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sábado, octubre 16, 2021

De Van der Weyden a Giacometti, veinte retratos que cambiaron el rostro de la pintura (XVIII)

Garçon à la pipe (Muchacho con pipa) es una pintura de Pablo Picasso. Fue pintado en 1905, cuando Picasso tenía 24 años, durante su Periodo Rosa, poco después de establecerse en el barrio de Montmartre de París, Francia. El óleo sobre lienzo de pintura representa a un niño sosteniendo una pipa en la mano izquierda y con una guirnalda o corona de flores.
Los trabajos preparatorios de la obra, incluían todo tipo de poses del muchacho, de pie, sentado o apoyado en la pared. Después de varias reconsideraciones, Picasso decidió pintarlo sentado. La siguiente cuestión que se planteó el pintor malagueño fue la posición del brazo, estudiando tanto su altura como el ángulo que formaba. En todos los trabajos preparatorios, el objeto que sostiene el niño en sus manos es una pipa.
Después de empezar y pintar una buena parte del cuadro, Picasso se dio un período de descanso de un mes. Después de este periodo de reflexión, decidió acabarlo colocándo una guirnalda de flores sobre la cabeza del muchacho. No se sabe por qué Picasso decidió hacer esto, pero hay un contraste entre la feminidad y la masculinidad en la imagen.
Picasso vivía en la casa Bateau-Lavoir del barrio de Montmartre de París cuando pintó el cuadro. El pintor utilizaba con frecuencia a personas del barrio como modelos para sus trabajos, algunos se ganaban la vida como payasos o acróbatas, pero no se conoce mucho sobre el niño. Sí parece por las manifestaciones de varias fuentes es que el muchacho en su adolescencia, frecuentaba el estudio de Picasso y posaba de modelo, como en este óleo. El propio Picasso comentó sobre el niño que se era uno de los: "Tipos locales, actores, señoras y caballeros, delincuentes... que permanecían por allí, a veces durante todo el día. El me observaba mientras trabajaba y le encantaba."
De este comentario, se podría concluir que Picasso no quería que la gente supiese quien era el niño y que él no lo conocía realmente

viernes, septiembre 24, 2021

De Van Eyck a Picasso, veinte cuadros que cuentan historias (grandes o pequeñas) (XX)

Evocación (El entierro de Casagemas), óleo sobre lienzo, es una obra de 1901 realizada por el pintor español Pablo Picasso (1881-1973), que se encuentra en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris. 
Durante la primera estancia parisiense, Carlos Casagemas y Picasso conocieron, en el estudio del pintor barcelonés Isidro No-nell, a la modelo Germane Gargallo. Picasso la retrató en primer plano a la izquierda en el Moulin de la Galette, sin saber aún lo que la mujer significaría para él y sobre todo para Casagemas. Este se enamoró perdidamente; de poco sirvió el intento de su amigo de distraerlo llevándolo a Barcelona. En febrero de 1901 volvió a París y, desesperado, se mató de un disparo en un café del Bou-levard de Clichy. Obsesionado por la muerte de su amigo, Picasso le dedicó diversos cuadros: el Retrato de Casagemas muerto, La muerte de Casagemas y finalmente Evocación, pero, al margen de la elección del tema, los cambios más radicales afectaron al estilo y al lenguaje: la renuncia a la policromía de las nuevas exigencias expresivas. El azul, en Picasso, es un color frío, melancólico, a través del cual el pintor expresa su tristeza y la de sus personajes: “Fue pensando que Casagemas había muerto como me puse a pintar en azul”, declaró Picasso, que en Evocación se vale de extensas superficies de este color.
La superficie irregular, la composición escenográfica y las grandes dimensiones recuerdan la obra maestra de El Greco El entierro del conde de Orgaz, que Picasso pudo estudiar en Toledo. Como en Mujer de azul y Le Moulin de la Galette, la elección de la cita pretende conferir un fuerte impacto iconográfico, al mismo tiempo que un intento de caricatura que se resuelve en la representación de prostitutas y cuerpos desnudos, uno de los cuales abraza al alma de Casagemas mientras ésta sube al cielo en un caballo blanco.

martes, julio 13, 2021

De Caravaggio a Picasso, veinte naturalezas muertas que vivirán para siempre (XVI)

Realizado en mayo de 1912, este cuadro marca en el proceso del cubismo el inicio del empleo del collage. Pablo Picasso pegó sobre el lienzo oval un trozo de hule, cuyo estampado simulaba el trenzado de una rejilla de asiento. El efecto de engaño visual introducido por el hule que simula una rejilla, como por los papeles estampados con vetas de madera que Braque y Picasso emplearon después abundantemente en los papiers collés, es nuevo en el repertorio cubista. Se nos insta parcialmente a una satisfacción táctil en una visión que halla sugerentes fricciones en su contraste con la intangibilidad del todo. 
Naturaleza muerta con silla de rejilla (Nature morte à la chaise cannée). Museo Picasso, París (Francia)
El juego sinestético se enriquece, al tiempo que la imagen comienza a concentrarse en formas más sintetizadas, evitando la disolución de la representación en el espacio descoyuntado.

martes, mayo 31, 2016

Citas: Pablo Picasso



El propósito del arte es lavar el polvo de la vida diaria que se junta en nuestras almas.

Pablo Picasso (1881-1973), pintor español

martes, junio 16, 2015

Frase: Pablo Picasso

El propósito del arte es lavar el polvo de la vida diaria que se junta en nuestras almas".

Pablo Picasso (1881-1973), pintor español