también celebra el encanto inalterable de la belle France, con su belleza, su cultura, sus tradiciones y su legendario romanticismo.

Sobre los autores 

El diseñador gráfico, fotógrafo y coleccionista Marc Walter (1949–2018) se especializó en fotografías de viaje antiguas (vintage), en especial fotocromos, de las que atesoró una de las colecciones más grandes del mundo. Publicó numerosos libros ilustrados con piezas de su colección, así como con fotografías propias bajo su sello Swan Éditeur. 

Sabine Arqué es documentalista, iconógrafa y escritora. Ha colaborado en numerosos libros sobre viajes, historia del turismo y fotografía.

Once pueblos para visitar (III)

3.- Colmar, Francia

Si te gustan los ambientes rústicos franceses (muy al estilo de La Bella y la Bestia de Walt Disney) y el buen vino, Colmar es la perfecta elección. Es un precioso pueblo de la región de Alsacia (el más alsaciano de todos, según la publicidad), excepcional por la riqueza y la variedad de su patrimonio histórico con más de 1.000 años de historia. Date un paseo por el centro y volverás al medievo. O descubrirás vestigios del esplendor renacentista.

Paseo por el Sena (París)