David Bowie, diez años después de su muerte

David Bowie falleció el 10 de enero de 2016, dos días después del lanzamiento de
su último álbum, Blackstar. Dejó una discografía excepcional que, diez años después, reescuchamos con auténtico placer.

Murió como vivió, en un espectáculo extravagante y meticulosamente coreografiado, que lo vio lanzar su último álbum, Blackstar, pocos días antes. También puso fin a una carrera multifacética que lo llevó del folk al glam, luego al soul, al industrial, al drum and bass… Aquí están las treinta temas más memorables de una discografía sin igual.

1. Space Oddity (1969)
2. The Man Who Sold the World (1970)
3. The Supermen (1970)
4. Life on Mars? (1971)
5. Oh! You Pretty Things (1971)
6. Starman (1972)
7. Suffragette City (1972)
8. Ziggy Stardust (1972)
9. Rock 'n' Roll Suicide (1972)
10. Moonage Daydream (1972)
11. Five Years (1972)
12. Lady Stardust (1972)
13. Changes (1972)
14. 
    Aladdin Sane (1973)
15. The Jean Genie (1973)
16. Diamond Dogs (1974)
17. Rebel Rebel (1974)
18. Young Americans (1975)
19. Golden Years (1976)
20. Station to Station (1976)
21. Heroes (1977)
22. Sound and Vision (1977)
23. Boys Keep Swinging (1979)
24. Ashes to Ashes (1980)
25. Fashion (1980)
26. Let's Dance (1983)
27. Modern Love (1983)
28. China Girl (1983)
29. Lazarus (2015)
30. Tis a Pity She Was a Whore (2016)

¿Qué tal tus vacaciones? - De película... (Final) (I)

Que la vuelta sea leve, divertida y sostenida. Descubre la banda de Rock más descarada y talentosa del momento. Sueña y alcanza tus propósitos de la mano de Jon Segovia. Sorpréndete con la delirante autobiografía del cómico Lenny Bruce o atrévete con la montaña rusa emocional de Bruna.

Måneskin. Nosotros somos el rock

Monografía

Guía Cortassa, Sara Rotlich

Traducción de Diego Álvarez

Dibbuks

2024

41 págs. 

Excesivos y descarados, Måneskin es el retrato de una generación cosmopolita y sin etiquetas claras, dispuesta a ocupar su propio espacio sin necesidad de transigir. Desde tocar en las calles del centro de Roma hasta abrir el concierto de los Rolling Stones en el estadio Allegiant de Las Vegas, la historia de Måneskin es una historia de determinación y éxito. Este libro, tanto para los fans como para los que no lo son, cuenta la historia de la banda que ahora encabeza las listas de éxitos en todo el mundo.

CONTENIDO

Thi s is Måneskin

En Las Vegas con The Rolling Stones

Factor X

De Roma a Las Vegas

«Zitti e buoni»

De Il ballo della vita a Teatro dŽira: Vol. I

13-07-24

¿Dónde está Måneskin?

En el estudio con Iggy Pop

De vuelta a casa

El amor nunca se equivoca

¿Dónde está Måneskin? Soluciones

¡Colorea!

Muerte de Françoise Hardy, un ícono popular siempre esquivo

La cantante falleció este martes 11 de junio de 2024, a los 80 años, anunció su hijo Thomas Dutronc. Había nacido en París el 17 de enero de 1944. Musa de la juventud yéyé de los años 1960, siguió su carrera de forma instintiva, sin fracasar nunca. Además de su francés nativo, también cantó en inglés, italiano, alemán y español. Su carrera abarcó más de cincuenta años y publicó más de treinta álbumes de estudio.

Francoise Hardy, hacia 1970

El transatlántico Francia cruzaba el Atlántico, los reclutas regresaban de Argelia, Marilyn Monroe seguía mostrando su sonrisa muy vivaz. Era la época del verano, del amor, de los amigos y de las vacaciones estivales. Una parisina de 18 años, que había cambiado sus estudios de alemán para matricularse en el Pequeño Conservatorio de Mireille, lanzó un disco de 45 rpm. Cuatro títulos, como era costumbre entonces, entre ellos una balada de amor escrita y compuesta por ella, demasiado triste a priori para agradar. Pronto, el programa Hello Friends de Europa 1 se vería abrumado por el correo de oyentes entusiasmados. 

Sus canciones con un aire muy melancólico y refleja las dudas, interrogantes y angustias que le despiertan los tormentos de las relaciones sentimentales y la nostalgia en general.

Tina Turner, un destino de rock et de resistencia

Famosa tanto por su poderoso busto y su obra escénica como por su itinerario de pruebas, coraje y renacimiento, la cantante de múltiples éxitos falleció el miércoles 24 de mayo a los 83 años.

Tina Turner, una voz... y de atuendos locos

En la historia del rock, las historias trágicas de destinos rotos son legión. También hay viajes extraordinarios, hechos de superación de uno mismo y lucha incansable contra la adversidad, que terminan en final feliz. La de Tina Turner, fallecida recientemente, fue una de las más formidables y emblemáticas. Porque este no es el itinerario de una niña mimada por la vida y finalmente salvada por el reconocimiento de su talento.

Nacida pobre, negra, en un rincón perdido de Estados Unidos, padre y madre a veces violentos, pronto ausentes, Tina Turner tuvo la ambigua suerte de ser mujer. Víctima de un universo masculino, y en particular de un hombre brutal y dominante, logró emanciparse, y todos los que sufrieron, quisieran ella o no, pudieron encontrarse en esta figura liberadora. A la vez, bomba sexual encarnada, excitando a los lobos de Tex Avery con sus atuendos y su sugerente actuación escénica, e ícono supremo de las feministas, por el abuso duradero y el coraje que tuvo un día para decir basta.

Sara Loísta Vaughan

El día 3 de abril de 1990, en Los Ángeles, Estados Unidos, falleció la estelar intérprete del jazz Sarah Loista Vaughan, conocida como Sarah Vaughan y apodada Sassy y La Divina, fue una cantante estadounidense de jazz. Junto con Billie Holiday y Ella Fitzgerald, está considerada por muchos como una de las más importantes e influyentes voces femeninas del jazz y latín Jazz.

Considerada por críticos especializados como "Una de las voces más maravillosas del jazz en el Siglo XX". Nacida del matrimonio entre Asbury Vaughan -carpintero de profesión que tocaba la guitarra y el piano- y Ada Vaughan -lavandera y corista de iglesia-, se inscribe en el reino de la música tomando clases de piano a los siete años de edad, y cantando en el coro de la iglesia. Cuando no había cumplido la mayoría de edad, quiso inmiscuírse de manera velada en la vida musical nocturna que ambientaba a la ciudad de Newark actuando como pianista y cantante ocasional, hasta saltar a la ciudad de Nueva York con 18 años de edad, debutando oficialmente con la Big Band del pianista Earl Hines acompañada por el barítono Bill Eckstine, con quienes recorre buena parte del territorio americano. Posteriormente, al independizarse Eckstine, la recluta para su nuevo proyecto orquestal brindándole su primera oportunidad para plasmar su voz en una grabación. 

Ya reconocida ante todos como "Sassy" inicia en 1945 su carrera como solista, aunque sin perder el contacto con Eckstine. Inicialmente se lanzó como "freelance" en clubes de la Calle 52 en Nueva York, grabó algunas piezas en quintetos con la dupla Gillespie-Parker. Grabó con Mercury Records, con Roulette Records, tras una parada en la década de 1960 regresó en los años 1970 grabando para Mainstream Records, Pablo Records, y varias apariciones en importantes presentaciones y actuaciones en la televisión. 

La voz de Vaughan se caracterizó por su tonalidad grave, por su enorme versatilidad y por su control del vibrato; su tesitura, similar a la de una cantante de ópera, le permitía saltar del registro grave al de soprano con gran facilidad. Sarah Vaughan fue una de los primeras vocalistas en incorporar el fraseo del bebop a su canto, situándolo además, en su caso, al nivel de instrumentistas de la talla de Charlie Parker y Dizzy Gillespie. Sus capacidades más destacadas son su inventiva armónica y su alto sentido de la improvisación. A lo largo de los años, su voz se fue haciendo más oscura, aunque no llegó a perder nunca su poder y su flexibilidad. Fue también una maestra en el scat.

La época de los años 1980 fue recogiendo numerosos premios y condecoraciones por su trayectoria, por su capacidad de improvisación y particular voz que sin problema se podía modular entre una voz operática y una voz soprano. "The Divine One" como fue reconocida, había nacido el 27 de marzo de 1924, en la localidad estadounidense de Newark, ubicada en el estado de New Jersey. Su padre era un carpintero que solía tocar la guitarra en sus tiempos libres mientras que su madre era lavandera y cantaba en una iglesia bautista, lugar en donde Sarah dio sus primeros pasos como cantante y organista, después de estudiar piano desde los siete años de edad.

Miguel de Molina

El 10 de abril de 1908 nació en Málaga el cantante español Miguel de Molina, un nombre unido a la leyenda de la copla que popularizó temas como El día que nací yo, Triniá, Te lo juro yo, La bien pagá y Ojos verdes. No fue un cantante de voz extraordinaria ni grandes facultades, pero impuso su personalidad, su estilo, su estética. Sin duda, el mejor de los cancioneros, cuyas interpretaciones, la mayoría marcadas por una teatral afectación, han sido imitadas por algunos y algunas. Su condición de republicano y homosexual le obligó a exiliarse tras la guerra civil en Buenos Aires, invitado por Eva Perón.

En 1957 vuelve brevemente a España. En 1958 actúa en el filme Luces de candilejas, dirigida por Enrique Carreras. Ya en 1960, a los 52 años, decide terminar con su carrera artística. Fija temporalmente su residencia en Nueva York. Fue un ser honesto y estricto, a la vez que eficiente y profesional. En su exilio era renuente a conceder entrevistas a periodistas de medios españoles.​ En sus espectáculos él mismo cuidaba hasta el mínimo detalle, empezando por el marketing y la publicidad.

En 1992 el gobierno español le nombró caballero de la Orden de Isabel la Católica, reconociendo su contribución personal al mundo del arte en España. Falleció en Buenos Aires, a la edad de 84 años, el 4 de marzo de 1993. Fue enterrado en el porteño cementerio de la Chacarita, en el nicho N.º 397 del Panteón de la Asociación Argentina de Actores.

Evidenció su amor por Argentina en su poema «Yo te adoro Buenos Aires»:

La película Las cosas del querer —dirigida por Jaime Chávarri en 1989 e interpretada por Manuel Bandera, Ángela Molina y María Barranco— es una versión libre basada en su vida. Resultó un éxito de taquilla. En 1995 se hizo una segunda parte, también dirigida por Jaime Chávarri, cuya acción transcurría en Argentina. Según se desprende del libro Botín de guerra, donde se reúnen textos escritos por Miguel de Molina, la producción de la película no le pagó derechos por utilizar —de manera libre— su historia personal.

En 2007 se estrenó Ojos verdes, Miguel de Molina in memoriam, una obra de teatro dirigida por Marc Sambola y Marc Vilavella y protagonizada por Vilavella, que recrea la vida del cantante y reivindica el género de la copla.

En marzo de 2009 su original y rico vestuario, que por lo general él mismo había diseñado, fue objeto de una exposición montada por sus herederos en Madrid.

En marzo de 2011, esta retrospectiva de Miguel de Molina, que reúne más de un centenar de piezas originales del artista, entre vestuario, archivo gráfico, carteles de teatro y de cine se presentó en el Centro Cultural Recoleta de Buenos Aires, Argentina, contando con la visita de centenares de personas.

En 2014, el presentador de televisión Jorge Javier Vázquez produjo la obra de teatro Miguel de Molina al desnudo. La pieza fue escrita e interpretada por el actor y cantante Ángel Ruiz.

Teresa Berganza

Teresa Berganza Vargas (16 de marzo de 1933 - 13 de mayo de 2022) fue una mezzo-soprano española. Ella está más estrechamente asociada con papeles como Rosina y La Cenerentola de Rossini, y más tarde Carmen de Bizet, admirada por su virtuosismo técnico, inteligencia musical y seductora presencia escénica. Berganza fue una cantante clave en un renacimiento de Rossini que exploró óperas menos interpretadas y restauró los papeles principales en mezzo regist. Ella apareció como Zerlina en la película Don Giovanni de Joseph Losey en 1979. Participó en la ceremonia de apertura de la Expo '92 en Sevilla y de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992 en Barcelona.

Teresa Berganza nació en Madrid el 16 de marzo de 1933. Estudió piano y voz en el Real Conservatorio de Madrid, voz con Lola Rodríguez Aragón, donde fue galardonada con el primer premio de canto en 1954. Hizo su debut en un concierto en Madrid en 1955.

Berganza hizo su debut operístico como Dorabella en Cos ì fan tutte de Mozart en 1957 en el Aix-en-Provence Festival. Ese mismo año, hizo su debut en La Scala. Ella apareció por primera vez en el Festival Glyndebourne en 1958, como Cherubino en Le nozze di Figaro de Mozart, y más tarde también en el papel principal de La Cenerentola de Rossini. En 1959, Berganza hizo su primera aparición en la Royal Opera House como Cherubino, y al año siguiente actuó allí como Rosina en Il barbiere di Siviglia de Rossini, que se convirtió en uno de sus papeles principales. Lo repitió en la Opernhaus Zúrich, donde regresó en 1979 como Charlotte en el Werther de Massenet.

Ella apareció en los Estados Unidos por primera vez en 1958, en la Ópera de Dallas como Isabella en L'italiana de Rossini en Algeri y luego como Neris en Médée de Cherubini junto a Maria Callas en el papel principal. En 1967, hizo su debut en la Ópera Metropolitana, nuevamente como Cherubino, dirigida por Nikolaus Lehnhoff en su debut en casa, y dirigida por Joseph Rosenstock, junto a Cesare Siepi como Figaro, Mirella Freni como Susanna, Tom Krause y Pilar Lorengar como la pareja Almaviva. Regresó para Rosina al año siguiente, primera en una actuación de transmisión dirigida por Richard Bonynge, junto a Mario Sereni como Figaro, Luigi Alva y Fernando Corena como Bartolo. Un crítico del New York Daily News señaló:

Pero el resurgimiento se distinguió realmente por la presencia de Teresa Berganza como Rosina. La mezzo-soprano española no había cantado el papel con la compañía antes, aunque ha sido una conocida recitalista aquí, y su manera con la música de Rossini es muy admirada. Ella es sin duda la Rosina más encantadora en el Met desde su compatriota Victoria de los Ángeles. Al igual que ella, canta la música en el bajo tono, lo que la hace mucho más atractiva para el oído que el constante canto de sopranos de coloratura a la que se suele someter. Corta y oscura, si no exactamente pequeña, Miss Berganza es bastante encantadora de mirar, una actriz agradable si no volátil, y una cantante de gran estilo y habilidad. Ella encendió el escenario cada vez que estaba en él, sin hacer ningún intento de hacerlo.

Berganza fue un cantante principal para el renacimiento de las óperas de Rossini, devolviendo los papeles al registro inferior original según ediciones críticas de Alberto Zedda, promovido por directores como Claudio Abbado y Charles Mackerras.

Berganza apareció en el Festival de Edimburgo de 1977 como Carmen de Bizet, dirigido por Abbado, considerada como uno de sus mayores éxitos en el escenario, y repitió el papel en la Ópera de París. Retrató al personaje con inteligencia, cantando la Habanera con la flexibilidad de un cantante lieder, y cambios abruptos en timbre y dinámica, aparentemente dirigiéndose a la multitud pero significando una persona, en un tono provocadormente ligero demostrando superioridad.

Como recitalista, Berganza hizo su debut en el Carnegie Hall en 1964. Su repertorio incluye canciones españolas, italianas, francesas, alemanas y rusas. De 1957 a 1977, Berganza se casó con el compositor y pianista Félix Lavilla, quien la acompañó en recitales y grabaciones. La pareja tuvo tres hijos, incluyendo a la soprano Cecilia Lavilla Berganza. Presentó canciones de España, desde cantigas medievales de la época de Alfonso X de Castilla hasta miniaturas de Manuel de Falla y Enrique Granados.

Para la inauguración del Auditorio Nacional de Música de Madrid, actuó en Atlántida de De Falla junto a Montserrat Caballé y Vicente. Participó en el concierto para la apertura de la Ópera Bastilla en París el 13 de julio de 1989. En 1992, Berganza participó en la ceremonia de apertura de la Expo '92 en Sevilla y en la ceremonias de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano 1992 en Barcelona.

La carrera teatral de Berganza terminó en 2008. Enseñó canto por última vez en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, continuó interpretando música de compositores españoles y dio clases magistrales en todo el mundo. Entre sus estudiantes se encuentran María Bayo, Jorge Chaminé y Alicia Nafé.

Berganza falleció el 13 de mayo de 2022 en San Lorenzo de El Escorial a los 89 años.

Berganza apareció en nueve películas, incluyendo Il barbiere di Siviglia en 1972, como Zerlina en Don Giovanni de Joseph Losey en 1979, y tanto Werther como Carmen de Massenet en 1980.

Berganza recibió una Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes del Reino de España el 26 de febrero de 1982. Compartió el Premio Príncipe de Asturias de 1991 con otros seis cantantes españoles. En 1994, se convirtió en la primera mujer elegida para la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1996, fue galardonada con el Premio Nacional de Música. Ella también recibió el Grand Prix Rossini. Fue galardonada con la Dama Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X, el Sabio del Reino de España el 3 de mayo de 2013. Recibió el Premio a la Lifetime Achievement Awards en los International Opera Awards 2018.

Enrico Caruso

Enrico Caruso nació el 25 de febrero de 1873, en Nápoles, en casa de un mecánico
y una limpiadora. Aunque, dado sus orígenes, nada permitía augurarle un futuro musical, su vida empezó a cambiar al entrar al coro del oratorio de su barrio. Su timbre de voz superó el delicado paso a la adolescencia, se fortaleció, y, así, empezó a actuar en algunos de esos teatrillos tan típicos de la ciudad e los Borbones. 

Pero el destino quiso que en 1891, el barítono Eduardo Missino le escuchara cantar en un funeral y decidiera presentárselo al maestro Guglielmo Vergine, que aceptó darle clases de canto. Su debut en un teatro fijo, en el Nuovo napolitano en 1894, fue un fracaso, pero su carrera, lejos de detenerse, siguió su curso, ampliando su repertorio y aceptación en las cercanas Caserta y Salerno, en el Bellini de Nápoles o en Sicilia. 

El siglo XIX tocaba a su fin y Caruso seguía cantando, mientras vivía una historia de amor con la soprano Ada Botti Giachetti, ya casada y madre de un niño. Con ella tendría otros dos, Rodolfo y Enrico, aunque la relación acabaría rota y en un tribunal. El gran paso lo dio en La Scala de Milán en febrero de 1901, al cantar en el concierto por la muerte del maestro Giuseppe Verdi, y después obraría su mayor sueño, debutar en el San Carlo de su ciudad. 

Fue a partir de 1901 cuando Caruso recabó una notable aclamación internacional, lanzándose al mundo anglosajón, con sonoros triunfos en Londres, así como en Lisboa, Buenos Aires, Montevideo y Río de Janeiro, mientras negociaba un contrato con el Metropolitan de Nueva York.

En abril de 1902 el tenor, ya por entonces uno de los más exitosos del mundo, fue de los primeros en predecir las ventajas de las nuevas tecnologías discográficas atreviéndose a grabar su voz en un disco. Y el resultado fue un éxito de ventas. 

Caruso consolida su leyenda y en 1918, con 45 años, se casó con la joven estadounidense Dorothy Benjamin, con quien tuvo una hija, Gloria. Pero pronto llegaría su decadencia en forma de una grave crisis física y psicológica que acercaría su retiro, a pesar de los intentos del mercado y las discográficas por retenerlo, dado su éxito y los teatros que llenaba.

En la Navidad de 1920 Caruso, de vuelta en Italia, fue diagnosticado de enfisema pulmonar, una grave infección, y tuvo que sr operado el 30 de diciembre de aquel año. El 2 de agosto de 1921 moría en la ciudad que lo vio nacer, Nápoles, acompañado de su familia, a la edad de 48 años, dejando para la posteridad el recuerdo del gran tenor de todos los tiempos. 

Hace 30 años, murió Michel Berger: cinco canciones para (re)descubrir este eternamente incomprendido

El 2 de agosto de 1992, Michel Berger murió de un infarto. Si sus canciones han resistido el paso del tiempo, siguen siendo subestimadas en comparación con otros repertorios de la misma época. Y todavía...

“Para entenderme” (1973)

“Para entenderme, tendrías que amarlo más que a mí, y te diría que realmente no lo creo". En 1973, Michel Berger volvió a hablar en solitario (había escrito unos cuantos líneas juveniles intrascendentes) para lamentar la abrupta marcha de Véronique Sanson, que partió sin previo aviso para unirse a su enamorado americano, Stephen Stills, de Crosby, Stills & Nash. El disco se llama Broken Heart, y todo lo que hará de sus futuros éxitos está en este título, Para entenderme: un acorde de piano desgarrador y rítmico, una melodía sentimental, y “ojos tristes y tiernos” para cantarlo. Una desgracia que nunca llegó sola, el disco fue un fracaso.

"Cuando bailamos (en qué estás pensando)" (1974)

Carrera paradójica que la de este hacedor de éxitos para Françoise Hardy, France Gall, Johnny Hallyday, o con la ópera rock Starmania , pero que tardó en encontrar el éxito por sí mismo. Una antología publicada el año pasado (once álbumes de 1973 a 1992 y dos 2 CD de rarezas y bandas sonoras de películas) volvió a poner al intérprete en el centro de atención y recuperó algunas perlas de antes de La Groupie du pianiste. Cuando bailamos (À quoi tu penses), por ejemplo (en el disco Chanson pour une fan, 1974), la quintaesencia del estilo equilibrado de Berger y sus letras lo más sencillas posibles, que algunos consideran tontas, pero cuya fuerza musical ha atravesado épocas y generaciones.

"¿Va a estar allí ?" (1975)

Pero fue con Que l'amour est bizarre (1975), quizás su mejor álbum, que desarrolló su estilo y ritmo. Ya podemos escuchar al que canta en ¿Dónde estás?, también sus famosos contratiempos de batería o piano que devuelven ritmo a las piezas, a la manera de Elton John, su primo inglés, con quien trabó amistad en los años 80. Pero la comparación entre ambos artistas se hace siempre en detrimento del francés. El disco incluye principalmente Will you be there?, una conmovedora dirección a Véronique Sanson, que responderá con otra canción, I'll be there. Los dos artistas no dejarán de intercambiar canciones intercaladas, a lo largo de su carrera.

“La fan del pianista” (1980)

Con Beauséjour, en 1980, Michel Berger finalmente alcanzó un gran éxito, lo que lo colocó definitivamente como un productor estrella de toda la variedad francesa. La Groupie du pianist sigue siendo su canción más escuchada hasta la fecha. Quizá gracias a sus palabras, de una tristeza terriblemente simple que a muchos les parece simplista: "  Ella sabe entender su música / Ella sabe olvidar que existe / La fan del pianista / Pero Dios esa chica se arriesga / Enamorada de un egoísta / La fan del pianista / Ella jode toda su vida / Y toda su vida no es mucho / Qué hubiera podido hacer / Aparte de soñar sola en su cama / Al anochecer entre sus sábanas rosas.»

“El minuto del silencio” (1983)

Un año después, Beaurivage parece el lado oscuro de Beauséjour y no disfruta del mismo éxito. Michel Berger cede a unas facilidades que le llevan por la senda de una variedad cada vez más consensuada, como su próximo disco, Voyou , donde el contraste entre la amabilidad del vocabulario y la dureza de los temas escogidos coquetea con lo risible ("Toca y toca durante horas tus acordes que sueltan / Mandas tu grito de rabia / Me gusta, me gusta tu música de salvajes") -, pero también toca a veces lo sublime, como en su dúo con Daniel Balavoine, El momento del silencio.