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lunes, enero 12, 2026

David Bowie, diez años después de su muerte

David Bowie falleció el 10 de enero de 2016, dos días después del lanzamiento de
su último álbum,
Blackstar. Dejó una discografía excepcional que, diez años después, reescuchamos con auténtico placer.
Murió como vivió, en un espectáculo extravagante y meticulosamente coreografiado, que lo vio lanzar su último álbum, Blackstar, pocos días antes. También puso fin a una carrera multifacética que lo llevó del folk al glam, luego al soul, al industrial, al drum and bass… Aquí están las treinta temas más memorables de una discografía sin igual.
  1. Space Oddity (1969)
  2. The Man Who Sold the World (1970)
  3. The Supermen (1970)
  4. Life on Mars? (1971)
  5. Oh! You Pretty Things (1971)
  6. Starman (1972)
  7. Suffragette City (1972)
  8. Ziggy Stardust (1972)
  9. Rock 'n' Roll Suicide (1972)
  10. Moonage Daydream (1972)
  11. Five Years (1972)
  12. Lady Stardust (1972)
  13. Changes (1972)
  14. Aladdin Sane (1973)
  15. The Jean Genie (1973)
  16. Diamond Dogs (1974)
  17. Rebel Rebel (1974)
  18. Young Americans (1975)
  19. Golden Years (1976)
  20. Station to Station (1976)
  21. Heroes (1977)
  22. Sound and Vision (1977)
  23. Boys Keep Swinging (1979)
  24. Ashes to Ashes (1980)
  25. Fashion (1980)
  26. Let's Dance (1983)
  27. Modern Love (1983)
  28. China Girl (1983)
  29. Lazarus (2015)
  30. Tis a Pity She Was a Whore (2016)

viernes, septiembre 05, 2025

Efemérides: John R. R. Tolkien

John Ronald Reuel Tolkien nació el 3 de enero en Bloemfontein en el Estado Libre de Orange (África del Sur). A principios de 1895, su madre, agotada por el clima, regresó a Inglaterra con Ronald y su hermano pequeño, Hilary. Tras el fallecimiento de su padre, a causa de unas fiebres reumáticas, él y su familia se establecieron brevemente en Sarehole, cerca de Birmingham. Esta hermosa zona rural causó una honda impresión en el joven Ronald, y sus efectos pueden verse en su escritura y en algunos de sus cuadros.
Mabel falleció en 1904, y los hijos quedaron a cargo del padre Francis Morgan, un sacerdote del Oratorio de Birmingham. En el King Edward’s School, Ronald desarrolló su amor por las lenguas; más adelante inventaría sus propios idiomas. También por esta época conoció a Edith Bratt, con quien se casó en 1916.
Cuando estalló la primera guerra mundial en 1914, Ronald era todavía un estudiante en Oxford. Se graduó al año siguiente, con un sobresaliente en Inglés y poco después fue enrolado como teniente en los Lancashire Fusiliers. En 1916 combatió en la batalla del Somme, pero cayó víctima de la fiebre de las trincheras y fue devuelto a casa como no apto para el servicio.
Tolkien fue uno de los mejores filólogos de su época y gran parte de su vida laboral transcurrió en Oxford, primero como profesor de anglosajón y luego como profesor de lengua inglesa y literatura. Al mismo tiempo, en privado, trabajaba en el gran ciclo de mitos y leyendas que más adelante se publicaría con el título de El Silmarillion. Edith y él tuvieron cuatro hijos, y en parte fue para ellos por lo que escribió el cuento El Hobbit, publicado por Allen & Unwin en 1937. Tuvo tanto éxito que el editor quiso tener en seguida una secuela, pero no fue hasta 1954 que apareció el primer volumen de la obra maestra de Tolkien, El Señor de los Anillos, con un éxito inmediato. Su enorme popularidad sorprendió a Tolkien.
Ronald y Edith Tolkien se mudaron a Bournemouth al llegar a la vejez, pero cuando Edith murió en 1971, Tolkien regresó a Oxford. Ronald Tolkien falleció el 2 de septiembre de 1973, tras una breve enfermedad.

miércoles, febrero 19, 2025

Alexéi Navalni, un año después de su muerte

Durante casi tres lustros Alexéi Navalni fue la voz más firme contra la dictadura de Vladímir Putin y la corrupción generalizada del sistema. Perdió la vida hace exactamente un año durante su cautiverio en un complejo penitenciario de máxima seguridad en el Ártico. Todavía no se ha aclarado la causa de su muerte. Ediciones Encuentro ha publicado No tengo miedo, no lo tengáis vosotros, muestra la figura de un hombre comprometido con Rusia y la libertad hasta el punto de sacrificarlo todo. El martes 25 de febrero tendrá lugar en la Fundación Ortega-Marañón Madrid la presentación del libro a cargo del director del Real Instituto Universitario de Estudios Europeos, José María Beneyto y la catedrática de Ciencia Política y exembajadora de Polonia, Anna Sroka.
"POR TU LIBERTAD TENDRÁS QUE PAGAR CON LA VIDA" 
"Querido Alexéi, sé que por tu libertad tendrás que pagar con la salud, la inquietud por tu familia y, a fin de cuentas, con la vida". La advertencia que el activista por los derechos humanos Natan Sharanski hizo a Navalni en una carta fechada el 17 de abril de 2023 se cumplió apenas 10 meses después. Encarcelado desde 2021, pasó sus últimos dos meses de cautiverio en el complejo IK-3, conocido como 'Lobo Polar', en el Círculo Polar Ártico, la prisión más dura de Siberia. El 16 de febrero de 2024 las autoridades rusas informaron de su muerte. El comunicado oficial decía escuetamente: "Se sintió mal y desfalleció".
EL DISIDENTE MÁS CARISMÁTICO    
El calvario de los arrestos, condenas y encarcelamientos comenzó en 2012. Navalni ya se había significado por su activismo político y por denunciar la corrupción generalizada del sistema. En 2013 se presentó a las elecciones a la alcaldía de Moscú y quedó segundo, por detrás del candidato oficialista. Su fama se extendió por todo el mundo debido a sus vídeos documentales sobre la corrupción del primer ministro Medvedev y, en especial, el que dedicó al palacio que Putin se construyó a orillas del Mar Negro. Este vídeo, que grabó con la ayuda de un dron, acumula 130 millones de visitas. Convocaba manifestaciones a las que acudían más de 100.000 personas regularmente.
TRES CONDENAS Y UN ENVENENAMIENTO
Navalni fue condenado tres veces: en 2021 a dos años y medio de prisión; en 2022 a nueve años y en 2023 a 19 años por "extremismo". El 20 de agosto sufre un envenenamiento con un agente tóxico llamado Novichok. Su vida se salva gracias a una intervención médica de urgencia y al tratamiento que recibe en Berlín. Entonces, toma la decisión más importante y heroica de su vida. En lugar de exiliarse decide volver a Rusia sabiendo que solo le esperan cárcel, torturas y probablemente la muerte. "Tengo mi país y mis convicciones y no puedo traicionar ni al primero ni a las segundas. Si tus convicciones valen algo debes estar dispuesto a defenderlas. Y, si es necesario, debes estar dispuesto a aceptar sacrificios", diría tres años después de su regreso.
"CREO EN DIOS, CREO QUE RUSIA SERÁ FELIZ Y LIBRE"
A medida que se endurecen los castigos, Navalni se siente más libre y con menos miedo. En 2023 se publica una entrevista en la que el opositor expone las certezas que le impulsan: "Creo en Dios y en la ciencia. Creo que vivimos en un universo no determinista y poseemos el libre albedrío. Creo que en este universo no estamos solos. Creo que nuestras acciones y nuestras decisiones serán juzgadas. Creo en el verdadero amor. Creo que Rusia será feliz y libre. No creo en la muerte".
LA ALEGRÍA Y EL AMOR
Navalni nunca perdió la sonrisa. Una de las notas características de todos su artículos, cartas e incluso declaraciones ante los tribunales es su sentido del humor. Otro de los rasgos que más le definían es el de ser un hombre profundamente enamorado de su esposa. Las últimas líneas que escribe solo dos día antes de su muerte son para felicitar a su mujer por San Valentín: "Mi pequeña: nos separan ciudades, las luces de despegue de los aeropuertos, tormentas azules y miles de kilómetros. Pero cada segundo te siento cercana y te quiero cada vez más".
LA SEMILLA QUE CAE EN TIERRA
Puede parecer que la muerte de Navalni fue un sacrificio inútil, pero la semilla que cayó en tierra empezó a dar fruto desde el día de su funeral al que acudieron más de 15.000 personas venciendo el miedo a ser fichados por el servicio de seguridad ruso. En los tres días posteriores más de 30.000 llevaron flores a su tumba, un gesto que se repitió en otras 230 ciudades y aldeas de toda Rusia. El movimiento de disenso iniciado por Alexéi Navalni no ha muerto con él. Su figura sigue inspirando la lucha por la libertad y la democracia en todo el mundo.

domingo, julio 28, 2024

Rosario de Velasco, pintora figurativa española (II)

(cont.)
Retorno al orden
La pintura de Rosario de Velasco es un claro ejemplo del “retorno al orden” que se produce en Europa tras la Primera Guerra Mundial y que se singulariza por la vuelta a la figuración y el afán de romper con las primeras vanguardias. Los artistas pensaban que quizás habían ido demasiado lejos; se produce un desencanto y una recuperación del equilibrio paralela a movimientos como la Nueva Objetividad alemana y el Novecento italiano.
La figuración de Rosario de Velasco fue una combinación acertada de tradición y modernidad. En su pintura estaba presente la concepción espacial del Quattrocento, y admiraba a pintores como Giotto, Masaccio, Piero della Francesca, Mantegna, Durero, Velázquez y Goya; pero también se dejó seducir por artistas más vanguardistas, como De Chirico, Braque o Picasso. De este último dijo: “Todos debemos algo a Picasso; él ha sido el puentecito por donde hemos pasado a lo nuevo”.
Cosas (1933)
La muestra abarca una treintena de óleos pintados desde los años 1920 a los 1940 del siglo XX. Son cuadros de gran formato que explican la seguridad en sí misma que la artista confería a sus creaciones, y cómo supo conquistar su sitio en una época en que las mujeres lo tenían más difícil.
Iniciamos el recorrido expositivo con su autorretrato, el retrato de su padre y el de su hermano Luis, reputado tisiólogo. En este último, la artista concibe el espacio a vista de pájaro. Destaca una ventana lateral con vistas al exterior y al fondo una puerta muy velazqueña. Como comenta Estrella de Diego, “Rosario de Velasco tiene algo de Mantegna en su juego perspectivo complejo y difícil”. Una complejidad espacial que también hallamos en la obra de Norah Borges, de Maruja Mallo y de Ángeles Santos. Finalmente, observamos la personalidad del Dr. De Velasco, con su bata blanca, rodeado de los instrumentos de trabajo, y encontramos en él un paralelismo con la Nueva Objetividad y el rol sobresaliente que adquieren los objetos.
Fue tal la importancia de los objetos en este movimiento que, en algunos casos, la materialidad de estos domina todo el lienzo, como podemos ver en Cosas. Es un cuadro pintado en 1933 que mantiene la vista de pájaro y donde el cuadrado inicial es trasmutado en un rombo a base de diferentes planos, muy al estilo cubista.
En El cuarto de los niños (1932-33), la artista es más atrevida, va más allá de sus límites, y los objetos cobran tal fuerza que parecen tener la capacidad de cosificar al niño y convertirlo en máquina o en un pequeño muñeco de madera. Esta tendencia también está presente en Niñas con muñeca (1937), donde se repite ese mismo patrón, pero en la modalidad de retrato.
El paso del tiempo siempre plantea nuevos retos. Rosario deja atrás los principios de la Nueva Objetividad y vuelve la mirada a Italia, tras un viaje a este país. Es el momento referencial del clasicismo del Renacimiento, y más concretamente, del Quattrocento. Un movimiento artístico presente en Maternidad, donde conjuga con acierto el carácter intimista inspirado en Giovanni Bellini y un acentuado claroscuro que destaca la plasticidad de las figuras. Otro buen ejemplo de clasicismo lo tenemos en Lavanderas (1934), un lienzo que evoca La primavera de Boticelli por el movimiento rítmico de la escena. Esta es entendida como una danza en la que cada lavandera tiene su papel –una lava, otra escurre y otra tiende–. El blanco de la ropa es un elemento de unión que cohesiona toda la obra. Por último, destacamos el agua traslúcida que llega a los tobillos, a la manera de Verrocchio en el Bautismo de Cristo.
Lavanderas (1934)
Una temática recurrente en la producción artística de Rosario fueron los motivos bíblicos. En La matanza de los inocentes (1936) destaca por encima de todo el carácter emocional del drama, donde el expresionismo se muestra en su versión álgida. El espacio desaparece y el lienzo es poblado por la gestualidad angustiosa de unas madres protectoras que no quieren perder a sus hijos y lloran enloquecidas por el drama que presienten.
Pero esta tendencia expresionista también pasó, y durante los años 50 y 60 aparecen las máscaras con toda la parafernalia que conllevan. En la muestra se expone Carnaval, un cuadro que se anticipa a este periodo, donde los tres personajes se agrupan en torno a una potente diagonal barroca llena de movimiento que ocupa todo el espacio.
La matanza de los inocentes (1936)
En este recorrido no podían faltar sus trabajos como ilustradora. Una obra gráfica verdaderamente entrañable, llena de belleza y quiebros muy personales, con un dominio del dibujo y una versatilidad de registros, que en ocasiones se acercan a la estética simbolista o al gusto curvilíneo que impuso el modernismo. Entre las ilustraciones destacamos las realizadas para los Cuentos para soñar, escritos por su amiga María Teresa León, o las de los Cuentos para mis nietos, de Carmen Karr.
Rosario de Velasco murió en Sitges el 2 de marzo de 1991, sin saber que aquella niña que de pequeña contemplaba fascinada a sus Lavanderas se empeñaría en rescatar del anonimato a su querida tía abuela.
Dos ilustraciones del libro Cuentos para soñar

sábado, julio 27, 2024

Rosario de Velasco, pintora figurativa española (I)

El Museo Thyssen-Bornemisza inicia su temporada estival con la exposición de la pintora figurativa Rosario de Velasco, una de las grandes artistas olvidadas de la primera mitad del siglo XX. La muestra permanecerá abierta hasta el 15 de septiembre y después viajará al Museo de Bellas Artes de Valencia.
La exposición pretende dar visibilidad y reconocimiento a la artista, cuya obra está presente en los grandes museos estatales. En el Museo Reina Sofía se encuentra uno de los cuadros más famosos de Velasco, Adán y Eva (1932), que ella había titulado Eva y Adán por el papel dominante de la mujer; en el Museo de Bellas Artes de Valencia se exhibe La matanza de los inocentes (1936), un enorme lienzo expresionista pintado donde algunos ven el preludio de la Guerra Civil; Maragatos (1934) se halla en el Museo del Traje, y en el Centro Pompidou de París se encuentra Carnaval (antes de 1936), que evoca las máscaras de James Ensor y la influencia de Maruja Mallo o de José Gutiérrez Solana.
Adán y Eva (1932)
A pesar de este legado museístico, gran parte de la obra de la artista estaba en paradero desconocido y ha sido un verdadero reto encontrarla. Gracias a su nieto Víctor Ugarte Farrerons, tenemos un valioso relato de la abuela lleno de anécdotas y pequeños detalles de familia. Por otra parte, hay que destacar la implicación emocional de su sobrina nieta, Toya Viudes de Velasco (comisaria de la exposición junto con Miguel Lusarreta), quien desde pequeña sintió fascinación por aquel cuadro de Lavanderas que colgaba en una de las paredes de su casa. El enorme lienzo tenía un valor sentimental añadido, ya que fue el regalo de bodas que Rosario había hecho a su hermano Luis (abuelo de Toya) en 1936.
Retrato del doctor Luis de Velasco, ca. 1933
Para entender lo que ha supuesto el montaje de la exposición, que por cierto se ha hecho en un tiempo récord, tenemos que resaltar la generosa respuesta de la campaña lanzada en redes por Toya Viudes para encontrar la obra dispersa de la artista. Se han recuperado muchas obras, aunque algunas estaban mal conservadas y han tenido que ser restauradas para devolverles su luz primigenia.
La tragedia de la guerra
Rosario de Velasco nació en Madrid en el año 1904. Su padre fue un destacado militar, hombre culto al que le gustaba mucho leer, amante del arte y acuarelista; por ello inscribió a sus hijas Rosario y Lola en el taller de pintura de Álvarez de Sotomayor (director del Museo del Prado). De su madre, Rosario Belausteguigoitia, heredó el tesón y el espíritu fuerte, así como una religiosidad profunda que mantuvo a lo largo de su vida. “Era una mujer de misa diaria, tolerante y abierta a la modernidad”, comenta su nieto.
El cuarto de los niños (1932-1933)
Durante la Guerra Civil la artista pasó grandes dificultades que la obligaron a salir de Madrid; fue militante de la Falange y de la Sección Femenina del Movimiento Nacional. Se sabe que le unía una estrecha amistad con José Antonio Primo de Rivera y su hermana Pilar. 
“Vivíamos en una casa grandísima con siete balcones que daban al Paseo de Rosales. De esa casa no queda nada, ya que durante la guerra quedó deshecha. Pero para mi vida y la de mis hermanos ha quedado un recuerdo perenne”, confesaba la artista. Después se trasladarían a otro domicilio, donde, en 1936, los republicanos se presentaron a detenerla por haber defendido a unas monjas que estaban siendo increpadas. Finalmente no fue arrestada, pero el incidente la hizo trasladarse a Valencia y después a Barcelona, ciudad donde sería encarcelada y condenada a muerte. Se libró de la ejecución gracias al médico Javier Farrerons, que consiguió sacarla de prisión escondida en un carro, y con quien después se casó. Esos terribles momentos la sacudieron en lo más íntimo, sobre todo cuando se enteró de que su compañera de celda había sido fusilada.
Niñas con muñecas (1937)
(cont.)

martes, julio 02, 2024

Fallece el escritor Ismaíl Kadaré a los 88 años

Ismaíl Kadaré nació el 28 de enero de 1936 en la ciudad de Gjirokastra, Albania. 
Creció en un entorno turbulento, no sólo por vivir su infancia bajo la oscuridad de la Segunda Guerra Mundial, sino también por el régimen comunista que tanto tiempo se desarrolló en Albania.
Alianza Editorial ha publicado casi la totalidad de las obras del autor albanés, una variedad de títulos que permiten hacer un extenso recorrido por toda la obra de Ismaíl Kadaré. Entre sus primeras obras, es imposible no destacar El general del ejército muerto, Abril quebrado, La pirámide o El cerco. Además, Alianza también tiene su obra más conocida, El Palacio de los Sueños y su último título, Tres minutos, el autor traza en este libro un laberinto de versiones sobre un episodio mítico de la era staliniana: la conversación telefónica entre Stalin y Borís Pasternak en 1934, de apenas tres minutos y que en la Unión Soviética y países del bloque del este dio lugar a todo tipo de interpretaciones, empeorando aún más la imagen del gran escritor ruso. 
Ismaíl Kadaré fallecío en Tirana, el 1 de julio de 2024. 

sábado, mayo 04, 2024

Muerte de Paul Auster, gran escritor de la contingencia y el azar (II)

(cont.)
Tras La invención de la soledad, llegó la Trilogía de Nueva York:  Ciudad de cristal, Fantasmas y La habitación cerrada (1985-1987), que convirtió a Paul Auster en un escritor de la ciudad, la suya, de Nueva York, que explora una trilogía deambulatoria, pero también de cualquier ciudad por la que caminamos, porque "lo que hacemos cuando caminamos por una ciudad es pensar, y pensamos de tal manera que nuestros reflejos configuran un recorrido". También amaba París, donde vivió durante cuatro años a principios de la década de 1970, empapándose de literatura y filosofía francesas, leyendo a Barthes y Foucault. ¿Será por eso que la presentábamos como “el más francés de los escritores estadounidenses”? Es cierto que Paul Auster gozó de gran popularidad entre el público y la crítica en Francia desde el principio, al igual que los éxitos de El país de las últimas cosas (en inglés In The Country of Last Things, 1987), El palacio de la luna (Moon Palace, 1989), La música del azar (The Music of Chance, 1990) o Leviatán (Leviathan, 1992), Premio Medici Extranjero 1993, lo han confirmado.
Espejo, palimpsesto y trampantojo
Escritor prolífico durante más de cuatro décadas, Paul Auster hizo de la inteligencia y la complejidad los argumentos de su poderoso encanto, cautivador en el sentido literal del término. Una seducción a menudo turbia, melancólica, más venenosa que radiante, destilada en construcciones literarias invariablemente sofisticadas, con efectos de espejo, palimpsestos, trampantojos: El libro de las ilusiones (The Book of Illusions, 2002), La noche del oráculo (Oracle Night, 2003), Viajes por el Scriptorium (Travels in the Scriptorium, 2006), Sunset Park (2010), 4 3 2 1  (2018)… Entre dos novelas, colaboró ​​con el cineasta Wayne Wang para escribir el delicioso díptico Cigarrillos (Smoke, 1995) y Blue in the Face (1995). Hace diez años añadió a su bibliografía dos bellos volúmenes directamente autobiográficos: Diario de invierno (Winter Journal, 2012) y Informe del interior (Report from the Interior, 2013).
Paul Auster en su barrio de Brooklyn: “Es en mi imaginación donde la vida es más real”
Pero una de sus últimas obras, el año pasado, que leímos era política: en Un país bañado en sangre (2023), firmada conjuntamente con el fotógrafo Spencer Ostrander, esposo de su hija, Paul Auster relata su relación con las armas de fuego y se propone analizar las orígenes de esta violencia tan estadounidense. En 2022, todavía con su yerno, fue coautor de un libro, Long Live King Kobe: Following the Murder of Tyler Kobe (2023),  sobre la desaparición de Tyler Kobe Nichols, un neoyorquino de 21 años apuñalado la víspera de Nochebuena. Ese mismo año perdió a su hijo Daniel, que falleció por una “sobredosis accidental”, mientras que él fue acusado de homicidio imprudente por la muerte a finales de 2021, y también por sobredosis, de su hija Ruby, de diez meses de edad.
En las bellísimas de Diario de invierno, Paul Auster evoca la vejez inminente, persistiendo en el paso, a lo largo de la existencia, de la sensación de invulnerabilidad que anima la conciencia juvenil de estar en el mundo a la convicción de que el hombre es frágil, esencialmente mortal, que habita y atormenta al individuo maduro. El individuo a punto de entrar en el “invierno de la vida” cuya inminente llegada anunciaba esta historia. El personaje central de su última novela, Baumgartner (2023), piensa sencilla y serenamente: “Sin mí, el futuro irá muy bien”.

viernes, mayo 03, 2024

Muerte de Paul Auster, gran escritor de la contingencia y el azar (I)

Paul Auster en 1994, en Nueva York 

El novelista estadounidense, que padecía cáncer, falleció el pasado martes 30 de abril en Brooklyn. Autor de más de treinta libros de escritura sofisticada, incluida la “Trilogía de Nueva York”, hizo de la fragilidad de los hombres el centro de su obra. 
En uno de sus últimos libros, el autobiográfico Diario de invierno (Winter Journal, 2012), Paul Auster se describe a sí mismo mirándose al espejo y haciendo “un inventario de (sus) cicatrices, especialmente las de (su) rostro”: "Rara vez piensas " , añade, dirigiéndose a sí mismo, " pero cada vez que lo haces, comprendes que son marcas de vida, que este conjunto de líneas discontinuas, grabadas en tu rostro, son las letras de un alfabeto secreto que cuenta la historia de quién eres, porque cada cicatriz es el rastro de una herida curada, y cada herida fue causada por una colisión inesperada con el mundo; en otras palabras, un accidente. » Del último de estos “accidentes”, el escritor neoyorquino no se recuperó. Murió el martes 30 de abril en su casa de Brooklyn. Desde hacía año y medio padecía cáncer de pulmón, según anunció su esposa, la autora Siri Hustvedt. Cumplió 77 años el pasado febrero. 
Hace unos cuarenta años, fue con La invención de la soledad (The Invention of Solitude, 1982) que Estados Unidos, y pronto el resto del mundo, conocieron a Paul Auster. En este libro inaugural, Auster, que entonces tenía treinta años y quería ser poeta, pasó a la prosa y al cuento para pintar el retrato de su padre recientemente fallecido, Sam Auster, hijo de inmigrantes judíos polacos afincados en Nueva Jersey -un padre lejos de donde había crecido. En esta misma obra, Auster planteó algunos de los temas que se convertirían en los ejes de su obra de ficción: la genealogía y la memoria, el azar y las coincidencias que parecen guiar la existencia humana, la necesidad de lo maravilloso y de la ilusión (“Se dice que un hombre se volvería loco si no pudiera soñar por la noche”).
El misterio insoluble de la vida.
La gran obsesión de Paul Auster, que observó desde todos los ángulos de un libro a otro -y que impuso la figura del laberinto como motivo y forma recurrente de su universo novelístico- fue el misterio insoluble del lugar del hombre en el universo, y del hecho mismo de estar vivo. Ya en La invención de la soledad señala: "Le resulta extraordinario, incluso en la cotidianidad de su existencia diaria, sentir el suelo bajo sus pies y el movimiento de sus pulmones que se hinchan y contraen al mismo tiempo. respirar, saber que puede, poniendo un pie delante del otro, caminar desde donde está hasta donde quiere ir. Le resulta extraordinario que, algunas mañanas, nada más despertarse, cuando se inclina para atarse los zapatos, le invada un torrente de felicidad, una felicidad tan intensa, tan naturalmente en armonía con el universo, que toma conciencia de estar vivo en el presente, este presente que lo rodea y lo penetra, que de repente lo invade, lo abruma con la conciencia de estar vivo."
(cont.)

viernes, abril 05, 2024

Muerte de Kurt Cobain, treinta años después

Kurt Cobain durante el concierto de Nirvana
en el Zénith de París, 24 de junio de 1992
Hoy hace treinta años, el 5 de abril de 1994, el ícono del grunge acabó con su vida.
Kurt Cobain dejó un legado considerable, en la encrucijada del punk, el metal y el pop. Y nuestra canción favorita de Nirvana es...
El 5 de abril de 1994, Kurt Cobain se suicidó en su casa de Seattle, menos de una semana después de escapar de un establecimiento especializado en Los Ángeles donde intentaba tratar su adicción a la heroína. Tres días después, un electricista encontró el cuerpo sin vida del líder de Nirvana, de sólo 27 años. La onda expansiva es global, a la par de la deslumbrante carrera del grupo de Aberdeen, en el noroeste de Estados Unidos. Tres décadas después de la explosión del grunge y de sus 75 millones de discos vendidos, ¿qué queda de Nirvana? Una discografía oficial tan escueta como enojada, resumida en tres álbumes (Bleach (1989), Nevermind (1991) y In Utero (1993).
Nirvana es una de las bandas más vendidas de todos los tiempos, habiendo vendido más de 75 millones de discos en todo el mundo. Durante sus tres años como acto principal, Nirvana recibió un American Music Award, un Brit Award y un Grammy Award, así como siete MTV Video Music Awards y dos NME Awards. 

miércoles, marzo 27, 2024

Libros: Issey Miyake

Issey Miyake

Taschen
448 págs.
La poética del plisado
Homenaje a Issey Miyake (1938-2022)
En 1983, el diseñador japonés Issey Miyake declaró a The New Yorker que aspiraba a “avanzar y romper el molde”. Con las líneas vanguardistas que crearía luego no solo rompió moldes, sino que replanteó por completo la moda. Con una combinación única de poesía y sentido práctico, sus creaciones desdibujan los límites entre tradición, tecnología moderna y función cotidiana.
Esta historia completa de los diseños de Miyake desde 1960 hasta 2022 ofrece una perspectiva única de la visión de futuro y la audacia del diseñador. Iniciado y concebido por Midori Kitamura, el libro analiza la originalidad basada en la textura de los materiales y las técnicas de Miyake desde los primeros días de su carrera, incluso antes de que estableciera el Miyake Design Studio. Sobre la base de casi 50 años de trabajo en colaboración con Miyake, Kitamura ha creado una referencia enciclopédica de sus innovaciones técnicas y materiales a través de prendas basadas en el concepto A Piece of Cloth, las Body Series de la década de 1980, la serie Miyake Pleats y diseños prácticos y cotidianos como las piezas de la colección Pleats Please.
Magníficas fotografías captan la particular originalidad de sus prendas para el día a día. Asimismo, en un ensayo de gran profundidad, la destacada figura de la cultura Kazuko Koikeofrece una cronología completa del trabajo de Miyake y un perfil personal sin precedentes que analiza la ambición y las inspiraciones que han dado forma a su repertorio ya desde la adolescencia. Un homenaje atemporal a uno de los creadores más innovadores de nuestra época. Imprescindible para diseñadores, estudiantes y devotos de la moda.
Sobre el diseñador
El renombrado diseñador de moda Issey Miyake estudió diseño gráfico en la Tama Art University de Tokio, graduándose en 1964. En 1970, fundó en Tokio el Miyake Design Studio. A fines de los años 1980, comenzó a experimentar con nuevos métodos de plisado que permitieran flexibilidad de movimientos al usuario, así como unos cuidados y una producción sencillos. Esto resultó eventualmente en una nueva técnica llamada plisado de prendas, y en 1993 fue lanzada la línea Pleats Please. Hizo el vestuario con plisados del Ballett Frankfurt para una pieza de William Forsythe titulada The Loss of Small Detail y también trabajó en el ballet Garden in the Setting. En 1994 y 1999, Miyake delegó el diseño de las colecciones para hombre y mujer, respectivamente, a su asociado Naoki Takizawa, de modo de poder volver a investigar a tiempo completo. En 2007, Naoki Takizawa inauguró su propia marca, respaldada por el Issey Miyake Group, y fue sustituido por Dai Fujiwara como director creativo de la casa Issey Miyake.
Sobre el editor
Nacida en Tokio, Midori Kitamura es presidenta del Miyake Design Studio. A partir de 1976 ha trabajado bajo Issey Miyake en colecciones, exposiciones y publicaciones como encargada de prensa. También gestiona desarrollos, incluida la dirección creativa de productos como perfumes y relojes. Kitamura fue directora de la exposición de Bulls Eye Special 2008 en 21_21 Design Sight junto con Kazumi Oguro y Katsuhiko Hibino y es presidenta de 21_21 DESIGN SIGHT Inc. desde 2009.
Textos de
Kazuko Koike es la fundadora y directora de Sagacho Exhibit Space en Tokio. Es autora y editora de numerosas obras, incluidas Issey Miyake East Meets West, Japanese Coloring, Japan Design y Aura of Space. Forma parte del Consejo Asesor de MUJI. 

martes, febrero 13, 2024

Aniversario de Julio Verne

A los 10 años escapó de su casa para subir a un barco que lo llevaría a vivir aventuras en la India, pero su padre lo detuvo en el puerto. Nacido un 8 de febrero de 1828, en Nantes, Francia, Jules Gabriel Verne, conocido en los países hispanohablantes como Julio Verne estaba destinado a seguir una tradición familiar con varias generaciones de Abogados, pero luego de graduarse en París en 1849, y trabajar incluso como corredor de bolsa, animado por Alejandro Dumas, fué en busca de su sueño de ser escritor.
Pasaba largas horas en las bibliotecas, estudiando geología, ingeniería y astronomía, conocimientos que luego volcaría en sus historias. Verne se dio cuenta de que nadie había creado un relato en el que se mezclara una trama aventurera con hechos reales, con una base científica. Así, combinando esas narraciones de ficción con los recientes descubrimientos y exploraciones de su época, él había encontrado un innovador género literario que no tardó en denominar roman scientifique (novela científica), en un momento donde la ciencia en la Francia del II Imperio (1852/70) gozaba de gran prestigio.
Su bra Cinco semanas en globo, fue ofrecida sin éxito en algunas editoriales que la rechazaron, pero Pierre-Jules Hetzel, creador de Bibliothèque d’Education et de Récréation, que recopilaba trabajos individuales con esa  nueva temática, pensó que éste joven y desconocido autor tenía potencial. Así se inició una relación de 25 años, de la que surgieron más de 60 obras como Viaje al centro de la Tierra, De la Tierra a la Luna (1865), Veinte mil leguas de viaje submarino (1870)  y la más vendida de todas, La vuelta al mundo en 80 días (1873), que terminaron de consagrarlo.
Gran admirador de Poe, en 1864 escribió un libro de ensayos; Edgar Poe y sus obras”, coincidiendo con la publicación de “Cinco semanas en globo”, donde se nota la influencia de los cuentos de Poe como El camelo del globo y La incomparable aventura de un tal Hans Pfaall, en el que se relata un viaje a la luna en globo. Aparecida en 1867, y publicada por entregas durante dos años en la revista Le magasin d’Éducation et de Récreation, su novela Los hijos del capitán Grant se convirtió en otro gran éxito.
Sus obras anticiparon desde el submarino a  los viajes espaciales, desde trenes de alta velocidad, telecomunicaciones, capitales superpobladas y el  teléfono, hasta las guerras bacteriológicas y las videoconferencias, casi un siglo antes. En su novela París en el siglo XX (1863), publicada póstumamente, incluso habla de una red internacional de comunicaciones, la describe como algo parecido a un telégrafo mundial, que conectaría todos los países para compartir información. Estaba profetizando Internet. En Robur el Conquistador (1886), también predice al helicóptero al describir la nave Albatros que vuela impulsado por hélices.
En la última etapa de su vida, sus obras adquieren un tono más pesimista. Así en Los 500 millones de la Begún (1879), advertía del peligro que entrañaba poner la tecnología al servicio de los imperialismos, con el uso del gas tóxico y los misiles aéreos, que aparecerán 35 años después en la I Guerra Mundial.
El 24 de marzo de 1905, Verne murió en su hogar, sita en el bulevar Longueville 44 (actualmente bulevar Julio Verne). Fue enterrado en el cementerio de La Madeleine, ubicado al noroeste de Amiens, en cuya tumba se representa a Verne emergiendo del sepulcro, obra del escultor Albert Roze. 
Es uno de los escritores más fecundos y leídos de la historia, y también el autor más traducido tras Ágatha Christie. Es el padre del relato de ciencia-ficción moderno, junto a H.G. Wells, y el primero en emplear la ciencia y la tecnología para brindar una nueva perspectiva  del mundo, donde ser humano y máquina funcionan en admirable sincronía para expandir las fronteras del Universo y descifrar sus misterios, y se unen en ese maravilloso viaje del conocimiento.

viernes, febrero 09, 2024

Fallece el escritor de ciencia-ficción Christopher Priest

El pasado 2 de febrero de 2024 falleció Christopher Priest, a los 80 años de edad, escritor de ciencia ficción, guionista y novelista inglés. Entre sus obras destacan Fugue for a darkening island, The inverted world y The prestige (El truco final, en España).
Celebrado hace cincuenta años con su tercera novela, El mundo invertido (The Inverted World, 1974), laureada con el premio British Science Fiction y nominado a los Premios Hugo, a la mejor novela, se ha convertido e un clásico del género. Christopher Priest también es conocido por La afirmación (The Affirmation, 1981) y El truco final (1995), adaptada a la gran pantalla por Christopher Nolan.
Priest fue fuertemente influenciado por la ciencia ficción de H. G. Wells (1866-1946) y en 2006 fue nombrado para el cargo de vicepresidente de la Sociedad Internacional H. G. Wells.
En 2006 se estrenó la película El truco final (El prestigio) (The Prestige), basada en su novela homónima. Fue dirigida por Christopher Nolan y protagonizada por Christian Bale y Hugh Jackman. A pesar de las diferencias entre la novela y el guion, Nolan estaba tan preocupado de que el desenlace se mantuviera como sorpresa, que bloqueó los planes para una lucrativa edición del libro en Estados Unidos (antes del estreno de la película). Estuvo nominada a dos Óscar de la Academia de ese año (fotografía y dirección artística). La historia: En Londres, a finales del siglo XIX, cuando los magos eran los ídolos más aclamados, dos jóvenes ilusionistas se proponen alcanzar la fama. El sofisticado Robert Angier (Hugh Jackman) es un consumado artista, mientras que el tosco y purista Alfred Borden (Christian Bale) es un genio creativo, pero carece de la habilidad necesaria para ejecutar en público sus mágicas ideas. Al principio son compañeros y amigos que se admiran mutuamente. Sin embargo, cuando el mejor truco ideado por ambos fracasa, se convierten en enemigos irreconciliables: cada uno de ellos intentará por todos los medios superar al otro y acabar con él. Truco a truco, espectáculo a espectáculo, se va fraguando una feroz competición que no tiene límites. 
Hugh Jackman y Christian Bale en El truco final (El prestigio) (The prestige, 2006) 

sábado, julio 08, 2023

Libros: Garci, asignatura aprobada

Garci, asignatura aprobada

40 aniversario del primer Oscar del cine español

Autores Varios
Reino de Cordelia
Madrid
Un homenaje a José Luis Garci en el 40 aniversario del primer Oscar del cine español
En 1983 José Luis Garci se alzó con el primer Oscar de la historia del cine español y también en español. Una exposición destaca lo que supuso aquel triunfo logrado con la película Volver a empezar. Y en este libro, ideado a modo de catálogo y coordinado por Luis Alberto de Cuenca, un grupo de expertos y amigos repasa su trayectoria como cineasta y resalta su faceta de escritor, oficio que no ha abandonado nunca, y de comunicador, ya sea como periodista —premiado por sus artículos con galardones como el Mariano de Cavia— o como divulgador cultural empeñado en dar a conocer el séptimo arte a varias generaciones.
José Luis Garci (Madrid, 1944), Escritor y cineasta, en 1983 ganó, con Volver a empezar, el primer Oscar para una película en lengua española. Escribió el guion de La cabina, primer y único Emmy obtenido hasta ahora por la televisión en España. Ha recibido, entre otros muchos premios, el Goya al mejor director y el Premio Nacional de Cinematografía, y sus películas han sido nominados cuatro veces por la Academia de Hollywood. Reino de Cordelia ha publicado buena parte de su obra escrita.

miércoles, marzo 22, 2023

Teresa Berganza

Teresa Berganza Vargas (16 de marzo de 1933 - 13 de mayo de 2022) fue una mezzo-soprano española. Ella está más estrechamente asociada con papeles como Rosina y La Cenerentola de Rossini, y más tarde Carmen de Bizet, admirada por su virtuosismo técnico, inteligencia musical y seductora presencia escénica. Berganza fue una cantante clave en un renacimiento de Rossini que exploró óperas menos interpretadas y restauró los papeles principales en mezzo regist. Ella apareció como Zerlina en la película Don Giovanni de Joseph Losey en 1979. Participó en la ceremonia de apertura de la Expo '92 en Sevilla y de los Juegos Olímpicos de Barcelona 1992 en Barcelona.
Teresa Berganza nació en Madrid el 16 de marzo de 1933. Estudió piano y voz en el Real Conservatorio de Madrid, voz con Lola Rodríguez Aragón, donde fue galardonada con el primer premio de canto en 1954. Hizo su debut en un concierto en Madrid en 1955.
Berganza hizo su debut operístico como Dorabella en Cos ì fan tutte de Mozart en 1957 en el Aix-en-Provence Festival. Ese mismo año, hizo su debut en La Scala. Ella apareció por primera vez en el Festival Glyndebourne en 1958, como Cherubino en Le nozze di Figaro de Mozart, y más tarde también en el papel principal de La Cenerentola de Rossini. En 1959, Berganza hizo su primera aparición en la Royal Opera House como Cherubino, y al año siguiente actuó allí como Rosina en Il barbiere di Siviglia de Rossini, que se convirtió en uno de sus papeles principales. Lo repitió en la Opernhaus Zúrich, donde regresó en 1979 como Charlotte en el Werther de Massenet.
Ella apareció en los Estados Unidos por primera vez en 1958, en la Ópera de Dallas como Isabella en L'italiana de Rossini en Algeri y luego como Neris en Médée de Cherubini junto a Maria Callas en el papel principal. En 1967, hizo su debut en la Ópera Metropolitana, nuevamente como Cherubino, dirigida por Nikolaus Lehnhoff en su debut en casa, y dirigida por Joseph Rosenstock, junto a Cesare Siepi como Figaro, Mirella Freni como Susanna, Tom Krause y Pilar Lorengar como la pareja Almaviva. Regresó para Rosina al año siguiente, primera en una actuación de transmisión dirigida por Richard Bonynge, junto a Mario Sereni como Figaro, Luigi Alva y Fernando Corena como Bartolo. Un crítico del New York Daily News señaló:
Pero el resurgimiento se distinguió realmente por la presencia de Teresa Berganza como Rosina. La mezzo-soprano española no había cantado el papel con la compañía antes, aunque ha sido una conocida recitalista aquí, y su manera con la música de Rossini es muy admirada. Ella es sin duda la Rosina más encantadora en el Met desde su compatriota Victoria de los Ángeles. Al igual que ella, canta la música en el bajo tono, lo que la hace mucho más atractiva para el oído que el constante canto de sopranos de coloratura a la que se suele someter. Corta y oscura, si no exactamente pequeña, Miss Berganza es bastante encantadora de mirar, una actriz agradable si no volátil, y una cantante de gran estilo y habilidad. Ella encendió el escenario cada vez que estaba en él, sin hacer ningún intento de hacerlo.
Berganza fue un cantante principal para el renacimiento de las óperas de Rossini, devolviendo los papeles al registro inferior original según ediciones críticas de Alberto Zedda, promovido por directores como Claudio Abbado y Charles Mackerras.
Berganza apareció en el Festival de Edimburgo de 1977 como Carmen de Bizet, dirigido por Abbado, considerada como uno de sus mayores éxitos en el escenario, y repitió el papel en la Ópera de París. Retrató al personaje con inteligencia, cantando la Habanera con la flexibilidad de un cantante lieder, y cambios abruptos en timbre y dinámica, aparentemente dirigiéndose a la multitud pero significando una persona, en un tono provocadormente ligero demostrando superioridad.
Como recitalista, Berganza hizo su debut en el Carnegie Hall en 1964. Su repertorio incluye canciones españolas, italianas, francesas, alemanas y rusas. De 1957 a 1977, Berganza se casó con el compositor y pianista Félix Lavilla, quien la acompañó en recitales y grabaciones. La pareja tuvo tres hijos, incluyendo a la soprano Cecilia Lavilla Berganza. Presentó canciones de España, desde cantigas medievales de la época de Alfonso X de Castilla hasta miniaturas de Manuel de Falla y Enrique Granados.
Para la inauguración del Auditorio Nacional de Música de Madrid, actuó en Atlántida de De Falla junto a Montserrat Caballé y Vicente. Participó en el concierto para la apertura de la Ópera Bastilla en París el 13 de julio de 1989. En 1992, Berganza participó en la ceremonia de apertura de la Expo '92 en Sevilla y en la ceremonias de apertura de los Juegos Olímpicos de Verano 1992 en Barcelona.
La carrera teatral de Berganza terminó en 2008. Enseñó canto por última vez en la Escuela Superior de Música Reina Sofía, continuó interpretando música de compositores españoles y dio clases magistrales en todo el mundo. Entre sus estudiantes se encuentran María Bayo, Jorge Chaminé y Alicia Nafé.
Berganza falleció el 13 de mayo de 2022 en San Lorenzo de El Escorial a los 89 años.
Berganza apareció en nueve películas, incluyendo Il barbiere di Siviglia en 1972, como Zerlina en Don Giovanni de Joseph Losey en 1979, y tanto Werther como Carmen de Massenet en 1980.
Berganza recibió una Medalla de Oro al Mérito en Bellas Artes del Reino de España el 26 de febrero de 1982. Compartió el Premio Príncipe de Asturias de 1991 con otros seis cantantes españoles. En 1994, se convirtió en la primera mujer elegida para la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. En 1996, fue galardonada con el Premio Nacional de Música. Ella también recibió el Grand Prix Rossini. Fue galardonada con la Dama Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X, el Sabio del Reino de España el 3 de mayo de 2013. Recibió el Premio a la Lifetime Achievement Awards en los International Opera Awards 2018.

jueves, agosto 11, 2022

Libros: Issey Miyake

Issey Miyake 

Issey Miyake, Midori Kitamura, Kazuko Koike, Yuriko Takagi
Taschen
514 págs.
La poética del plisado
La monografía definitiva de Issey Miyake
En 1983, el diseñador japonés Issey Miyake contó en The New Yorker que aspiraba a seguir avanzando y "a romper moldes”. Con las líneas vanguardistas que crearía luego no sólo rompió moldes, sino que replanteó por completo la moda.
Esta Edición de Coleccionista de TASCHEN, diseñada por Midori Kitamura, ofrece una perspectiva incomparable del espíritu visionario y audaz del diseñador. Presentada en una original bolsa para el libro, idea de MIYAKE, aborda la originalidad de las texturas del diseñador desde los comienzos de su carrera, cuando comenzó a mostrar su compromiso con la moda como campo del diseño en el que no sólo se trata de cambiar tendencias.
A través de un recorrido por piezas inspiradas en el concepto A Piece of Cloth (Una pieza de vestimenta), la serie Body (Cuerpo) de la década de 1980, las prendas plisadas de Miyake Pleats y sus prácticos diseños para el día a día, como los de Pleats Please, Kitamura se sirve de más de 40 años de trabajo en colaboración con Miyake para crear una referencia enciclopédica de sus innovaciones técnicas y materiales. El libro refleja no sólo la continua exploración de Miyake de la relación entre la prenda y el cuerpo, sino también su singular fusión de la tradición, el futurismo y el sentido práctico. El libro incluye el inkan personal de Miyake, un sello tradicional japonés que equivale a una firma y que se usa en la vida diaria japonesa para todos los documentos oficiales.
Las fotografías de Yuriko Takagi, coetánea y amiga de Miyake, muestran las prendas con su particular originalidad cotidiana, incluida una emocionante sesión de fotos realizada en Islandia. Por otro lado, Kazuko Koike, una gran personalidad en el mundo cultural, ofrece una cronología completa del trabajo de Miyake y un perfil personal del diseñador, ahondando en la ambición y las fuentes de inspiración que han marcado su asombroso repertorio.
Edición de Coleccionista limitada a 1.000 ejemplares numerados, cada uno de ellos con el inkan personal de Miyake, un sello tradicional japonés que equivale a una firma y que se usa en la vida diaria japonesa en todos los documentos oficiales. El libro se presenta en una original bolsa diseñada por Reality Lab, de Miyake, con formas plegadas y técnicas de prensado con láminas de aluminio de la marca 132
Sobre el diseñador
El renombrado diseñador de moda Issey Miyake estudió diseño gráfico en la Tama Art University de Tokio, graduándose en 1964. En 1970, fundó en Tokio el Miyake Design Studio. A fines de los años 1980, comenzó a experimentar con nuevos métodos de plisado que permitieran flexibilidad de movimientos al usuario, así como unos cuidados y una producción sencillos. Esto resultó eventualmente en una nueva técnica llamada plisado de prendas, y en 1993 fue lanzada la línea Pleats Please. Hizo el vestuario con plisados del Ballett Frankfurt para una pieza de William Forsythe titulada The Loss of Small Detail y también trabajó en el ballet Garden in the Setting. En 1994 y 1999, Miyake delegó el diseño de las colecciones para hombre y mujer, respectivamente, a su asociado Naoki Takizawa, de modo de poder volver a investigar a tiempo completo. En 2007, Naoki Takizawa inauguró su propia marca, respaldada por el Issey Miyake Group, y fue sustituido por Dai Fujiwara como director creativo de la casa Issey Miyake.
Sobre el editor
Nacida en Tokio, Midori Kitamura es presidenta del Miyake Design Studio. A partir de 1976 ha trabajado bajo Issey Miyake en colecciones, exposiciones y publicaciones como encargada de prensa. También gestiona desarrollos, incluida la dirección creativa de productos como perfumes y relojes. Kitamura fue directora de la exposición de Bulls Eye Special 2008 en 21_21 Design Sight junto con Kazumi Oguro y Katsuhiko Hibino y es presidenta de 21_21 DESIGN SIGHT Inc. desde 2009.
Sobre el autor
Desde 2009 Kazuko Koike es la directora del Laboratory of Superior Item for Living de MUJI. Entre los años 1983 y 2000 creó y dirigió el Sagacho Exhibit Space de Tokio, el primer espacio expositivo alternativo de Japón, que ha impulsado la carrera internacional de numerosos artistas contemporáneos japoneses. Ha escrito y editado muchos libros, entre ellos: Issey Miyake East Meets West, Japanese Coloring, Japan Design y Aura of Space.
Sobre el fotógrafo
La fotógrafa Yuriko Takagi nació en Tokio. Tras estudiar diseño gráfico en la Universidad de Bellas Artes de Musashino, se trasladó a Portugal. Estudió diseño de moda en Inglaterra, trabajó como diseñadora por cuenta propia en Europa y descubrió la fotografía en Marruecos. Fotografía la presencia humana en la ropa y el cuerpo humano con una perspectiva muy personal. Establecida en Tokio, expone por todo el mundo, sin abandonar sus viajes fotográficos. Algunas de sus publicaciones son Nus intimes (Yobisha) e In and Out of Mode (Gap Japan).