Arte: Psique abandonada

La obra, considerada una de las más famosas obras escultóricas neoclásicas italianas, es una de las más conocidas por Tenerani, un aclamado intérprete de ese movimiento artístico y del purismo italiano. Representa el momento en la famosa fábula de Apuleio en el que Psique fue abandonada por Cupido porque fue engañada.

Psique se representa como una joven desnuda sentada en un afloramiento rocoso y con dos alas de mariposa casi transparentes. Su cabeza ligeramente inclinada y su mirada hacia abajo indican la desangustia y la angustia que la oprimen. Su temprana edad se destaca por el delicado modelado de su cuerpo y rostro. Su cabello está formado por un elaborado chignon que recoge el pelo fijado por dos cintas. El peinado y la cortina, que cae con gracia en sus piernas, son una reminiscencia de la escultura helenística.

Psique abandonada (1819). Pietro Tenerani. Mármol. Galerías Uffizi, Florencia,

El trabajo expuesto en las Galerías Uffizi es la primera transposición de mármol del yeso original de 1817, ahora guardado en el Museo Palazzo Braschi de Roma. La escultura se exhibió en el Campidoglio en 1819 y obtuvo fama y éxito inmediato para el artista, no sólo debido a la culta referencia al clasicismo sino también a la magistral mano de obra del mármol que reproduce la suavidad de la epidermis y la sorprendente transparencia de las alas, tratadas como si estuvieran allí.

La "psique abandonada", que supera la austeridad neoclásica con un lenguaje atento a la representación de verdades naturales y sentimentales, fué reproducida por el escultor en numerosas réplicas.

Arte: El rapto de Ganímedes

Ganimedes era un héroe divino, hijo de Tros, rey de Troya. Un día se encontraba en el monte Ida, cuidando un rebaño de ovejas y pasando allí el tiempo de exilio al que muchos héroes se sometían en su juventud, cuando fue raptado por Zeus. El dios, al verlo, se enamoró de él instantáneamente, y transformándose en una águila lo rapto, llevándolo al monte Olimpo. 

El rapto de Ganimedes, obra en bronce de Benvenuto Cellini (1548). Museo Nazionale del Bargello, Florencia, Italia.

Ya encontrándose ambos en el Olimpo, Zeus hizo a Ganimedes su amante, compañero de lecho y copero de los dioses, suplantando a Hebe. Más tarde Zeus ascendió a Ganimedes al firmamento como la constelación de Acuario (el Aguador), que está relacionada con la de Aquila (el Águila).

De Cimabue a Rothko, una veintena de cuadros tocados por la gracia (VII)

Leonardo Da Vinci

La última cena (en italiano: Il cenacolo o L’ultima cena) es una pintura mural original de Leonardo da Vinci ejecutada entre 1495 y 1498. Se encuentra en la pared sobre la que se pintó originalmente, en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie, en Milán (Italia), declarado Patrimonio de la Humanidad por la Unesco en 1980.​ La pintura fue elaborada para su patrón, el duque Ludovico Sforza de Milán. No es un fresco tradicional, sino un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso extendidas sobre enlucido. Mide 460 cm de alto por 880 cm de ancho. Muchos expertos e historiadores del arte consideran La última cena como una de las mejores obras pictóricas del mundo. 

La última cena, Leonardo Da Vinci. Mural. Santa Maria delle Grazie, Milán, Italia

La Anunciación (en italiano, Annunciazione) es uno de los cuadros más célebres del pintor renacentista italiano Leonardo da Vinci. Se representa el tema de la Anunciación de la venida de Cristo a María por el ángel Gabriel, conforme a la Biblia cristiana, recogiéndose en el Evangelio de Lucas, 1:26-38. En esta Anunciación, lo mismo que en la pequeña predela sobre el mismo tema que pintó Leonardo por la misma época, ha usado la colocación, muy formal, que proviene de las dos pinturas de Fra Angélico sobre el tema, bien conocidas, con la Virgen María sentada o arrodillada a la derecha de la pintura, a la que se acerca desde la izquierda un ángel de perfil, con rico ropaje que flota, alas alzadas y portando un lirio. Sin embargo, a diferencia de la iconografía clásica, la escena se desarrolla enteramente en el exterior, dentro de un jardín cerrado de una típica villa florentina. Este es un rasgo innovador, ya que en la tradición medieval la ambientación era siempre en el interior (lo que favorecía la representación de la cama), al menos en lo que se refería a la Virgen, mientras que el ángel podía estar en el exterior, pero en un hortus conclusus, es decir, en un jardín delimitado por altos muros que aludían al vientre de María. Para mantener la reserva del encuentro, Leonardo pinta a la Virgen en un palacio, pero dejando entrever el lecho; además, un pequeño muro delimita el jardincillo.

La Anunciación, Leonardo Da Vinci. Óleo sobre tabla (madera de álamo). Galería degli Uffizi, Florencia, Italia

De Cimabue a Rothko, una veintena de cuadros tocados por la gracia (VI)

Giovanni Bellini, también conocido por su apodo Giambellino (Venecia, h. 1433 - Venecia, 26 de noviembre de 1516) fue un pintor cuatrocentista veneciano, uno de los artistas más importantes del Renacimiento veneciano. Probablemente sea el miembro más conocido de una familia de pintores venecianos que incluyó a su padre Jacopo, su hermano Gentile y su cuñado Andrea Mantegna. Está considerado como un artista que revolucionó la pintura veneciana, haciéndola progresar hacia un estilo más sensual y colorista. Gracias al uso de pintura al óleo clara y de secado lento, Giovanni creó tintes intensos y ricos y sombras detalladas. Su suntuoso colorido y los paisajes fluidos y con atmósfera tuvieron un gran efecto en la escuela de pintura veneciana, especialmente en sus alumnos Giorgione y Tiziano.

En la primera de sus obras, la Virgen sostiene en su brazos al Niño Jesús flanqueada por dos santas en una Sacra Conversazione. La santa de la izquierda se ha identificado como Santa Catalina y la de la derecha como Santa Úrsula, que porta la flecha de su martirio, o Santa María Magdalena. Excepto la figura del Niño, las demás se representan de tres cuartos sobre un fondo de cortinaje verde.

La Virgen con el Niño entre dos santas, Giovani Bellini. Óleo sobre tabla. Museo Nacional del Prado, Madrid, España

Esta Alegoría cristiana, también conocida como La alegoría sagrada (en italiano, Allegoria sacra), es una de las obras del periodo de madurez del pintor renacentista italiano Giovanni Bellini. Puede ser una alegoría del Purgatorio, inspirado en el poema Le Pèlerinage de l'Âme, de Guillaume de Deguileville. En un marco arquitectónico con un colorido paisaje al fondo, se muestran diversas figuras de santos cuyo nexo de unión o sentido general de la obra no está muy claro. Está considerada de difícil interpretación. La terraza tiene elaboradas baldosas de mármol. La profundidad del paisaje se logra no tanto por la perspectiva sino, sobre todo, por el cromatismo. Se distingue a san Sebastián, a la derecha de todo, con una flecha clavada. Junto a él, un san Jerónimo o quizá una representación del santo Job; estas dos figuras no presentan el mismo modelado que el resto. Al otro lado de la balaustrada, a san Pablo, con un gran manto rojo y una espada en la mano. En la parte de la izquierda, María en un trono. En el extremo de este lado, una figura con turbante que parece un añadido posterior.

Sacra Alegoría, Giovani Bellini. Temple sobre tabla. Galleria degli Uffizi,  Florencia, Italia

De Cimabue a Rothko, una veintena de cuadros tocados por la gracia (I)

Cimabue (1240 – 1302), también conocido como Cenni di Pepo o Cenni di Pepi, fue un pintor florentino y creador de mosaicos. Cimabue se considera generalmente como uno de los primeros grandes pintores italianos a romper con el estilo italo-bizantino, aunque él todavía confió en modelos bizantinos. El arte de este período comprendía escenas y formas que parecían relativamente planas y muy estilizadas. Cimabue fue un pionero en el movimiento hacia el naturalismo; Sus figuras fueron representadas con proporciones más realistas y sombreado. Aunque fue un pionero en ese movimiento, sus pinturas Maestà evidencian técnicas y características medievales. Según Giorgio Vasari, fue el maestro de Giotto, el primer gran artista del Proto-Renacimiento italiano.

El cuadro Virgen en Majestad, conocido también como Maestà di Santa Trinitá es una obra pictórica de Cimabue. Esta «Virgen con el Niño, ángeles y profetas» (en italiano, Madonna col Bambino, angeli e profeti). Es un tipo de Virgen hodegetria (la que muestra el camino. La Virgen Odihitria u Hodigitria señala al Niño como camino de salvación). Está en el centro, sentada, con el hijo sobre sus rodillas, mostrándoselo a los fieles. En la base se ven cuatro profetas sorprendidos por la aparición de la Virgen con el Niño: Jeremías, Abraham, David e Isaías. A ambos lados del trono en el que se sienta la Virgen, aparecen los ángeles en planos superpuestos. La influencia bizantina se evidencia en el hieratismo de las figuras, sobre todo de la parte superior, así como en el uso de un fondo dorado. Otros rasgos en los que se nota la influencia bizantina son las figuras de la Virgen y el Niño bendiciendo, así como el color de la ropa. Sin embargo, consigue profundidad gracias a la forma del trono y la posición de los ángeles. Los rostros de los profetas son muy expresivos y realistas; la Virgen en cambio, es más suave y dulce. Se la considera un modelo perfeccionado respecto a la Maestà del Louvre. Sus formas ricas en matices evidencian una influencia en el modelado de la escultura románica.

Virgen en majestad, Cimabue. Temple sobre tabla.  Galería degli Uffizi, Florencia, Italia

Es un crucifijo grandioso, de 3,90 metros con la postura de Cristo aún más sinuosa, pero es sobre todo la representación pictórica delicadamente difuminada lo que representa una revolución, con un naturalismo conmovedor (quizá inspirado también por las obras de Nicola Pisano) y privado de aquellos duros golpes gráficos que se encuentran en el crucifijo aretino. La luz ahora es calculada y modela con el claroscuro un volumen realista: los colores brillantes del abdomen, girado hacia la supuesta fuente de la luz, no son los mismos del costado y el hombro, hábilmente representados como iluminados con un ángulo de luz diferente. Las sombras, al igual que los profundos pliegues de los codos, son más oscuros en los surcos entre la cabeza y el hombro, sobre el lado, entre las piernas. Un verdadero ejemplo de virtuosismo es la representación de la mórbida cortina, delicadamente transparente. Tras siglos de ásperos colores pastosos, Cimabue fue entonces el primero en extender mórbidos esfumados.

Crucifijo de la Santa Croce, Cimabue. Tempera sobre madera.  Museo de Santa Croce, Florencia, Italia

Florencia (Italia)

Autoría: Silvia Cano Moreno