Melilla: Retransmisión

Elisabeth Grümmer

Elisabeth Grümmer (nacida Schilz; 31 de marzo de 1911 - 6 de noviembre de 1986) fue una soprano alemana. Ella ha sido descrita como "una cantante bendecida con elegante musicalidad, sinceridad cálida y una voz de belleza excepcional".

Elisabeth Schilz nació en Niederjeutz [ahora Yutz, cerca de Diedenhofen (Thionville), Alsacia-Lorena] de padres alemanes. En 1918, su familia fue expulsada de Lorena, y se instalaron en Meiningen, donde estudió teatro e hizo su debut teatral como Klärchen en Goethe's Egmont.

Se casó con el director de la orquesta de teatro, Detlev Grümmer, y se convirtió en madre. La familia se trasladó a Aquisgrán, donde conocieron a Herbert von Karajan bajo cuyo estímulo hizo su debut operístico en 1940, en el papel de Primera Flowermaiden en una actuación de Parsifal de Wagner en 1940. Ella pasó desde Aquisgrán para actuar en Duisburgo y Praga.

Su marido murió en su casa durante el bombardeo de Aquisgrán en 1944. Después de la guerra, se instaló en Berlín, cantando en el Städtische Oper Berlin. Actuó en los principales teatros de ópera de Europa y los Estados Unidos, limitándose a un pequeño número de papeles, principalmente cantados en alemán. También participó activamente en recitales de canciones y conciertos, en particular del Réquiem alemán de Brahms.

El Kammersängerin se convirtió en profesor en el Musikhochschule de Berlín. Entre sus estudiantes están Astrid Schirmer, Gillian Rae-Walker y Janis Kelly. 

Grümmer murió en Warendorf, Westfalia el 6 de noviembre de 1986.

Teresa Berganza

Teresa Berganza Vargas (16 de marzo de 1933 - 13 de mayo de 2022) fue una mezzo-soprano española. Ella está más estrechamente asociada con papeles como Rosina y La Cenerentola de Rossini, y más tarde Carmen de Bizet, admirada por su virtuosismo técnico, inteligencia musical y seductora presencia escénica. Berganza fue una cantante clave en un renacimiento de Rossini que exploró óperas menos interpretadas y restauró los papeles principales en mezzo regist. Ella apareció como Zerlina en la película Don Giovanni de Joseph Losey en 1979. Participó en la ceremonia de apertura de la Expo '92 en Sevilla y de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992 en Barcelona.

Teresa Berganza nació en Madrid el 16 de marzo de 1933. Estudió piano y voz en el Real Conservatorio de Madrid, voz con Lola Rodríguez Aragón, donde fue galardonada con el primer premio de canto en 1954. Hizo su debut en un concierto en Madrid en 1955.

Berganza hizo su debut operístico como Dorabella en Cos ì fan tutte de Mozart en 1957 en el Aix-en-Provence Festival. Ese mismo año, hizo su debut en La Scala. Ella apareció por primera vez en el Festival Glyndebourne en 1958, como Cherubino en Le nozze di Figaro de Mozart, y más tarde también en el papel principal de La Cenerentola de Rossini. En 1959, Berganza hizo su primera aparición en la Royal Opera House como Cherubino, y al año siguiente actuó allí como Rosina en Il barbiere di Siviglia de Rossini, que se convirtió en uno de sus papeles principales. Lo repitió en la Opernhaus Zúrich, donde regresó en 1979 como Charlotte en el Werther de Massenet.

Ella apareció en los Estados Unidos por primera vez en 1958, en la Ópera de Dallas como Isabella en L'italiana de Rossini en Algeri y luego como Neris en Médée de Cherubini junto a Maria Callas en el papel principal. En 1967, hizo su debut en la Ópera Metropolitana, nuevamente como Cherubino, dirigida por Nikolaus Lehnhoff en su debut en casa, y dirigida por Joseph Rosenstock, junto a Cesare Siepi como Figaro, Mirella Freni como Susanna, Tom Krause y Pilar Lorengar como la pareja Almaviva. Regresó para Rosina al año siguiente, primera en una actuación de transmisión dirigida por Richard Bonynge, junto a Mario Sereni como Figaro, Luigi Alva y Fernando Corena como Bartolo. Un crítico del New York Daily News señaló:

Pero el resurgimiento se distinguió realmente por la presencia de Teresa Berganza como Rosina. La mezzo-soprano española no había cantado el papel con la compañía antes, aunque ha sido una conocida recitalista aquí, y su manera con la música de Rossini es muy admirada. Ella es sin duda la Rosina más encantadora en el Met desde su compatriota Victoria de los Ángeles. Al igual que ella, canta la música en el bajo tono, lo que la hace mucho más atractiva para el oído que el constante canto de sopranos de coloratura a la que se suele someter. Corta y oscura, si no exactamente pequeña, Miss Berganza es bastante encantadora de mirar, una actriz agradable si no volátil, y una cantante de gran estilo y habilidad. Ella encendió el escenario cada vez que estaba en él, sin hacer ningún intento de hacerlo.

Berganza fue un cantante principal para el renacimiento de las óperas de Rossini, devolviendo los papeles al registro inferior original según ediciones críticas de Alberto Zedda, promovido por directores como Claudio Abbado y Charles Mackerras.

Berganza apareció en el Festival de Edimburgo de 1977 como Carmen de Bizet, dirigido por Abbado, considerada como uno de sus mayores éxitos en el escenario, y repitió el papel en la Ópera de París. Retrató al personaje con inteligencia, cantando la Habanera con la flexibilidad de un cantante lieder, y cambios abruptos en timbre y dinámica, aparentemente dirigiéndose a la multitud pero significando una persona, en un tono provocadormente ligero demostrando superioridad.

Como recitalista, Berganza hizo su debut en el Carnegie Hall en 1964. Su repertorio incluye canciones españolas, italianas, francesas, alemanas y rusas. De 1957 a 1977, Berganza se casó con el compositor y pianista Félix Lavilla, quien la acompañó en recitales y grabaciones. La pareja tuvo tres hijos, incluyendo a la soprano Cecilia Lavilla Berganza. Presentó canciones de España, desde cantigas medievales de la época de Alfonso X de Castilla hasta miniaturas de Manuel de Falla y Enrique Granados.

Para la inauguración del Auditorio Nacional de Música de Madrid, actuó en Atlántida de De Falla junto a Montserrat Caballé y Vicente. Participó en el concierto para la apertura de la Ópera Bastilla en París el 13 de julio de 1989. En 1992, Berganza participó en la ceremonia de apertura de la Expo '92 en Sevilla y en la ceremonias de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano 1992 en Barcelona.

La carrera teatral de Berganza terminó en 2008. Enseñó canto por última vez en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, continuó interpretando música de compositores españoles y dio clases magistrales en todo el mundo. Entre sus estudiantes se encuentran María Bayo, Jorge Chaminé y Alicia Nafé.

Berganza falleció el 13 de mayo de 2022 en San Lorenzo de El Escorial a los 89 años.

Berganza apareció en nueve películas, incluyendo Il barbiere di Siviglia en 1972, como Zerlina en Don Giovanni de Joseph Losey en 1979, y tanto Werther como Carmen de Massenet en 1980.

Berganza recibió una Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes del Reino de España el 26 de febrero de 1982. Compartió el Premio Príncipe de Asturias de 1991 con otros seis cantantes españoles. En 1994, se convirtió en la primera mujer elegida para la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1996, fue galardonada con el Premio Nacional de Música. Ella también recibió el Grand Prix Rossini. Fue galardonada con la Dama Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X, el Sabio del Reino de España el 3 de mayo de 2013. Recibió el Premio a la Lifetime Achievement Awards en los International Opera Awards 2018.

Enrico Caruso

Enrico Caruso nació el 25 de febrero de 1873, en Nápoles, en casa de un mecánico
y una limpiadora. Aunque, dado sus orígenes, nada permitía augurarle un futuro musical, su vida empezó a cambiar al entrar al coro del oratorio de su barrio. Su timbre de voz superó el delicado paso a la adolescencia, se fortaleció, y, así, empezó a actuar en algunos de esos teatrillos tan típicos de la ciudad e los Borbones. 

Pero el destino quiso que en 1891, el barítono Eduardo Missino le escuchara cantar en un funeral y decidiera presentárselo al maestro Guglielmo Vergine, que aceptó darle clases de canto. Su debut en un teatro fijo, en el Nuovo napolitano en 1894, fue un fracaso, pero su carrera, lejos de detenerse, siguió su curso, ampliando su repertorio y aceptación en las cercanas Caserta y Salerno, en el Bellini de Nápoles o en Sicilia. 

El siglo XIX tocaba a su fin y Caruso seguía cantando, mientras vivía una historia de amor con la soprano Ada Botti Giachetti, ya casada y madre de un niño. Con ella tendría otros dos, Rodolfo y Enrico, aunque la relación acabaría rota y en un tribunal. El gran paso lo dio en La Scala de Milán en febrero de 1901, al cantar en el concierto por la muerte del maestro Giuseppe Verdi, y después obraría su mayor sueño, debutar en el San Carlo de su ciudad. 

Fue a partir de 1901 cuando Caruso recabó una notable aclamación internacional, lanzándose al mundo anglosajón, con sonoros triunfos en Londres, así como en Lisboa, Buenos Aires, Montevideo y Río de Janeiro, mientras negociaba un contrato con el Metropolitan de Nueva York.

En abril de 1902 el tenor, ya por entonces uno de los más exitosos del mundo, fue de los primeros en predecir las ventajas de las nuevas tecnologías discográficas atreviéndose a grabar su voz en un disco. Y el resultado fue un éxito de ventas. 

Caruso consolida su leyenda y en 1918, con 45 años, se casó con la joven estadounidense Dorothy Benjamin, con quien tuvo una hija, Gloria. Pero pronto llegaría su decadencia en forma de una grave crisis física y psicológica que acercaría su retiro, a pesar de los intentos del mercado y las discográficas por retenerlo, dado su éxito y los teatros que llenaba.

En la Navidad de 1920 Caruso, de vuelta en Italia, fue diagnosticado de enfisema pulmonar, una grave infección, y tuvo que sr operado el 30 de diciembre de aquel año. El 2 de agosto de 1921 moría en la ciudad que lo vio nacer, Nápoles, acompañado de su familia, a la edad de 48 años, dejando para la posteridad el recuerdo del gran tenor de todos los tiempos. 

Melilla: Ópera

Melilla: Agenda cultural

 Agenda Cultural semana del 15 al 21 de noviembre de 2021

Melilla: Ópera

 

Asociación Amigos de la Música de Melilla ha organizado para el jueves 18 de noviembre de 2021 la proyección de la ópera Tosca de Giacomo Puccini 

Sala de Ensayos, Teatro Kursaal

Melilla: Ópera

Teatro Kursaal - La Bohème

"Canción a la Luna (Rusalka)" de Antonin Dvorak, por Renee Fleming.

Melilla: Teatro Kursaal - The ópera locos

Melilla: Teatro Kursaal - La Traviata

Melilla: Ópera

Teatro Kursaal - El barbero de Sevilla

Melilla: Ópera

Teatro Kursaal - Madama Butterfly

Mitos: Dido y Eneas (II)

(cont.)
Dido y Enes en la música

Dido y Eneas (título original en inglés, Dido and Aeneas) es una ópera en tres actos con música de Henry Purcell y libreto en inglés del dramaturgo y poeta Nahum Tate (1652-1715), basado en su tragedia Brutus of Alba or The Enchanted Lovers y en el canto IV de la Eneida de Virgilio. Fue compuesta en 1682.

Banqueta de Dido y Eneas

Relata la historia de amor entre Dido, reina de Cartago y el héroe troyano Eneas, y su desesperación cuando la abandona. Una obra monumental en la ópera barroca, se recuerda como una de las más destacadas obras teatrales de Purcell. Dido y Eneas fue la primera ópera de Purcell. Se encuentra entre las primeras óperas inglesas, y debe mucho a Venus y Adonis, ópera de John Blow, tanto en estructura como en el efecto general.

Es una de las óperas más importantes del Barroco, y está considerada como la primera ópera nacional inglesa. Puede considerarse como la única ópera -en el sentido estricto del género- verdadera de Purcell, si se compara con otras obras como El rey Arturo (1691) o La reina de las hadas (1692), que responden al perfil de semióperas. Dido y Eneas es uno de los dramas más conocidos de Purcell y quizás de toda la producción inglesa.

La primera representación fue en la escuela de muchachas de Josias Priest en Londres no más tarde del verano de 1688. El estreno comercial fue en Londres a principios de 1700.
El lamento que Dido canta al morir, When I am laid in earth (Cuando yazca en la tierra), es uno de los momentos más hermosos y célebres de la historia de la ópera:
Aria:

When I am laid, am laid in earth, May my wrongs create

No trouble, no trouble in thy breast;

Remember me, but ah! forget my fate,

Remember me, remember me, but ah! forget my fate.

Traducción:

Cuando yazca, yazca en la tierra, que mis errores

no causen cuitas a tu pecho; 

Recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino; 

Recuérdame, recuérdame, pero ¡ah! olvida mi destino.

Mitos: La tragedia de Edipo (II)

(cont.)

La tragedia de Edipo en la literatura, la música y el cine

La tragedia de Edipo ha inspirado a numerosos autores clásicos y contemporáneos.

Teatro

• Edipo rey y Edipo en Colono de Sófocles
• Edipo de Séneca
• Los siete contra Tebas de Esquilo
• Edipo de Giovanni Andrea dell'Anguillara (1565)
• Edipo de Pierre Corneille (1659)
• Edipo de John Dryden y Nathaniel Lee (1678)
• Edipo de Voltaire (1718)
• El Edipo romántico de August von Platen-Hallermünden (1828)
• Edipo de Francisco Martínez de la Rosa (1829)
• Edipo y la esfinge, tragedia en prosa, de Joséphin Péladan (1903)
• Edipo y la esfinge de Hugo von Hofmannsthal (1906)
• Oedipe roi de Jean Cocteau (1928)
• Edipo de André Gide (1930)
• La máquina infernal de Jean Cocteau (1932)
• Oedipe ou Le crépuscule des dieux de Henri Ghéon (1938)
• La esfinge sin secreto de Ricardo López Aranda (1958)
• Oedipe ou Le silence des dieux de Jean-Jacques Kihm (1961)

Novelas y poesía 

• La Tebaida de Publio Papinio Estacio
• Le Roman de Thèbes - anónima del siglo XII
• Edipo en el camino de Henry Bauchau (1990)
• Edipo rey de Didier Lamaison (2006)
• Mes Oedipes de Jacqueline Harpman (2006)
• Layos, la historia de un mito griego de Josep Asensi (2009), Ediciones Evohé.

Edipo en la música y en la ópera

• Edipo en Colonna (Œdipe à Colone, 1758), es una tragedia lírica en tres actos con música de Antonio Sacchini y libreto en francés de Nicolas-François Guillard, basado en la tragedia de Sófocles Edipo en Colono. Se estrenó en la corte de Versalles el 4 de enero de 1786, en presencia del rey y de la reina María-Antonieta. El 1 de febrero de 1787, poco después de la muerte de su compositor, la obra se volvió a representar en la Ópera de París con gran éxito. La ópera conoció 583 representaciones y quedó durante más de medio siglo en el repertorio.
• Edipo Re (1920), es una ópera en un acto con música de Ruggero Leoncavallo y libreto en italiano de Giovacchino Forzano, basado en el Edipo rey de Sófocles. Se compuso en el año 1899, pero no se estrenó hasta después de la muerte del compositor, el 13 de diciembre de 1920, en la Ópera de Chicago.
• Oedipus Rex (1927), es una ópera-oratorio en dos actos con música de Ígor Stravinski y libreto en latín de Jean Cocteau. Se estrenó en el Théâtre Sarah Bernhardt de París el 30 de mayo, de 1927). El texto dramático en latín se complementa con una narración en el idioma del público. Es una ópera muy breve y, junto a The Rake's Progress, las dos óperas de Stravinski que han pasado a formar parte del repertorio operístico.
• Oedipo (1936) es una ópera en cuatro actos con música de George Enescu, basada en el relato mitológico de Edipo, y sobre un libreto en francés de Edmond Fleg. Se estrenó en la Ópera Garnier de París el 13 de marzo de 1936.

André Pernet y Marisa Ferrer en Œdipe (Palais Garnier, 1936).

• Oedipus der Tyrann, subtitulada Ein Trauerspiel (1959) es una ópera con música de Carl Orff. El libreto se basa en la versión que de la obra homónima de Sófocles hizo Friedrich Hölderlin, algo que Orff ya había hecho en su anterior ópera, Antígona. La compuso entre 1951 y 1958 y se estrenó el 11 de diciembre de 1959 en la Ópera Estatal de Stuttgart, Alemania.

Cine

• Edipo re (1909). Italia. Dirección: Giuseppe de Liguoro. Protagonizada por  Giuseppe De Liguoro. Producción y distribución: Milano Film. Orígenes del cine. Cine mudo. Blanco y negro. Basada en la obra de Sófocles.
• Oedipus Rex (1957). Canadá. Dirección: Tyrone Guthrie. Protagonizada por Douglas Campbell, Eleanor Stuart, Robert Goodier, William Hutt, Donald Davis, Douglas Rain, Tony Van Bridge, Eric House, Roland Bull, Robert Christie, Ted Follows, David Gardner, Bruno Gerussi, Richard Howard, Roland Hewgill. Productora: Oedipus Rex. Distribuidora: Motion Picture Distributors. Drama. Color: eastmancolor. Duración: 87 minutos. Basada en la obra de Sófocles. 

• Edipo el hijo de la fortuna AKA Edipo rey (Edipo re, 1967). Italia. Dirección y guión: Pier Paolo Pasolini. Protagonizada por Silvana Mangano, Franco Citti, Alida Valli, Carmelo Bene, Julian Beck, Luciano Bartoli, Ahmed Belhachmi, Pier Paolo Pasolini, Giandomenico Davoli, Ninetto Davoli. Productora: Coproducción Italia-Marruecos; Arco film/Somafis. Drama. Antigua Grecia. Color: Technicolor. Duración: 104 minutos. Nominaciones y premios: Festival de Venecia: nominada al León de Oro. Basada también en la obra de Sófocles. 

• Edipo alcalde (1996). Colombia. Dirección: Jorge Alí Triana. Protagonizada por Jorge Perugorría, Ángela Molina, Francisco Rabal, Jairo Camargo, Jorge Martínez de Hoyos, Myriam Colón. Productora: Coproducción Colombia-México-España; Amaranta/Sogetel/IMC/Tabasco Film. Drama. Color. Duración: 102 minutos. Adaptación de Gabriel García Márquez de la tragedia de Sófocles trasladada al siglo XX. 

• Edipo (2004). Italia. Dirección: Raoul Ruiz. Protagonizada por Silvio Castiglioni, Marco Cavicchioli, Laura Colombo, Maria Grazia Mandruzzato, Rolando Mugnai, Silvia Pasello, Luisa Pasello, Roberto Bacci, Stefano Vercelli. Productora: Fondazione Pontedera Teatro. Drama. Color. Duración: 80 minutos. 

Mitos: Las hazañas de Belerofonte (II)

(cont.)

El mito fue trasladado a la Ópera en dos ocasiones: 

• Con el título de Bellérophon (Belerofonte, LWV 57), se conoce a una tragedia musical estructurada en un prólogo y cinco actos compuesta por Jean-Baptiste Lully en 1679 con libreto de Thomas Corneille y Fontenelle, basado en parte de la Teogonía de Hesíodo. Philippe Quinault había escrito ya en 1665 un libreto sobre el tema de Belerofonte, héroe que derrotó a la Quimera montado en su caballo, Pegaso. Es a petición del rey que Thomas Corneille, tras el escaso éxito de Psyché, escribió el libreto, aunque Fontenelle reclamó la autoría en 1741. La obra se representó en la Académie Royale de Musique, el 31 de enero de 1679, y siguió representándose durante nueve meses con el siguiente reparto: Gaye (Apolo), el rey (Baco), Arnoul (Pan) en el prólogo, Beaumavielle (Jobate, rey de Licia), Mlle Saint-Christophle (Sthénoboée, viuda de Praetus, rey de Argos), Mlle. Aubry (Philonoé, hija de Jobate), Clédière (Belerofonte), Nouveau (Amisodar), el rey (La Pithie), Mlle. de La Prée (Pallas), Pulvigny (Un sacerdote). El éxito fue tal que Lully decidió hacer imprimir por primera vez una partitura suya en la prestigiosa imprenta C. Ballard.

• Il Bellerofonte (título original en italiano; en español, Belerofonte) es una ópera seria en tres actos con música de Josef Mysliveček y libreto en italiano de Giuseppe Bonecchi, basado en el mito griego de Belerofonte. Se estrenó en el Teatro de San Carlos de Nápoles el 20 de enero de 1767. La ópera fue un encargo para festejar el cumpleaños del rey de España Carlos III y fue precedida en la representación de una cantata compuesta por el mismo compositor. El éxito obtenido en el Teatro San Carlos llevó a posteriores representaciones, entre las cuales destacan la de 7 de mayo de 1767 en Siena y la del año 1768 en Praga, la cual glorificó Mysliveček como compositor de fama incluso en su ciudad natal. Entre los cantantes de la época que destacaron con este trabajo se recuerdan a Anton Raaff y Caterina Gabrielli. La primera y única grabación de esta ópera se produjo en el año 1987 bajo Zoltan Pesko con el Coro Filarmónico Checo y de la Orquesta de Cámara de Praga.

Portada del libreto para su representación en Siena, 1767

Mitos: Las hazañas de Belerofonte (I)

Belerofón o Belerofonte, también Belerofontes era un héroe de la mitología griega, cuyas mayores hazañas fueron matar a la Quimera y domar al caballo alado Pegaso. Era el hijo del rey Glauco de Corinto y de Eurímede, aunque algunas tradiciones le hacen hijo de Poseidón y Eurínome.

Quimera. Cerámica. Plato de figura rojas, Apulia,  350-340 a. C.
Museo del Louvre, París, Francia

Su nombre original era Hipónoo o Leofontes, sin embargo se lo cambió por el de Belerofonte (que significa “asesino de Belero”) después de haber matado accidentalmente a un tirano de Corinto llamado Belero. En otras versiones, mató accidentalmente a un hermano suyo a quien se le llama Deliades, Pirén o Alcímenes.

Cuando involuntariamente mató a su hermano, abandonó Corinto y se dirigió como suplicante, para purificarse, a la ciudad de Tirinto, a la corte del rey Preto. El rey Preto acogió a Belerofonte como huésped y lo purificó. La esposa del rey, llamada Estenebea (o Antea según otras fuentes) se enamora de él y trata de seducirlo, pero Belerofonte se niega a sus deseos.

Estenebea, ofendida, para vengarse por este desaire lo acusa falsamente de intentar seducirla o violarla. El rey de Tirinto se pone furioso creyendo verdadera la historia de Estenebea, pero no queriendo faltar a las sagradas leyes de la hospitalidad con la muerte directa de un huésped, encarga a Belerofonte llevar una carta sellada de recomendación, según dice, a su suegro el rey Ióbates (o Yóbates) de Licia, padre de Estenebea. En la carta, en realidad, le pedía al rey Iobates que diera muerte a Belerofonte.

Desconociendo las intenciones de Preto, Belerofonte llega a Licia. El rey Ióbates dispensó una afectuosa acogida a Belerofonte, con grandes muestras de hospitalidad. Los primeros nueve días se la pasaron en festejos. En la mañana del décimo día, el rey Ióbates abrió la carta que le entregara su huésped.

Para cumplir el encargo pidió como servicio a Belerofonte matar a la Quimera con la esperanza de que la fiera acabara con él. La Quimera era hija de Tifón y Equidna o de la Hidra de Lerna y tenía cabeza de cabra que exhalaba fuego, cuerpo de león y cola de dragón.

La fiera asolaba los fértiles campos y devoraba el ganado. Antes de emprender esta difícil tarea, Belerofonte consultó al adivino Poliido, quien le aconsejó capturar al caballo alado Pegaso. Pegaso era querido por las musas del monte Helicón, ya que con un golpe con su pata había hecho brotar la fuente de agua Hipocrene de la tierra.

Belerofonte no encontró a Pegaso en el monte Helicón, sino en la fuente Pirene en la Acrópolis de Corinto. La diosa Atenea entregó a Belerofonte una brida de oro para domarlo, y que Belerofonte colocó sobre su cabeza. En otras versiones, Atenea le entregó directamente a Pegaso después de haberlo domado ella misma o fue Poseidón el que le entregó a Pegaso.

Alexander Andreyevich Ivanov: Belerofonte es enviado a matar a la Quimera, 1829. 

Una vez armado se dirigió a confrontar a la Quimera. Montó a Pegaso y volando sobre la fiera, empezó a lanzarle flechas. Luego, introdujo la punta de su lanza en las fauces del monstruo, cuyo aliento de fuego fundió la punta de plomo; este se escurrió por su garganta, quemando los órganos vitales y de esta manera Belerofonte logró vencerla.

Tras ello, Ióbates le encargó combatir a los sólimos, unos vándalos que asaltaban la zona y cometían vandalismo, y posteriormente contra las Amazonas, las mujeres guerreras. Ambas empresas fueron realizadas por Belerofonte satisfactoriamente. Aún quiso matarle Ióbates a pesar de todo y preparó una emboscada contra él, enviando a sus mejores hombres, pero Belerofonte mató a todos. Finalmente Ióbates ofreció a su propia hija como esposa a Belerofonte y tuvieron tres hijos: Laodamía, Isandro e Hipóloco.

En algunas tradiciones, Antea se suicidó tras conocer la boda de Belerofonte. En otra tradición, él decidió hacerla pagar por su traición, por lo que fingió estar enamorado de ella y así la convenció de huir con él hacia Tirinto. Volando sobre el lomo de Pegaso, Belerofonte se encaminó hacia el mar y empujó a Antea a las aguas, quien cayó sobre las rocas de la costa.

Belerofonte matando a la Quimera. Escena pintada en el final
de una epinetron ático, alrededor de 425 a 420 a. J-C.

Belerofonte fue luego odiado por los dioses por motivos desconocidos y en cierta ocasión quiso llegar al Monte Olimpo montado sobre Pegaso. Sin embargo, el dios Zeus no fue tomado por sorpresa y clavó un aguijón en Pegaso por lo que logró enfurecerlo. Belerofonte no pudo tranquilizar al caballo y esto provocó que su jinete perdiera el equilibrio y se precipitase al vacío.

Según una tradición, Belerofonte logró sobrevivir la caída. Sin embargo, quedó cojo o ciego y terminó vagando por la llanura Aleya. Pegaso, por su parte, se remontó hacia el cielo donde se inmortalizó como una constelación. En otra versión, Belerofonte se precipitó al suelo por vértigo o terror y murió en la caída.

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Epinetrón: Aunque con forma de vaso, se trata de un utensilio de terracota cuya forma de teja terminada en un cascarón obedecía a un uso preciso. Estaba hecho para cubrir la rodilla, y servía para hilar la lana enrollada en la parte superior del mismo que no estaba decorada.

Epinetrón  de Eretria, escenas de gineceo, 430 a. C.

Se colocaba tal como muestra el dibujo: 

Fuente:

Pablo Soriano (2000). La mediación figurativa como Historia del Habitar público y privado. Vol. II. Nobuko: Argentina, pág. 200.

Profesora Adriana Assandri. Escultura y Pintura Griega. St. Brendan’s School. Presentación Powerpoint.

(cont.)

Mitos: La desgracia de Hipólito

En la mitología griega, Hipólito (en griego antiguo, Ἱππόλυτος: Hippólutos; de «ἵππος» - «híppos»: «caballo» - y «λύειν» - «lúein»: «desatar», "el que desata a los caballos", lo que equivale a guerrero; también "el destrozado por los caballos", debido a su trágica muerte) es hijo de Teseo y la amazona Antíope, aunque otras versiones sugieren como su madre a Melanipa o a Hipólita.

Hipólito, gran amante de la caza y las artes violentas, veneraba a la diosa virgen de la caza Artemisa y detestaba a la diosa del amor Afrodita. Ésta, en venganza, dispuso que la madrastra del joven, Fedra, se enamorara locamente de él. 

Fedra, era hija del rey Minos de  Creta, le envió una carta a Hipólito, confesándole su amor, pero él fue a verla para reprocharle su pasión incestuosa, Cuando se dio cuenta que la estaba rechazando, Fedra, se enfureció y gritó, acusándole de atacarla. Desesperada se ahorcó, dejando una nota en la que acusaba a Hipólito de unos crímenes terribles.

Al leer la nota Teseo, se volvió en contra de su hijo y le pidió al dios del mar, Poseidón, que lo castigara por las supuestas ofensas que había cometido. Así, un día que Hipólito iba en su carruaje, Poseidon le envió una enorme ola que cubrió a sus caballos, matando a Hipólito al instante.

Jean-Baptiste Lemoyne: La muerte de Hipólito, 1715.
Mármol. Museo del Louvre, Paris, Francia

Según leyendas posteriores, Artemisa, entonces, rogó a Asclepio resucitar al joven, que fue transportado por la propia diosa a su santuario de Aricia (Italia) y fue identificado como Virbio, compañero de la diosa, alrededor del cual se creó un mito a la castidad.

El mito en:

La literatura

La primera mención literaria de Fedra la encontramos en Odisea, XI, 321. También parece que hablaban de ella los Cantes Naupactios, poema épico posthomérico.

La historia fue inmortalizada por Eurípides en su tragedia Hipólito velado (Hippólytos kalyptómenos, 423). Y sobre todo, en Hipólito coronado (Hippólytos stephanephóros), que fue estrenada en las Dionisias de Atenas el 428 a. C. y ganó el primer premio como parte de una trilogía.

En una obra de Sófocles, que no se ha conservado, y otra de Licofrón, que tampoco ha sobrevivido.  

Ovidio también habló de ella en Las metamorfosis, poema en quince libros que narra la historia del mundo desde su creación hasta la deificación de Julio César, combinando con libertad mitología e historia. Fue terminado en el año 8 d. C. Y en las Heroidas (Heroides) o Cartas de las heroínas (Epistulae heroidum) es uno de los poemas elegíacos que compuso Ovidio antes de su destierro, concretamente en su Heroida IV. 

Cubierta de la edición de 1632 de George
Sandys de Las metamorfosis de Ovidio.

Séneca, eescribió una Fedra, basada en las obras de Eurípides.

Jean Racine, escribió una tragedia basada en el mito con el título de Fedra. 

Edición de 1678

Miguel de Unamuno también escribió en 1910 una obra de teatro en tres actos, Fedra, estrenada en el Ateneo de Madrid el 25 de marzo de 1918.

La pintura

Pierre-Narcisse Guerin: Fedra e Hipólito, 1802.
Óleo sobre lienzo.Museo del Louvre, París, Francia

Lawrence Alma-Tadema: La muerte de Hipólito, 1860.
Óleo sobre lienzo. Colección privada.

Alexandre Cabanel: Fedra, 1880. Óleo sobre lienzo.
Museo Fabre, Montpellier, Francia

La opera

En 1661 Vanarelli compuso la obra titulada Fedra, una ópera, sobre un libreto de D. Motio.

Philippe Rameau, uno de los grandes compositores franceses (1683-1764), compuso un drama lírico, dividido en cinco actos y un prólogo, que se estrenó en 1733, titulado Hippolyte et Aricie, basado en la obra de Racine.

Christophe W. Gluck estrena en el mismo Milán en 1744 un Hippolito con libreto de Gorini.

Giovanni Paisielio (1741-1815), que alcanzó gran celebridad con el Barbero de Sevilla, escribió también una Fedra sobre un libreto de A. Saivioni, Nápoles, 1787.

En 1895 surge la Fedra de M. Federmann sobre un libreto de E. Pohí.

Phaedra (título original en alemán) es una "ópera de concierto" en dos actos con música de Hans Werner Henze y libreto en alemán de Christian Lehnert, basado en el mito de Fedra. Se estrenó en la Ópera Estatal de Berlín el 6 de septiembre de 2007.

Fuentes:

Gallardo, M. D. (1973). Análisis mitográfico y estético de la Fedra de Séneca. Cuadernos de Filología Clásica, Vol. V. Universidad Complutense de Madrid.

Wilkinso, P. y Philip. N. (2008): Mitología. Madrid: Espasa.

Mito: Historia de amor de Acis y Galatea

Galatea (en griego antigua, Galateia, ‘blanca como la leche’), era una nereida (ninfa del mar, una de las cincuenta hijas de Nereo y de Doris y hermanas del apuesto Nerites), que despuntaba entre todas por su hermosura y su cuerpo albino como la espuma de las olas. Ella, estaba prendada de Acis, el cual era un joven pastor de la isla de Sicilia, que se acercaba todas las tardes a la orilla del mar para ver y hablar con la hermosa Galatea.

Nicolas Poussin: Acis y Galatea, 1627-1628. Óleo sobre lienzo.
National Gallery, Dublín, Irlanda 

Pero un día, el cíclope Polifemo, que en la mitología griega era conocido como el cíclope mas célebre, hijo de Poseidón y de la ninfa Toosa que se le conocía como gigante con barba con un solo ojo en la frente, se enamoró de ella, pero ella como estaba enamorada del joven Acis, no le hacía el menor caso. Pero el gigante, estaba convencido de que a él tenía que corresponderle el amor de la hermosa Galatea, es por eso que el gigante, cuido todo su cuerpo, para así dejar atrás su mal aspecto y conquistar a Galatea. Se arreglaba la barba cada día, y se peinaba su tosca cabellera, recorría valles y montañas cantando dulces canciones para su amada.

Édouard Zier: Acis y Galatea escondiéndose de Polifemo, 1877

Una tarde, el joven Acis y Galatea estaban sentados en la orilla del mar cogidos de la mano, mirándose con ternura, y hablando amorosamente, entonces Polifemo que pasaba por ahí los vio con su único ojo, y en un ataque de celos, arranca un enorme peñasco y lo lanza sobre Acis aplastándolo sobre la arena de la playa. Galatea, triste, hace mezclar sus lágrimas con la sangre de Acis, y hace que fluyan juntas para toda la vida, así creando el río Acis, que recorre la isla de Sicilia. Pero Polifemo también se siente desolado, ya que se da cuenta que no ha conseguido nada matando a su rival, solamente perder para siempre a su amada, entonces decide recluirse de por vida en su caverna de la montaña. Ahí, pasa horas y horas pensando y entristecido, hasta el punto que solo sale ha pastar sus ganados. 

Rafael Sanzio: El triunfo de Galatea, 1511. Fresco. Villa
Agostino Chigi, hoy conocida como Villa Farnesina, Roma, Italia

El mito de Galatea y Acis en el arte:

Literatura:

• La Galatea (1585), novela pastoril de Miguel de Cervantes.

Primera página de la primera edición de la obra

• Luis de Góngora: Fábula de Polifemo y Galatea, 1612. Poema de Luis de Góngora. Publicado en 1612, recrea la historia de Polifemo, hijo de Poseidón, narrada en La Odisea.

(...) De este, pues, formidable de la tierra

Bostezo, el melancólico vacío

A Polifemo, horror de aquella sierra,

Bárbara choza es, albergue umbrío

Y redil espacioso donde encierra

Cuanto las cumbres ásperas cabrío,

De los montes esconde: copia bella

Que un silbo junta y un peñasco sella (...)
(...) Sus miembros lastimosamente opresos
del escollo fata fueron apenas,
que los pies de los árboles más gruesos
calzó el líquido aljófar de sus venas.
Corriente plata al fin sus blancos huesos,
lamiendo flores y argentando arenas, 
a Doris llega, que con llanto pío, 
yerno lo saludó, lo aclamó el río (...)

Anibal Carracci: Polifemo y Galatea,1605. Fresco.
Palacio Farnesio, Roma, Italia.

• Tristan L'Hermite: La Lyre, 1641. Colección de poemas. 
• Jean-Pierre Claris de Florian, Galatée, 1783, cuento en verso, algo parecido a la Galatea de Cervantes.
• Albert Samain: Aux flancs du vase, suivi de Polyphème et de Poèmes inachevés, 1902.

Música:

• Jean-Baptiste Lully: Acis y Galatea, 1686. Es una ópera en forma de «pastoral heroica» con música de y libreto en francés de Jean Galbert de Campistron basado en la leyenda de Acis y Galatea tal como se narra en Las metamorfosis de Ovidio. Se estrenó ante el Gran Delfín en el Château d'Anet el 6 de septiembre de 1686 (sin maquinaria escénica) y posteriormente en la Académie Royale de Musique el 17 de septiembre de 1686.
• Antonio de Literes, Acis y Galatea, zarzuela, 1708, dividida en dos jornadas. Estrenada el 19 de diciembre de 1708 en el Coliseo del Buen Retiro de Madrid.

• Georg Friedrich Händel: Acis, Galatea y Polifemo, 1708. Cantata dramática o serenata. El libreto está escrito en italiano por Nicola Giuva, secretario privado y asesor de literatura de la Duquesa. Händel terminó el puntaje el 16 de junio de 1708 y se estrenó el 19 de julio de ese año en Nápoles.
• Georg Friedrich Händel: Acis y Galatea, 1718. con un texto en inglés de John Gay. La obra se ha descrito de diversas maneras como una serenata, una mascarada, una pastoral u ópera pastoral, una "pequeña ópera" (en una carta del compositor mientras la escribía), un entretenimiento y en The New Grove Dictionary of Music and Musicians un oratorio.

Pintura:

Jean-François Perrier, Acis y Galatea evitando la mirada de Polifemo, entre 1645 y 1650. Óleo sobre tela, Museo del Louvre, París, Francia.

• Charles de la Fosse, Acis y Galatea, entre 1699 y 1704. Óleo sobre lienzo. Museo Nacional del Prado, Madrid, España.

• Claude Lorrain, Paisaje costero con Acis y Galatea, 1657. Óleo sobre lienzo. Gemäldegalerie Alte Meister Dresden, Alemania. 

 

• Antoine-Jean Gros: Acis y Galatea (detalle), 1833. Óleo sobre lienzo. Chrysler Museum of Art, Norfolk, Estados Unidos.

• Salvador Dalí: Galatea de las esferas, 1952. Óleo sobre tela. Teatro-Museo Dalí, Figueras, Gerona, España. 

Escultura:

• Auguste Ottin: Polifemo sorprendiendo a Galatea en los brazos de Acis, 1886. Bronce, mármol blanco y piedra. Fontaine Médicis, Paris, Francia.

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Aljófar: perlas pequeñas parecidas a las gotas de rocío.