Arte: Luca Giordano

San Bartolomé en el martirio

De las enseñanzas recibidas por Luca Giordano (1634-1705) del valenciano José de Ribera en Nápoles, da cuenta este lienzo de San Bartolomé en el martirio, representando al santo de medio cuerpo con los brazos en alto atados a un árbol, con parte de la piel ya arrancada en uno de ellos y, detrás, entre una espesa penumbra, la figura del sayón. 

San Bartolomé en el martirio (ca. 1650). Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Valencia

El cuerpo del santo, de marcada musculatura, se subraya gracias a una iluminación claroscurista. La evocación riberesca es tan evidente, que ha inducido a situar esta pintura en la etapa juvenil de Giordano, cuando más influido pudiera estar por su maestro aunque en sus trazos ya demuestra un estilo personal, más fibroso y fluido, vigorizando las texturas de manera distinta al pintor setabense.

Arte: Bartolomé Estebán Murillo

El 'Ecce Homo' de Bartolomé Esteban Murillo, realizado entre 1670 y 1680, representa el episodio bíblico de la Pasión de Cristo. Murillo representa a Cristo maniatado, con una corona de espinas, una caña en la mano a modo de báculo y un manto púrpura en el regazo, símbolos del escarnio al que fue sometido.

Ecce Homo (1670-1680). Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Murcia

La composición que presenta responde a un modelo común de fuerte raigambre que se remonta al gótico y que evoluciona para insertarse en las diversas corrientes artísticas. La sobriedad en la representación de los valores cromáticos de la figura y la introspección que sugiere su pose le confieren una gran elegancia y serenidad, por lo que también fue llamado Cristo de la Paciencia.

La obra 'Ecce Homo', realizada por Bartolomé Esteban Murillo en la segunda mitad del siglo XVII (1670-1680) y que forma parte de los fondos del Museo de Bellas Artes de Murcia (Mubam), dependiente de la Consejería de Cultura y Portavocía, ha viajado a Alemania para formar parte una exposición sobre el Siglo de Oro español que se podrá ver en Berlín y Múnich.

Perteneció a la colección que desde el siglo XVIII reunió José de León Pizarro. En 1924 fue depositado por Isabel María Baltasara López y López, última heredera, en el Asilo-hospital que fundó en Villanueva del Segura. Años más tarde, la extinta Diputación de Murcia engrosó sus fondos con esta excelente obra.

Arte: Pedro Orrente

Está considerada como obra de Pedro Orrente (1580-1645) por comparación con otros lienzos suyos. En concreto, los labios y la nariz de la santa son prácticamente idénticos a los del ángel que detiene la mano de Abraham en el Sacrificio de Isaac, firmado por el pintor, en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Existe una versión casi idéntica de esta Magdalena en el Museo Nacional del Prado. Resuelta con impactante lenguaje tenebrista, manifiesta de forma magistral un arrobo místico no exento de cierta carga sensual.

Magdalena penitente, c. 1625, Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Valencia

Arte: Los comedores de requesón

Esta es una de las pinturas favoritas del museo. Pero los visitantes, ocupados en fijarse en lo mal que se "sientan" estos comensales frente a lo que ahora se llama mesa alta -un nombre horrible-, ¿siempre se fijan en lo que los cuatro personajes engullen con un gran cucharón de madera? 

Los comedores de requesón (1580), de Vincenzo Campi. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Lyon

La obra presenta, sobre un fondo negro, a cuatro personajes – tres hombres y una mujer – en torno a una mesita sobre la cual hay un plato con un requesón (en italiano, ricotta) que comparten. Aparecen confinados en el cercano encuadre, las manos de tres de ellos encima de la mesa, llenando todo el espacio de la pequeña pintura. Los protagonistas ríen con ganas, los dientes visibles, y su pertenencia a las clases bajas es clara por sus ropas humildes, expresiones campechanas y actitud nada refinada. Cada uno de ellos tiene un gesto que traduce un momento específico de la consumición del alimento: el hombre de la izquierda, con una gorra roja sobre la cabeza y manteniendo una cuchara grande de madera llena en su mano izquierda, aparece con la boca llena; junto a él, un poco atrás, otro hombre se apresta a engullir el bocado mientras se agarra, con la mano derecha, al hombro de su compañero a la derecha; el tercer hombre, con perilla, adelanta su mano hacia el requesón para tomar un trozo; finalmente, la mujer, con un vestido verde muy escotado y un collar de cuentas rojas, y mirando al espectador, mantiene la cuchara en su mano derecha, aun sin servirse.

Arte: Los amantes felices o Los amantes en el campo, sentimientos de juventud

En el corazón de la campiña del Franco-Condado, bailan, en su burbuja, ausentes del mundo, cuerpos apretados, manos entrelazadas, llevados por la música y la alegría de ser dos. Gustave Courbet, guapo, de 25 años, se representa junto a su entonces pareja, la pelirroja Virginie Binet, con quien tendrá un hijo unos años después. 

Les amants heureux  ou  Les Amants dans la campagne, sentiments du jeune âge (1844), de Gustave Courbet. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de  Lyon

El autor de El origen del mundo muestra aquí su genialidad para escenificar y celebrar lo eterno femenino. Una segunda versión sobre el mismo tema, casi gemela, se conserva en el museo Petit-Palais de París. 

Al elegir este tema, Courbet evoca el amor de juventud de dos amantes recostados en el torbellino de un vals. Conocemos de este lienzo varios dibujos preparatorios encontrados en un cuaderno del pintor.

Arte: La caza del tigre

Hacia 1615, Maximiliano I de Baviera encargó a Peter Paul Rubens (1577-1640), cuatro cuadros decorativos que representaban escenas de caza, un tema muy popular en la época y asociado a escenas de batalla. Además, Rubens se inspiró en su composición en un fresco entonces desaparecido de Leonardo da Vinci, La Batalla de Anghiari, del que copió un grabado. 

La caza del tigre (1616), de Pedro Pablo Rubens. Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas Artes de Rennes

En cuanto al tema de este cuadro conservado en el Musée des Beaux-Arts de Rennes, mezcla alegremente el personaje bíblico de Sansón (que lucha contra el león) con moros con turbante y fieros coraceros bávaros, y animales africanos (leopardo y león) con el tigre asiático. La precisión, histórica y zoológica, era irrelevante en ese momento. Sólo cuenta la dinámica, el ardor, la espectacularidad de la escena, incluso su brutalidad. Por otro lado, Rubens se documentó a sí mismo para representar de manera muy realista los animales salvajes entonces invisibles en Amberes. Y sobre todo, como señaló el historiador suizo Jacob Burckhardt, se abandonó “al placer supremo que le producían todas las formas de movimiento”.

Arte: Naturaleza muerta con melocotones y ciruelas

Jean-Baptiste-Marie Pierre (1699-1779) era un imbécil. "Su arrogancia aumentaba a medida que perdía su talento", escribió Diderot sobre él. En 1770, se convirtió en el primer pintor del rey Luis XV y director de la Academia, despidió a Chardin, quien murió nueve años después en la indiferencia general. Cómo un pintor no podía maravillarse con la poesía de las naturalezas muertas de Jean Siméon Chardin es un misterio. La ideología entonces creía que el género fuera vulgar. El valiente Siméon quedó satisfecho con él, con una elegancia, una gracia inaudita. 

Pêches et prunes (1764), Óleo sobre tela, de Jean Siméon Chardin (1699-1779). Museo de Bellas Artes de Angers 

Estas pocas frutas, por ejemplo, dos melocotones y cinco ciruelas, recuerdan la sencillez de los caquis Muqi. La misma poesía habita las dos obras. En Chardin no hay vacío, ni ingravidez, sino una extraordinaria densidad de fruta. Pesan. La luz les ofrece una vida magnífica: ¡puedes olerlos jugosos! Y, como el cuchillo está ausente en este cuadro del Museo de Bellas Artes de Angers, es la cola de la ciruela de la izquierda, inclinada hacia el vacío, la que nos invita a adentrarnos en su universo silencioso.

Arte: Paysage aux piqueux

Jacques Fouquières nacido en Amberes, formado por Jan, el hijo mayor de Pieter Bruegel el Viejo, llamado a Francia en 1621 para decorar la Grande Galerie du Louvre, maestro en París, entre otros, de Philippe de Champaigne, Jacques Fouquières sigue siendo poco conocido, probablemente porque todos los cuadros que pintó para Luis XIII estaban en las Tullerías cuando el palacio fue incendiado por los Comuneros en 1871. 

Paysage aux piqueux (hacia 1580-1650), de Jacques Fouquières. Óleo sobre lienzo.
Museo de Bellas Artes de Nantes

Entre las pocas obras que escaparon al desastre está este paisaje, actualmente en el Musée d'Arts de Nantes, donde vemos la herencia de los grandes flamencos, de Bruegel y especialmente de Patinir. La luz típica del Norte está sutilmente representada allí por la transparencia de los colores. Menos gloriosa es la forma en que Fouquières, en 1640, se unió a Simon Vouet para intentar desacreditar a Nicolás Poussin con Luis XIII, intrigas que empujaron a Poussin, asqueado, a marcharse a Roma dos años más tarde. 

Museo de Bellas Artes, Sevilla (III)

Museo de Bellas Artes, Sevilla (II)